北美館《途中》將於戶外廣場展出！步入上下擺盪的「蹺蹺板」通道，找回因疫情而受限的體感經驗

臺北市立美術館（北美館）策動的實驗性藝術計畫——X-site計畫，以美術館戶外廣場為基地徵選空間提案，首獎作品將進行為期約3個月的展出。2023年X-site計畫首獎由「途中」團隊的同名作品《途中》（Find your way out）拿下，將在廣場上建構一座高達8公尺的網格裝置，中央夾置可供穿越的「蹺蹺板」通道，配合觀者的行走行為、廊道內的聲響、高牆網格的視覺干擾，帶領人們在後疫情時代，找回人與人、人與實體世界之間的有機連結。

X-site計畫：激發人們對空間「再想像」的藝術實驗

2014年，北美館發起X-site計畫並延續至今。九年來，入選作品橫跨多領域和學科，涵蓋建築構築、當代藝術、環境研究、觀眾參與⋯⋯等多元視角，透過為期約一季的慢閃式展出，進行一場探討臨時結構裝置、形塑廣場公共性精神的實驗計畫，同時鼓勵跨領域、多元的創作對話與參與，讓廣場成為一種靈感，激發人們對空間的再想像。

所謂空間的再想像，從近年的首獎作品看起，或許更能深入了解其義：2020年《膜》利用67片偏光片形構一座環形裝置，搭載觀者所配戴的偏光片眼鏡，成就一場遊走於邊界曖昧、真實與幻境交疊的超感體驗；2022年《藍屋》則以一座橫跨廣場上兩段階梯的全木構建築呈現，其斜面屋架、曲面地板全都披上幽謐的「藍屋藍」色彩，而屋簷間的縫隙、斜屋頂上的幾何開孔，則為建築物帶來穿透性，當觀眾漫遊其中，彷彿能感覺到真實、虛構的邊界被霧化至消弭。

「跨域」成為2023 X-site計畫的評選重點

來到2023年，本屆徵件著重於「跨域」形式的創作計畫，期盼以空間／環境實驗性的臨時建築提案，呈現結構工法、媒介運用、美學表現的突破與實踐。而本次獲獎團隊「途中」由聲音藝術家王仲堃、法國藝術團體hellobastworkshop、空間設計劉佳豪、裝置設計郭仲輔所組成，具備動力藝術、聲音或燈光裝置設計經驗，呼應當代藝術與建築、技術交融的創作型態。

2023 X-site計畫首獎《途中》：創造人與人之間的有機連結

《途中》預計於今年5月中展出，作品看似超現實的外觀，其實蘊含深化人際連結的想望。創作團隊認為，在疫情時代下，雖促進虛擬世界的發展，卻也因而減少真實感官的感受，以及人與人之間的有機連結。因此，《途中》的每個細節的創作發想，其實都藏著呼應大疫肆虐時或後疫情時代下，人們所表現出的想法、行為以及面對疫情態度的轉變。

8公尺高牆 X 裝載鋼珠的蹺蹺板通道

團隊預計在北美館的戶外廣場，立起兩道8公尺的高牆，並夾縫出寬約1公尺、可供穿越的走道。中間的構造為一大型「蹺蹺板」通道，配合頭尾兩側的阻尼器減緩震動，觀眾腳下的地板會隨著重心轉移，以±4°的傾角平緩地落下或抬升；更有趣的是，蹺蹺板的地板內裝載5000顆鋼珠，將隨觀者的腳步、裝置的傾斜而流瀉出聲浪。

撥動繩索的觸感 X 摩爾紋的視覺擾動

步入《途中》，除了體感與聽覺的刺激，其他感官也將有所享受。通道兩側的壁面呼應觸覺，其以繩索密接構成，觀者行走時，可感受指尖撥動繩索的觸感；視覺刺激則反映在8公尺高牆與陽光的互動上——隨著蹺蹺板的擺盪、陽光照射角度的變化，亦或觀者挪移身軀時改變了觀看視角，那包覆高牆的雙層網格將出現「摩爾紋」的條紋干擾現象，其有趣之處在於，儘管牆面看似動態，實則紋風不動，為觀者帶來視覺上的動感和閃爍。

