金曲獎最佳樂團落日飛車如何走向國際市場？一窺海外巡演和國際合作幕後

從2016年開始，落日飛車走遍美洲、歐洲、東南亞、中國、日本、韓國等地域，從一場台下只有3位觀眾，唱到完售千人場館。他們並非鎖定海外華人市場，而是真正觸及當地聽眾，為自己也為台灣音樂開闢了一條新路。

2021年第32屆金曲獎，落日飛車獲頒最佳樂團，主唱兼吉他手曾國宏（國國）一上台就說起搭車前往會場時和司機的互動，「司機大哥說，噢我以前也搞band，是彈bass的，大概十幾年以後你也有機會跟我一起來開車。」但他們真的開了一台車，「它乘著夕陽繞去世界很多地方，這台車就叫作落日飛車。」

通往世界的車道起點，始於2016年落日飛車以EP《JINJI KIKKO》復出，80年代的funk、Disco、Jazz等舒緩節奏，搭上全英文歌詞，在海外網路和電台受到迴響，也開始收到海外演出邀約。國國說，這些邀約都是100∼200人小型場地，沒有提供機票住宿，無異是很大的經濟壓力。

剛好Airbnb和廉價航空興起，讓他們得以壓低預算，先從鄰近的日本、新加坡跑起，再拓展到歐美。他們放眼海外市場的原因再直覺不過，因為唱的是英文歌。國國說，寫中文歌總覺得很彆扭，但英文不是母語，讓他感覺與唱歌的自己脫勾，「可以說是一種逃避，但也可以是一種遊戲。」他們唱著「I Know You Know I Love You」、「Jellyfish Happy Swimming」，不完全正確的文法、英文母語者不會有的字詞組合，聽在外國人耳裡成了詩意趣味。

沒有前例可循的海外巡演

台灣音樂人到海外巡演並不少見，五月天、周杰倫等都唱進歐美，不過鎖定的都是華人市場；落日飛車的目標，是想觸及在地聽眾。沒有前例遵循，樂手出身的團員們是如何摸索出海外巡演的眉角？「誠實來說沒有得摸索，一切都是且戰且走。」國國笑說，第一年去美國巡演時用的是旅遊簽證，第二年想到要申請工作簽證時，就在面試時被抓包，本想矢口否認，沒想到面試官當場講出他們表演的場館和日期，只好乖乖坦承。

也在2017年之後，他們漸漸了解音樂演出的產業鏈，國國說，歐美演出廠商分成中盤和尾盤，中盤是類似經紀人的「Agent」，會到各大場館看演出，找尋喜歡的樂團簽約，並把樂團賣給尾盤的「Promoter」，Promoter就是實際舉辦表演的演出商。「Agent是巡迴可以辦起來的關鍵，2016年第一次出國，要說那是巡迴我也說不上，因為很少場，自己東湊西湊，或是國外的樂團也喜歡我們，邀我們一起到他們表演的場子。真的要透過Agent，才可以排成一個巡迴，像今年我們一次就要唱38場。」

對於全球流行的亞洲復古浪漫曲風，國國表示最初創作時還沒有這個浪潮，之所以和其他音樂人的歌曲在音質上接近，和運用的麥克風、混音軟體類似有關，但細究音樂語彙都差異很大。他進一步說明，Agent的工作很吃人脈，得看其常與哪些演出商合作，而演出商又有在地和國際之分。在地演出商常由幾家唱片行老闆聯合，固定在某個城市舉辦演出；「國際則像是Coachella、Glastonbury，這些大音樂祭本身也是演出商，會跟很多場地合作辦秀，先邀請音樂人來辦專場，當你有能力賣完1,000、2,000人的場子，就有機會被邀請去大型音樂祭，產業鏈是一層一層往上爬。」

不同於歐美層層分工，亞洲並沒有中盤商，中國則是中盤、尾盤和音樂廠牌，3個單位由同一間公司一條龍式經營。國國說，目前落日飛車在歐洲和美國各有合作的Agent，每年巡演規模都逐漸成長，「真的有看到打平希望，覺得這是一個可以開發的市場是2019年，然後疫情就來了（笑）。」2019年他們在倫敦可以賣完1,200人、紐約800人、巴黎650人，周邊商品銷售也不俗。

