幾捲毛線、一張畫布、一台簇絨槍與一整個下午，簇絨（tufting）織品藝術透過重複性的療癒工法，將線材梳理成靈感的霞光，一筆一畫織進布料中探索織品的不同質地，簡單的手法與無限的創意，拉起了體驗與織品工藝之間最近的距離。

從歐美紅到亞洲的簇絨（tufting）織品藝術近期成為一課難求的熱門課程，僅僅幾個小時，初學者也能做出有模有樣的創作，更吸引了許多非織品領域的創作者跨域學習，簡單、迷人的技法背後更是織毯工藝的歷史縮影。

廣稱為「tufting」的工藝類型中，織毯可以說是其中代表，而簇絨槍（tufting gun）也是因織毯工廠而誕生。回顧人類製作地毯的歷史，西元前400∼500年波斯人便使用織框（Woven loom），將線繩透過打結（Hand-knotted）的方式織出花紋精美的地毯，後來逐漸發展成手簇絨工藝（Hand-tufted），相似的工法如俄羅斯刺繡與地毯鉤針，都是透過工具在孔隙比較大的布料上戳出毛絨質地，不但可以自由地做出圖案，也加速了花式地毯製作的速度。最初出現的織槍為木製、手動式，而自動式機械型織槍約在西元1930年出現於當時世界最大的地毯生產地美國喬治亞州的道爾頓市，約在2018年風靡於歐美、並延伸至工廠以外的創作，2021年底，這股療癒旋風更吹向亞洲。

簇絨工藝的運作原理，是透過穿有紗線的槍口尖端將線穿刺進底布縫隙，此時會在底布的後方形成線圈，暫時固定完成「簇絨」，織槍分為手動與自動，織物質感以圈絨（loop Pile）或割絨（cut Pile）呈現，如毛巾布結構一般的質感為圈絨，圈絨槍將紗線不斷織進底布中，紗環呈現U型結構。割絨槍口則設有小剪刀不斷把剛織好的圈絨紗環剪斷，紗環呈現Ｗ型結構，最終質感如絨毛。兩種技法搭配起來，再加上多元線材的應用與圖案變化，即可以在同一張布面上玩出許多質感與創意。

簇絨工作坊玩什麼？

以織物為主軸、專門探索材質創作的「淺力之物所uncertain studio」主理人欣秀、孟萱，以及視覺與織品藝術家Eric Liao，雖然創作風格迴異，但皆以不同於市面上商業化的簇絨課程，以更深入、多元而實驗性的教學分享織品工藝的美好。

織品設計系畢業的欣秀與孟萱早些年從事知名運動品牌的鞋面針織設計，對於織品工藝瞭若指掌的她們，對簇絨的創作有著不同的習慣，欣秀喜歡割絨呈現的細緻圖案，並習慣以剃刀修整絨毛高度做出層次感的搭配；孟萱則喜歡圈絨織紋所帶來的粗糙中帶點工藝的感覺。早在2016年她們就注意到簇絨槍的出現，當時還需要透過特殊管道向工廠直接購得，使用與維修都要自己摸索，一開始為了挑底布、紗線與繃布框的張力做了許多嘗試，最後才找到滿意的純棉布與耐用的聚酯纖維布，分別使用於圈絨與割絨質感。也為了能夠盡情玩出織物的質感變化，淺力之物所uncertain studio的簇絨課程提供了非常多的花式紗，如反光紗、段染紗、粗細節紗，甚至是她們自己手染的紗線，創作中也能夠將2、3條紗線同時織進布料中進行混紗。除了從圖案設計、配色與選紗進行的初階課程，淺力之物所uncertain studio更設計了長達6小時、從繃布框開始的進階簇絨工藝課程，除了創意，也相當考驗體力。

而作品風格溫暖迷人的視覺與織品藝術家Eric Liao，2020年成立了織品工作室「Eric Liao Studio」，作品多以插畫再延伸為織物或服裝等創作呈現。Eric接觸織品設計大約有5年的時間，以織品創作探討自我療癒、人與情緒相關的議題，「我透過創作檢視自己的狀態、與內在的不安和解，也希望工作坊學員知道自己也能創造出能安撫內在小孩又有療癒感的作品。」也因此Eric規劃的工作坊之一，即是先透過冥想靜心與直覺繪畫，再進行簇絨創作，藉由自我探索的過程，逐漸發展自己創作時對於材質與配色的風格，並將成品做成毛絨絨的療癒抱枕。而為大眾開設的簇絨工作坊則是單純圖案創作，Eric同樣鼓勵學員玩材質、不要設限任何紗線的運用，體驗紗線的各種視覺效果和手感，化學纖維的粗糙、羊毛與羊駝毛的溫暖都能玩出不同變化，不同於著重工藝的工作坊，未來他也想在課程之中，加入更多觸發靈感的體驗環節。

