以紗線療癒人心的簇絨工藝！淺力之物所uncertain studio、織品藝術家Eric Liao

幾捲毛線、一張畫布、一台簇絨槍與一整個下午，簇絨（tufting）織品藝術透過重複性的療癒工法，將線材梳理成靈感的霞光，一筆一畫織進布料中探索織品的不同質地，簡單的手法與無限的創意，拉起了體驗與織品工藝之間最近的距離。

從歐美紅到亞洲的簇絨（tufting）織品藝術近期成為一課難求的熱門課程，僅僅幾個小時，初學者也能做出有模有樣的創作，更吸引了許多非織品領域的創作者跨域學習，簡單、迷人的技法背後更是織毯工藝的歷史縮影。

廣稱為「tufting」的工藝類型中，織毯可以說是其中代表，而簇絨槍（tufting gun）也是因織毯工廠而誕生。回顧人類製作地毯的歷史，西元前400∼500年波斯人便使用織框（Woven loom），將線繩透過打結（Hand-knotted）的方式織出花紋精美的地毯，後來逐漸發展成手簇絨工藝（Hand-tufted），相似的工法如俄羅斯刺繡與地毯鉤針，都是透過工具在孔隙比較大的布料上戳出毛絨質地，不但可以自由地做出圖案，也加速了花式地毯製作的速度。最初出現的織槍為木製、手動式，而自動式機械型織槍約在西元1930年出現於當時世界最大的地毯生產地美國喬治亞州的道爾頓市，約在2018年風靡於歐美、並延伸至工廠以外的創作，2021年底，這股療癒旋風更吹向亞洲。

簇絨工藝的運作原理，是透過穿有紗線的槍口尖端將線穿刺進底布縫隙，此時會在底布的後方形成線圈，暫時固定完成「簇絨」，織槍分為手動與自動，織物質感以圈絨（loop Pile）或割絨（cut Pile）呈現，如毛巾布結構一般的質感為圈絨，圈絨槍將紗線不斷織進底布中，紗環呈現U型結構。割絨槍口則設有小剪刀不斷把剛織好的圈絨紗環剪斷，紗環呈現Ｗ型結構，最終質感如絨毛。兩種技法搭配起來，再加上多元線材的應用與圖案變化，即可以在同一張布面上玩出許多質感與創意。

簇絨工作坊玩什麼？

以織物為主軸、專門探索材質創作的「淺力之物所uncertain studio」主理人欣秀、孟萱，以及視覺與織品藝術家Eric Liao，雖然創作風格迴異，但皆以不同於市面上商業化的簇絨課程，以更深入、多元而實驗性的教學分享織品工藝的美好。

織品設計系畢業的欣秀與孟萱早些年從事知名運動品牌的鞋面針織設計，對於織品工藝瞭若指掌的她們，對簇絨的創作有著不同的習慣，欣秀喜歡割絨呈現的細緻圖案，並習慣以剃刀修整絨毛高度做出層次感的搭配；孟萱則喜歡圈絨織紋所帶來的粗糙中帶點工藝的感覺。早在2016年她們就注意到簇絨槍的出現，當時還需要透過特殊管道向工廠直接購得，使用與維修都要自己摸索，一開始為了挑底布、紗線與繃布框的張力做了許多嘗試，最後才找到滿意的純棉布與耐用的聚酯纖維布，分別使用於圈絨與割絨質感。也為了能夠盡情玩出織物的質感變化，淺力之物所uncertain studio的簇絨課程提供了非常多的花式紗，如反光紗、段染紗、粗細節紗，甚至是她們自己手染的紗線，創作中也能夠將2、3條紗線同時織進布料中進行混紗。除了從圖案設計、配色與選紗進行的初階課程，淺力之物所uncertain studio更設計了長達6小時、從繃布框開始的進階簇絨工藝課程，除了創意，也相當考驗體力。

而作品風格溫暖迷人的視覺與織品藝術家Eric Liao，2020年成立了織品工作室「Eric Liao Studio」，作品多以插畫再延伸為織物或服裝等創作呈現。Eric接觸織品設計大約有5年的時間，以織品創作探討自我療癒、人與情緒相關的議題，「我透過創作檢視自己的狀態、與內在的不安和解，也希望工作坊學員知道自己也能創造出能安撫內在小孩又有療癒感的作品。」也因此Eric規劃的工作坊之一，即是先透過冥想靜心與直覺繪畫，再進行簇絨創作，藉由自我探索的過程，逐漸發展自己創作時對於材質與配色的風格，並將成品做成毛絨絨的療癒抱枕。而為大眾開設的簇絨工作坊則是單純圖案創作，Eric同樣鼓勵學員玩材質、不要設限任何紗線的運用，體驗紗線的各種視覺效果和手感，化學纖維的粗糙、羊毛與羊駝毛的溫暖都能玩出不同變化，不同於著重工藝的工作坊，未來他也想在課程之中，加入更多觸發靈感的體驗環節。