長期研究流行音樂的中正大學傳播學系教授簡妙如觀察，包括落日飛車，草東沒有派對、大象體操、Deca Joins等獨立樂團，差不多都在2015年之後崛起，不走傳統唱片公司的商業模式，自組團隊並走向海外。她分析大環境背景，流行音樂產業分成「製作、發行、流通」3個環節，過去這些能力都掌握在唱片公司。1980年代末期，錄音器材門檻降低，首先在製作端有了鬆動；再到2015、2016年國際唱片產業，數位加上串流的營收已超越實體銷售，「這意味著，不僅製作，發行和流通也不需要公司幫助，這是很大的唱片產業變革。」

這群成長於數位時代的音樂人，接觸很多國際音樂和資訊，自然會想把自己推向國際市場。其中落日飛車能打入海外在地聽眾，她認為音樂仍是最關鍵，除了全英文歌詞和國際化曲風，「目前台灣獨立樂團裡，落日飛車每一位團員的現場演奏水準，我覺得是最強的。他們不是伴奏樂手，而是可以在台上很有默契地演奏、彈唱，也能即興，強度能和國際級音樂人比拚。

創作者相互串聯的趨勢

落日飛車走入國際不僅在演出面，也在音樂創作上發展跨國合作，和韓國樂團HYUKOH主唱吳赫、泰國歌手Numcha合唱，近日也以廠牌「夕陽音樂」的名義推出《夕陽無限好聽》合輯，集結落日飛車、雷頓狗、宋柏緯，和Paul Cherry、Phum Viphurit、Michael Seyer、O3ohn、never young beach，版圖遍及台灣、美國、泰國、菲律賓、韓國、日本。

「這張合輯裡只有O3ohn是我不認識的，其他每個都是見過面、玩過音樂、喝過酒的朋友。」國國說，這也是出國巡演的附加價值，「我喜歡的音樂人問我要不要去喝一杯，我再累也要去。通常你跟他聊天，他就會給你聽最近在做的音樂，如果你跟他說，這很讚欸我想錄個吉他，他一定會說好啊，這樣就有很多合作和交流機會。」

不同於過往音樂人的跨國合作是公司對公司，他認為社群時代下個人點對點的串聯絕對是趨勢，落日飛車的MV也常與外國導演合作，此次合輯就有曾拍攝星野源MV的日本導演Pennacky，以及來自韓國的DQM、巴西和美國的動畫師兼導演Bernardo Britto & Alexa Lim Haas。合作模式並無新奇，「只要有心、願意好好寫一封信，他也喜歡你的音樂，這些事情都是有機會成的。」

有趣的是，《夕陽無限好聽》是來自不同國家音樂人的創作，但聽來都有復古、抒情的感覺，再加上近年Vaporwave、City Pop等80年代曲風重新流行，世界彷彿興起一陣復古浪漫情懷。簡妙如認為串流是重要原因，這類曲風的大眾接受度高，在演算法機制下類似曲風會相互推薦，很容易獲得擴散。從文化層面來看，「現今在新自由主義下，所有KPI都要快速回應，創新是很容易消耗的。還有全球時代的風險，日本福島核災、22K低薪、99%對1%的極端貧富差距，都讓人絕望。這時安穩的80年代，經濟飛黃騰達的城市流行曲，唱著欣欣向榮的城市愛情，給了不安的現代一點慰藉。」

音樂品味和製作能力就是know-how

目前夕陽音樂的收入來自實體、周邊、版權、巡迴、商案，國國說，落日飛車幾乎不做代言，但有諸多和不同樂團、品牌合作音樂的商案，不過也以海外居多。「這也是我們想要的樣子，台灣對我們而言就是過得舒服，是研發、寫歌的基地，不想有太多『人』上面的曝光。廠牌就是讓音樂人開心做音樂，能提供好的支持，給予宣傳、美感、音樂上的意見，就很不錯了。」

