plzzzz 藝廊將於 2022年7月11日至9月1日起在台北微風南山艾妥列三樓，推出全新夏日潮流聯展《 All My Loving 》，號招來自英國、美國、法國、瑞典、韓國等六位當代藝術家，除首次在台展出大型原創畫作、雕塑，更與 plzzzz 獨家聯名推出限量周邊品，首掀今夏藍色風浪，再開潮流話題。

plzzzz 藝廊由國內策展團隊 INCEPTION 啟藝所成立，作為首個進駐微風南山艾妥列的藝術空間，以「 藝術取悅生活，日常滋養藝術 」為核心精神，繼開幕首展日韓聯展，再度集結國際潮流藝術家，以夏日潮流聯展《 All My Loving 》為名，探討當代潮流藝術、街頭草根塗鴉與日常流行文化的彼此融合；當來自世界各地、背景不同的創作者們以自身作品表述觀點，將迸發出什麼樣的火花？

街頭叛逆靈魂 x 當代流行符碼 ＝ 大人小孩世界觀

作品大量曝光於各地藝術博覽會，且廣受藏家喜好的 Greg Mike（ b.1982 ），由街頭大型壁畫出道，而後進入各地畫廊與博物館藏。來自美國康涅狄格州，Greg 深受美國卡通的角色風格，與其在 80 年代中期的紐約之旅激發的公共空間藝術創作能量所影響，反映於自身創作：拆解、抽取大量流行卡通角色、應用深刻線條、以及鮮明色彩所組成超現實構圖，交織而成生動搶眼的張力作品。從城市街頭走入畫廊館藏，Greg 從未遺忘最初的創作能量與玩心，自早年積極與品牌合作、近一步近年推出 NFT 作品，屢屢疊加觀者驚喜體驗；本次展出作品，更是為 plzzzz 獨家完成的巨幅原作，帶給台灣藏家極具美式張力的觀展體驗。

玩轉流行文化符碼的，還有近年廣受韓國年輕藏家追捧的 Jackson Shim ( b.1979 ），在今年除接連於韓國各地推出個展，也在 3 月的 K-Auction 由現代首爾（ The Hyundai Seoul ）收藏，獲得高度曝光。他以大量的 “ $ ”、“ R ”資本主義符號及流行卡漫系列角色，以層層堆疊的明亮色彩融合蠟筆般童趣筆觸於畫布，推出 A 到 Z 的巨幅字母創作，作為本次於 plzzzz 首度展出的合作。這系列作品，靈感來自於自己的小女兒學習著色的字母卡片，Jackson 應用了自身的影視專業所學背景，建構出「大人小孩」的世界觀，以諷刺幽默的塗鴉手法，深入刻畫現實資本主義、流行文化、與童年的衝突感。

來自瑞典的觀念藝術家 Johan Karlgren ( b.1977 )，作品中富含概念性和城市街頭風格，重現漫畫、卡通、電子遊戲和電影中的標誌性圖像，以象徵像素的珠子作為藝術媒介，拼貼為流行文化角色，並將其置入世界各地不同細小角落。他以 Pappas Pärlor 為名，在家鄉瑞典的街角、地縫、街邊裝置了大量的街頭創作，目前已有超過 500 件散落於各處；此次來台首展，也特別抽取經典電影、動畫與電玩等流行文化角色為像素符號，融合古典油彩與親自挑選的復古畫框，拼貼成為富足張力且幽默感十足的叛逆作品。

微觀靈魂雕琢 x 三維立體雕塑 ＝ 日常角色奇想

同樣受到流行文化深刻影響，成長於 MTV、卡通台以及各種經典電影之中，來自美國的 Mike Leavitt ( b.1977 ），自紐約普拉特藝術學院（ Pratt Institute ）以優等生身份畢業後，不僅創作出數百個木雕角色在全球各地展出，更進一步將繪畫、雕塑與漫畫結合，與獨立媒體合作倡導各項議題，發揮影響力。他擅長以極細緻且幽默戲謔的細節，透過飛機木與黏土為媒材，創造名人或是英雄角色。其中，最知名的電影導演系列，包含宮崎駿、提姆波頓等，在今年 One Art Taipei 廣獲藏家青睞蒐藏，將在本次《 All My Loving 》延續好評，再度推出新作。

而來自法國雕塑家、音樂家，也身兼電影製片人Nicolas Jullien ( b.1985 )，則是通過自學方式，發展出獨具個人化的藝術實踐方式與作品。他深受木材媒介所吸引，以各式日常人物、物件為關注對象，運用鮮明色彩與線條，刻畫出一系列既溫暖又原始的童趣雕塑，本次也將來到 plzzzz 藝廊首度展出。他的哥哥是國際著名畫家 Jean Jullien，兩人共同創立了朱利安兄弟工作室，合作各式動畫、活動與音樂，而 Nicolas 本人除了木雕創作外，也將其童趣視角放在繪畫、陶瓷、甚至是音樂、裝置等不同形式上，帶給觀者廣泛而不同層次的體驗。

當日常奇想實踐於創作，長居英國的Sebastian Burdon ( b.1982 ) ，也將帶來令人驚豔的大尺寸雕塑。他以 “ Whatshisname ” 為名，發想於西洋搖滾天團 Green Day 的歌曲《 Whatshisname 》，背後原因是他總記不起他藝術家的名字。擅長透過電子與傳統媒介融合創作，Whatshisname 去年由英國大型藝廊 Castle Fine Art Gallery 所簽下，在他的作品中最知名的 Popek 系列，反映其希望透過非正統、嘲弄的方式，包含在角色主體姿態、尺寸玩轉等，刺激觀者反思與周遭環境的關係，質問世界所有事物存在的本質，本次也將在《 All My Loving 》首度展出。

“ All My Loving, Darling, I’ll be True. ”

標誌著當代藝術、潮流文化與數位創作的融合，致力於宣揚新世代的語彙，提供大眾全新的生活美學體驗，plzzzz 藝廊延續了首檔《 Please, Please Me 》日韓藝術家聯展，在今夏再度以 The Beatles 於夏日錄製的經典歌曲 《 All My Loving 》為展名，將 6 位藝來自歐美與韓國的潮流藝術能量，包含原創畫作、木雕、巨型雕塑與獨家聯名周邊品，匯集成為豐富的潮流藝術語言，共同乘載、傳遞對藝術欣賞最真摯的感動與喜愛，帶給所有藏家夏日時光中最真摯的愉悅。

《 All My Loving 》

藝術家   ｜Greg Mike, Jackson Shim, Mike Leavitt, Nico Jullien, Pappas Pärlor, Whatshisname

展覽日期｜ 2022.07.11 – 2022.09.01 

開館時間｜ 週日 – 週三 11:00 – 21:30；週四 – 週六 11:00 – 22:00

展覽地點｜ plzzzz 微風南山艾妥列 3 樓 （110台北市信義區松智路 17 號 3 樓）

資料提供｜plzzzz 藝廊

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}