喚起因疫情而遭受限的體感經驗

《途中》彰顯了創作者企圖回歸視覺、聽覺、觸覺等當下的跨域身體感知，以藉此改變觀眾與場域的關係，團隊透過本作在環境尺度上的巨大量體、顏色與材質，以及如何行走、人的重量如何改變地表狀態、與聲響變化等動態性的行為介入，重新喚起因疫情而遭受框限的「體感」經驗。

關於《途中》如何呼應疫情之下人的心境轉換，評審團也提出精準的比喻：「作品打破原本在空曠的廣場中，人身體的距離無法被界定的狀態。透過創造兩座高牆與相挾而成的通道，呈現對疫情中的未知、不確定性的態度與回應：每個不確定性取決於人們所邁出步伐的連鎖效應，就如同蹺蹺板的作動；唯一的通道，則說明直面疫情的不二態度，能從困境中找到出口。」

2023 X-site計畫《途中》

預定展出日期｜2023年5月20日（六）～ 2023年7月30日（日）

展出地點｜臺北市立美術館戶外廣場

首獎團隊簡介｜途中

「途中」團隊由聲音藝術家王仲堃、法國藝術團體hellobastworkshop、空間設計劉佳豪以及裝置設計郭仲輔所組成，團員皆在各自的領域中活躍著，在創作途中因X-site而相聚。成員各自帶來對於建築、空間裝置的理解和想像，激盪出跨域的火花，只為了呈現給民眾最難忘的體驗。

資料、圖片｜途中團隊、臺北市立美術館

一間不賣鮮花的花店，竟能巡迴紐約、墨爾本、香港、新加坡等大城市，所到之地皆掀起排隊熱潮，這到底是怎麼一回事？原來這是澳洲當代藝術家Cj Hendry策動的「Flower Shop」藝術計畫，她以絨毛為材質，重新演繹各形各色的花卉，從莖葉到花瓣都細膩還原！

在開花店之前，「色鉛筆」超寫實畫作就引發社群討論

早在「Flower Shop」爆紅之前，Cj Hendry就以高超到得以「掩人耳目」的畫技為藝術迷熟知——閃閃發亮的迪斯可球、揉皺的塑膠袋、黏稠未乾的顏料、輕盈閃著幻彩的泡泡、盤中渾圓美味的魚子醬……，她不靠多樣媒材堆疊創作，就憑「色鉛筆」調色繪出！每道如顏料質地反射的光、彷彿立體物件自帶的影，都靠她巧手創造。看著這些巨幅超寫實畫作，不說還以為是攝影作品。

「Flower Shop」專賣永不凋零的花

近年，Cj Hendry將創作領域從超寫實畫作，拓展至大型藝術裝置和體驗，讓藝術以更可親的方式靠近大眾。2024年，她在紐約首度推出「Flower Market」，販售一系列以織品和泡棉製作而成、永不凋零的絨毛花朵，沒想到活動大受歡迎，最後快閃甚至演變為一間位於紐約SoHo區的永久性花店。其後，Hendry將計畫更名為「Flower Shop」並帶著作品去往世界各地。

為何以花為創作載體？Hendry認為，花是一種「人人都懂的語言」，無論是慶祝、道歉或單純想為日常製造浪漫，人們都會買花；不過可惜的是，鮮花總敵不過枯萎的命運。她想將這件事反轉，藉由永不凋零的花朵，讓心意得以永遠綿延。此外，Hendry希望透過Flower Shop讓人們知道，藝術不一定高冷艱澀，也能是觸手可及、可以輕鬆和親朋好友分享的。

「Flower Shop」8/28登台北微風廣場

巡迴紐約、新加坡、香港和澳洲多座城市後，Flower Shop今年夏天來到台北，8/28起於微風廣場快閃登場。這座露天花店將佈置如溫室，讓人們有造訪花市的實感，現場集結100種絨毛花卉，其中包含7款以台灣花卉為靈感的作品。想為自己或所愛之人挑一束永生花束，別忘了把這行程加上行事曆！

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）