簡妙如也說，過去常用唱片「公司」的詞彙，那是資本主義下集結資金、擴大規模、以利益極大化為邏輯，但獨立音樂更強調「廠牌」（Label）的概念，本務就是音樂製作的能力跟獨特的音樂品味。「廠牌可以有一定規模，必須要有一套專業化制度，例如獨立的財務分工。但完全沒有必要變成一間大唱片公司，也不是要做一個和韓國SM、JYP抗衡的國際公司，廠牌的know-how就在於它的美學、風格與文化。」

疫情前一年100場以上的海外演出，落日飛車也將累積的經驗傳承給其他樂團，例如美秀集團在北流的演唱會音樂總監，就是落日飛車的音控，會告訴他們練團、演出時要注意的細節，「至少他們不用經歷到，唱了200場才知道要戴耳機。」

國國笑說，「以前會經歷一些自尊的問題，覺得搖滾樂團不能戴耳機啊！但唱了200場後發現真的唱太爛了，沒關係就戴耳機吧。」他們也將歐洲合作的Agent和Tour Manager介紹給大象體操，「大方向的原則和流程可以共用，但能不能完全複製獲得成功，不見得。至少有一個模型，每個樂團可以調整成自己喜歡、適合的樣子。」畢竟在這個講求創意與品味的世界，不論音樂或商業模式，都是獨特最高。

 BIZ NUMBER 

【6,740 萬】落日飛車在Spotify上有許多歌曲破千萬點擊，最高的〈My Jinji〉已超過6,740萬。

【2,000 人】2019年落日飛車在倫敦就已能完售1,200人的場地，今年再度重啟的國際巡迴，倫敦已成長到2,000人規模的場館。

【2 座】落日飛車至今兩度獲金曲獎肯定， 2019年以〈Slow/Oriental〉獲得最佳MV、2021年以《SOFT STORM 柔性風暴》奪下最佳樂團。

_{文｜張以潔　圖片提供｜夕陽音樂}

以《炎拳》、《鏈鋸人》等作擁有眾多粉絲的漫畫家藤本樹，其扣人心弦之作《驀然回首》（LOOK BACK）真人版電影，將由是枝裕和導演一手包辦導演、劇本、剪輯，並確定日本與台灣將於2026年9月11日同步上映。本作的雙主演卡司也正式揭曉：出口夏希（飾 藤野）、蒔田彩珠（飾 京本），以及飾演童年時期的七瀨楓莉（飾 藤野）、岡田六花（飾 京本）。

《驀然回首》是漫畫家藤本樹在2021年於漫畫平臺「少年Jump+」上所發表的作品，敘述一心以成為漫畫家為目標的兩位少女之間青春動人的故事。當時《驀然回首》在知名創作者與漫畫粉絲之間引起熱烈討論，打動許多讀者的心，更獲得「這本漫畫真厲害！2022」男性部門第一名的殊榮，2024年推出的動畫電影版於世界規模最大的動畫影展「法國安錫國際動畫影展」首映，在世界各地上映後更造成轟動，獲得極高的評價。

是枝裕和執導《驀然回首》真人版

特別的是，是枝裕和導演在收到執導邀約前，就被《驀然回首》真切的故事所打動，據說他當時偶然在書店看到了這部作品，被封面的「背影」所吸引就買下來一口氣讀完了，是枝裕和導演表示：「藤本樹先生如果沒畫這部作品，應該就無法繼續前進吧，我深切地感受到那樣的心情。對我而言，《無人知曉的夏日清晨》就是那樣的作品。」

感謝能在這個時代遇見這部作品

後來製作人小出大樹邀請是枝裕和導演執導《驀然回首》的真人版電影，與原作作者藤本樹見面後，是枝裕和導演表示：「一開始是希望能向藤本先生致謝，謝謝他讓這樣的作品誕生，感謝能讓我在同樣的時代遇見這部作品，但那天在回家的路上，我記得自己就下定決心覺得必須執導本作。」藤本樹也透露《海街日記》是他看的第一部是枝裕和導演的電影，對於導演細膩的執導方式讚不絕口，他表示：「如果是枝導演能執導《驀然回首》，就什麼都不用多說了，我很期待！」