簡單也不簡單的簇絨工藝

簇絨的製作過程看似相當簡單，卻依然有許多需要掌握的細節與技巧，織造時的機器走位安排是欣秀、孟萱與Eric都相當在意的，織造路線就像素描的筆觸，若沒有先設計好路線，用胡亂塗鴉的方式進行，近看會不夠細緻，背面也會有很多零零碎碎的線頭，最後在背面上膠的時候表面會不平整。同時他們也異口同聲建議新手以大色塊的幾何形狀構圖，因為初學者很難控制織槍轉彎，比較細的線條或細碎的地方較不容易織造。值得一提的是，專業的簇絨藝術家在創作時幾乎沒有圖案限制，甚至可以做非常細緻、多變的圖案線條，就算紗線已刺上去，還是可以用剪刀修剪想要的輪廓，只是需要非常多時間與耐心。

對於紗線材質有深入研究的欣秀與孟萱，認為紗線的粗細度、彈性是需要考慮的條件，若紗線不夠粗會無法填滿布料縫隙，視覺上不夠豐盈，還可能會脫落；紗線彈性太大則會在織造過程收縮，彈性太小則會造成脆裂。平整的人造壓克力紗是市面上最常見、最適合新手的，不但價錢合理、容易清潔，織造過程也相對流暢；若想要追求溫暖又高級的質感，羊毛紗也是個好選擇。此外，雖然混紗效果很好，但也不建議初學者同時使用太多紗線，容易產生紗線自撚（互相扭纏）。

織完之後？簇絨藝術的更多可能

簇絨作品除了常製成壁掛、地毯、抱枕，鏡子、首飾盤，能夠快速展現織品質感的特性也相當適合應用於大型裝置藝術創作，發展性廣泛。像是2018年時阿根廷的藝術家Alexandra Kehayoglou以簇絨技法織就一件件大型的藝術作品驚艷眾人，「Alexandra會花一整個月在做整幅的作品。但這才是好玩的地方，邊做邊觀察與思考！」欣秀與孟萱也觀察到俄羅斯新興的簇絨藝術家創意力豐盛、作品跳脫對於簇絨的想像；而對於針織與紗線開發相當進步的韓國，作品細緻度高、對於課程與商品規劃也很完整。「絨毛高低差、紗線質感、圖案就能組合出數不清的變化！我們也喜歡將成品和不同材質做結合，比如將織片固定在塗上壓克力顏料的畫板上做成複合媒材創作，當不侷限簇絨於織品，而是將它視為一種元素時，應用範圍就更開闊。」欣秀與孟萱說道。

Eric則相當關注讓簇絨在全世界紅起來的推手之一美國藝術家Tim Eads，他建立了網站「Tuft the World」分享許多有用的簇絨知識。而曾在時尚選品店初衣食午展出作品〈海洋編織〉的葡萄牙編織藝術家Vanessa Barragão也是Eric喜歡的織品藝術家，「我很喜歡觀察織品的表面質地變化和故事性，Vanessa能搭配不同織品工藝創造多元層次讓我驚艷！」此外，跨足服裝設計領域的Eric也觀察到簇絨於時尚產業的多元應用，甚至前幾年前紐約Parsons設計學院也有學生應用於服裝設計。「我覺得簇絨開啟了一個新的可能性，讓不同領域的創作者像是插畫、時尚領域都我覺得簇絨開啟了一個新的可能性，讓不同領域的創作者像是插畫、時尚領域都能透過織品發展更多元的創作，能讓更多人認識織品創作是件很棒的事情。能讓更多人認識織品創作是件很棒的事情。」

淺力之物所uncertain studio

畢業於織品設計系的主理人欣秀、孟萱，以織物為主軸專門探索材質結合創作的無限可能，除了織物商品設計，也舉辦織品相關的專業工作坊課程，分享織品工藝與創作的美好。

IG：@uncertainstudio

廖翊丞（Eric Liao）

出生於台北的插畫、織品創作者，於2020成立Eric Liao Studio。作品多以插畫為基礎，將織品為主的各類媒材轉譯延伸製成織物、服裝等不同的創作，探索不同質地的表現，透過多彩的視覺語言與豐富的表現層次，傳遞細膩的情感訴求。

IG：@eeericliao

文｜馮興妍　

圖片提供｜淺力之物所uncertain studio、Eric Liao　

場地協力｜At The Venue在場

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

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想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group