簡單也不簡單的簇絨工藝

簇絨的製作過程看似相當簡單，卻依然有許多需要掌握的細節與技巧，織造時的機器走位安排是欣秀、孟萱與Eric都相當在意的，織造路線就像素描的筆觸，若沒有先設計好路線，用胡亂塗鴉的方式進行，近看會不夠細緻，背面也會有很多零零碎碎的線頭，最後在背面上膠的時候表面會不平整。同時他們也異口同聲建議新手以大色塊的幾何形狀構圖，因為初學者很難控制織槍轉彎，比較細的線條或細碎的地方較不容易織造。值得一提的是，專業的簇絨藝術家在創作時幾乎沒有圖案限制，甚至可以做非常細緻、多變的圖案線條，就算紗線已刺上去，還是可以用剪刀修剪想要的輪廓，只是需要非常多時間與耐心。

對於紗線材質有深入研究的欣秀與孟萱，認為紗線的粗細度、彈性是需要考慮的條件，若紗線不夠粗會無法填滿布料縫隙，視覺上不夠豐盈，還可能會脫落；紗線彈性太大則會在織造過程收縮，彈性太小則會造成脆裂。平整的人造壓克力紗是市面上最常見、最適合新手的，不但價錢合理、容易清潔，織造過程也相對流暢；若想要追求溫暖又高級的質感，羊毛紗也是個好選擇。此外，雖然混紗效果很好，但也不建議初學者同時使用太多紗線，容易產生紗線自撚（互相扭纏）。

織完之後？簇絨藝術的更多可能

簇絨作品除了常製成壁掛、地毯、抱枕，鏡子、首飾盤，能夠快速展現織品質感的特性也相當適合應用於大型裝置藝術創作，發展性廣泛。像是2018年時阿根廷的藝術家Alexandra Kehayoglou以簇絨技法織就一件件大型的藝術作品驚艷眾人，「Alexandra會花一整個月在做整幅的作品。但這才是好玩的地方，邊做邊觀察與思考！」欣秀與孟萱也觀察到俄羅斯新興的簇絨藝術家創意力豐盛、作品跳脫對於簇絨的想像；而對於針織與紗線開發相當進步的韓國，作品細緻度高、對於課程與商品規劃也很完整。「絨毛高低差、紗線質感、圖案就能組合出數不清的變化！我們也喜歡將成品和不同材質做結合，比如將織片固定在塗上壓克力顏料的畫板上做成複合媒材創作，當不侷限簇絨於織品，而是將它視為一種元素時，應用範圍就更開闊。」欣秀與孟萱說道。

Eric則相當關注讓簇絨在全世界紅起來的推手之一美國藝術家Tim Eads，他建立了網站「Tuft the World」分享許多有用的簇絨知識。而曾在時尚選品店初衣食午展出作品〈海洋編織〉的葡萄牙編織藝術家Vanessa Barragão也是Eric喜歡的織品藝術家，「我很喜歡觀察織品的表面質地變化和故事性，Vanessa能搭配不同織品工藝創造多元層次讓我驚艷！」此外，跨足服裝設計領域的Eric也觀察到簇絨於時尚產業的多元應用，甚至前幾年前紐約Parsons設計學院也有學生應用於服裝設計。「我覺得簇絨開啟了一個新的可能性，讓不同領域的創作者像是插畫、時尚領域都我覺得簇絨開啟了一個新的可能性，讓不同領域的創作者像是插畫、時尚領域都能透過織品發展更多元的創作，能讓更多人認識織品創作是件很棒的事情。能讓更多人認識織品創作是件很棒的事情。」

淺力之物所uncertain studio

畢業於織品設計系的主理人欣秀、孟萱，以織物為主軸專門探索材質結合創作的無限可能，除了織物商品設計，也舉辦織品相關的專業工作坊課程，分享織品工藝與創作的美好。

IG：@uncertainstudio

廖翊丞（Eric Liao）

出生於台北的插畫、織品創作者，於2020成立Eric Liao Studio。作品多以插畫為基礎，將織品為主的各類媒材轉譯延伸製成織物、服裝等不同的創作，探索不同質地的表現，透過多彩的視覺語言與豐富的表現層次，傳遞細膩的情感訴求。

IG：@eeericliao

文｜馮興妍　

圖片提供｜淺力之物所uncertain studio、Eric Liao　

場地協力｜At The Venue在場

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23