以藤本樹的家鄉為中心進行拍攝

《驀然回首》故事敘述一心以成為漫畫家為目標的兩位少女「藤野」、「京本」之間青春動人的故事。真人版電影和原作相同，將與美麗的四季一同細膩地描繪兩位主角「藤野」、「京本」從小學時期以來這13年的歷程。本作也以《驀然回首》原作作者藤本樹的家鄉秋田縣仁賀保市為中心進行拍攝，獲得當地民眾熱心的協助，在電影中將可飽覽豐富的四季之景。

濱田英明拍攝視覺照與劇照

《驀然回首》還請來攝影師濱田英明負責拍攝視覺照與劇照，先前釋出的兩張視覺海報，也出自於濱田英明之手，一張是兩位主角在房間作畫，另一張則是兩人行走於雪地的背影，這都是電影中令人印象深刻的場景。

全片以底片拍攝完成

而先前釋出的《驀然回首》首支預告片中，以繪製漫畫的手部動作和聲音作為開頭，隨著音樂流淌，以主角「藤野」和穿著日式傳統棉袍的「京本」她們倆的背影，一同描繪出四季更迭的景象，能窺見原作中會令人想起的經典場面。特別的是，這次應是枝導演的要求，整部電影以底片拍攝。並首次與攝影師上野千藏合作拍攝電影，兩人一同將美麗的四季和藤野與京本的模樣，精心地記錄在底片中。

音樂家坂東祐大負責配樂

音樂部分則由曾經手電視劇《大豆田永久子與三個前夫》和動畫《怪獸8號》等影像作品之配樂、歌手米津玄師和宇多田光的歌曲的音樂家．坂東祐大負責，《驀然回首》首支預告的音樂也由他製作。坂東祐大曾為是枝導演所執導的廣告製作音樂，這次是他第一次參與是枝導演的電影作品。坂東祐大表示：「以藤本樹老師獨一無二的故事為基底，以細膩的目光將精湛的演技、仁賀保市四季更迭的美麗風景以及那些時光，捕捉刻劃在十分有品味的底片影像中。我希望也能透過音樂，精心編織出這個世界。」

真人版主角揭曉：出口夏希、蒔田彩珠

至於備受矚目的真人版主角，也於今日（6/9）公布正式名單。擅長四格漫畫、在班上十分受歡迎，並因「京本」的刺激而更沉迷於漫畫創作的「藤野」，由主演電影《小秘密》、《萬事快調〈All Greens〉》以及電視劇《鯖魚罐頭，航向宇宙》而引起話題的出口夏希飾演。與「藤野」同年級、是「藤野」四格漫畫的忠實粉絲，但一直宅在家中專心作畫的「京本」，則由曾參演多部是枝裕和導演的作品（《比海還深》等作）、主演電影《Happiness》、《消滅世界》，並在電視劇《REBOOT》中表現亮眼的蒔田彩珠飾演。

兩人也分享讀完漫畫原作後的感想，出口夏希表示：「兩人一起追逐夢想、全力向前、只能不斷前進的模樣，以及作品中滿溢的真誠與專注，深深地打動了我。」蒔田彩珠則表示：「『藤野』與『京本』各自面對無數阻礙，卻仍為了所愛之事振作起來、向前邁進的模樣，我記得這部分讓我深感共鳴。」兩人從開拍約4個月前就開始練習漫畫創作，為拍攝做準備。

                                                  ⭣出口夏希

                                                  ⭣蒔田彩珠

繼《舞伎家的料理人》後再次共演

這是兩人繼是枝裕和導演所執導的Netflix影集《舞伎家的料理人》後，再次共演的作品。彼此建立深厚的信任感，並共同完成以秋田縣仁賀保市為中心的長期外景拍攝作業。是枝裕和導演也分享對於兩位主演的看法，對於出口夏希，他提到了從4年前認識她以來的成長：「她的成長與始終如一的天真燦爛並存，是非常迷人的特質，她完美地詮釋了藤野這個角色。」而對於蒔田彩珠，導演則說：「讀完漫畫原作後，我曾與蒔田演員見面，當時我對她說：『如果有機會翻拍這部作品，就拜託妳演京本！』。我覺得能安心地把京本交給她。」導演對於兩位演員完美詮釋故事核心角色的表現給予高度讚賞。

童年時期演員從多位甄選者中脫穎而出

另外，飾演「藤野」與「京本」童年時期的演員，是枝裕和導演在多位甄選者中，一見面便確信「非這兩人莫屬」的，是七瀨楓莉（飾 童年時期的藤野）與岡田六花（飾 童年時期的京本）。兩人拍攝《驀然回首》時皆為11歲的小學五年級生，生日僅相差一天。本作是七瀨演員的出道作，是枝裕和導演表示：「她開朗、落落大方、自然的姿態正是『藤野』本人！」是和角色形象極為契合的選角。而對於岡田六花，是枝裕和導演也給予高度評價：「隨著拍攝進行的過程，她表現得愈來愈好，讓我不禁心想：『還想再多看看她的表現呢』，她的戲分也比原本預定的增加了不少。」

_{資料提供｜車庫娛樂、文字整理｜Adela Cheng}

有一個你從未真正踏足過的地方，但潛意識卻認得它。那是一座由走廊構成的迷宮，牆上貼著泛黃的壁紙，地面鋪著髒污的米色地毯，頭頂則是不時嗡鳴閃爍的燈光。由A24製作出品的電影《後室》（The Backrooms），正是放大這種集體潛意識的恐懼，並透過大銀幕勾勒「閾限空間」（Liminal Space）概念美學！

《後室》由年僅20歲的凱恩帕森斯（Kane Parsons）執導，這位在國中時期首次接觸到「後室」概念的年輕導演，在2022年時開始於YouTube上傳以「後室」為主題的偽紀錄片風格系列影片，讓原本誕生於網路上的都市傳說，逐漸發展成一套後室宇宙。

「後室」是什麼，起源從何而來？

在進入《後室》的電影世界之前，讓我們先將時間回轉到2019年，當時網路論壇「4chan」討論串出現一張詭異照片，一間黃光壟罩著黃色壁紙的開放式房間，令人不安與不適的氛圍，立刻引發網友熱烈討論。

其中一位用戶更寫出詳細描述：「如果你不小心，在錯誤的地方脫離現實，你將會掉進『後室』。那裡只有潮濕老舊地毯的霉味、令人發狂的單調黃色、螢光燈與最大嗡鳴聲不斷震動的背景噪音，以及大約6億平方英里的隨機分割空房間，讓你深陷其中。如果你聽見附近有什麼在徘徊，願上帝保佑你，因為它肯定也已經聽見你了。」

而這種讓人不寒而慄的場域，被稱為「閾限空間」，指那些空蕩房間、走廊、廢棄商場等過渡性空間，帶有超現實、令人毛骨悚然的氛圍。之後，關於「後室」創作與「閾限空間」概念不斷延伸，讓這個都市傳說在網路上廣泛流傳，而凱恩帕森斯詮釋的「後室」則無疑是最廣為人知的版本。

將集體潛意識變成電影場景

由於凱恩版本的後室名聲太過響亮，吸引了A24目光，決定將他的創作改編成一部全新超現實驚悚電影。凱恩已經在YouTube上構築出龐大後室故事，但電影並非重新翻拍，而是擷取出一小段敘事加以擴寫。

《後室》故事背景設定在1993 年，講述一名不得志的家具店老闆克拉克（奇維托艾吉佛 Chiwetel Ejiofor 飾演），某日在自家倉庫地下室發現通往後室的入口；而他的心理治療師瑪莉（蕾娜特萊茵斯薇Renate Reinsve 飾演），則在因緣際會下跟著他進入這個不可知的空間。 

從網路影像走向電影，對凱恩來說，最大的挑戰並不是單純重現「黃色房間」，而是如何讓一個原本存在於螢幕、迷因與3D建模軟體Blender影像中的空間。在加拿大場景設計師Danny Vermette操刀下，這個網路上最具代表性的「閾限空間」，實際變成演員可以真實走入、觸碰與迷失的電影場景。

詭譎「閾限空間」來自平凡又糟糕的設計

《後室》美術設計之所以困難，在於它所呈現的詭譎恐怖氛圍並不來自誇張造型，而是來自「平凡到不正常」的精準比例。接受Dezeen訪問時，Danny Vermette表示劇組並不是打造一個傳統恐怖片式的鬼屋，而是把人們對現代空間的集體記憶重新組裝。

壁紙不能只是黃色，必須是粉絲記憶中那種帶有潮濕、老舊、過度單一的黃色；地毯不能只是髒，它必須讓人聯想到密閉空間裡長年累積的悶味；燈光也不能只是明亮，而是要有辦公室螢光燈那種持續嗡鳴、讓人感到精神疲勞的壓迫感。隨著沉浸在「閾限空間」數個月後，他意識到這種美學的來源，某種程度上與「糟糕、懶惰的設計」有關。

「現在的建商在某種程度上，對自己正在創造什麼樣的空間更有意識。但在1970、80、90 年代，重點反而著重在量體上，而我認為那也正是《後室》世界中那些巨大空間擴張而來的原因。」Danny Vermette說。因此，《後室》的恐怖感不只來自空間本身，更像是對某種粗糙、制式、缺乏情感的現代室內設計提出回應。 

為了實體化想像中的空間，除了靠後製特效外，劇組也真實在四座攝影棚中，花了3個月時間搭建出一座約3萬平方英尺（約843坪）的迷宮式場景。這些場景大多由走廊、歪斜房間、半高門洞、斜坡地板與不合邏輯的家具構成，有些門開在牆面一半高度，有些家具彷彿正在沉入地毯。「我們將許多比較有限、具體的場景搭建在15~20英尺高的鷹架舞台上，並做出真實斜坡，讓演員能夠以不舒服的方式與空間互動，無論是擠過狹窄裂縫，或是爬過隧道。」Danny Vermette說道。

而電影中主角克拉克從家具店地下室牆面穿越至後室的關鍵橋段，則是實拍加上特效的成果。Danny Vermette表示兩個房間在攝影棚中是真實相連的，共用牆面上搭建了兩個入口，一個供演員使用，另一個供攝影機使用，使角色在兩個空間之間的移動更有真實感。

泛黃壁紙、燈光等細節設計

解決了空間問題，接下來則是空間裡鋪陳的細節。其中最讓人難以忘懷的莫屬後室裡無限蔓延的泛黃壁紙牆，Danny Vermette表示團隊光是壁紙就製作了30到40種版本，前後花了50次反覆調整色調、印花與比例，並將樣本與地毯、燈光放在一起測試，只為了讓畫面既能被粉絲認出，又能在電影攝影機下成立。

之所以如此講究，正是因為「真正的後室黃色」在網路上本來就存在大量討論與爭議，當這個顏色進入真實片場後，還必須考量攝影機、演員膚色、實體家具與燈光反射等因素，所有元素都會改變畫面的色調。因此，團隊最終發展出一套屬於電影版的配方，使用了3.7萬平方英尺的黃色壁紙，以及2.9萬平方英尺的米黃色地毯，希望在實拍影像中保留接近Blender世界的冷感與不真實感。

至於燈光則是塑造《後室》不安氣息的另一重要關鍵，只不過那些原先安裝在天花板格柵上的日光燈管，在電影拍攝情況下則顯得不太適用。為了達到更好的效果，團隊改以電影燈懸吊在天花板上方，並製作遮罩控制光線，使它看起來像是來自場景本身的燈光，讓這些不時閃爍發出嗡鳴聲的燈，為電影給人不安的情緒感更加分。

然而《後室》究竟在說些什麼？則待你親自進電影院裡找答案了。

資料來源｜采昌國際、Dezeen、Fast Company