臺北市立美術館（北美館）策動的實驗性藝術計畫——X-site計畫，以美術館戶外廣場為基地徵選空間提案，首獎作品將進行為期約3個月的展出。2023年X-site計畫首獎由「途中」團隊的同名作品《途中》（Find your way out）拿下，將在廣場上建構一座高達8公尺的網格裝置，中央夾置可供穿越的「蹺蹺板」通道，配合觀者的行走行為、廊道內的聲響、高牆網格的視覺干擾，帶領人們在後疫情時代，找回人與人、人與實體世界之間的有機連結。

X-site計畫：激發人們對空間「再想像」的藝術實驗

2014年，北美館發起X-site計畫並延續至今。九年來，入選作品橫跨多領域和學科，涵蓋建築構築、當代藝術、環境研究、觀眾參與⋯⋯等多元視角，透過為期約一季的慢閃式展出，進行一場探討臨時結構裝置、形塑廣場公共性精神的實驗計畫，同時鼓勵跨領域、多元的創作對話與參與，讓廣場成為一種靈感，激發人們對空間的再想像。

所謂空間的再想像，從近年的首獎作品看起，或許更能深入了解其義：2020年《膜》利用67片偏光片形構一座環形裝置，搭載觀者所配戴的偏光片眼鏡，成就一場遊走於邊界曖昧、真實與幻境交疊的超感體驗；2022年《藍屋》則以一座橫跨廣場上兩段階梯的全木構建築呈現，其斜面屋架、曲面地板全都披上幽謐的「藍屋藍」色彩，而屋簷間的縫隙、斜屋頂上的幾何開孔，則為建築物帶來穿透性，當觀眾漫遊其中，彷彿能感覺到真實、虛構的邊界被霧化至消弭。

「跨域」成為2023 X-site計畫的評選重點

來到2023年，本屆徵件著重於「跨域」形式的創作計畫，期盼以空間／環境實驗性的臨時建築提案，呈現結構工法、媒介運用、美學表現的突破與實踐。而本次獲獎團隊「途中」由聲音藝術家王仲堃、法國藝術團體hellobastworkshop、空間設計劉佳豪、裝置設計郭仲輔所組成，具備動力藝術、聲音或燈光裝置設計經驗，呼應當代藝術與建築、技術交融的創作型態。

2023 X-site計畫首獎《途中》：創造人與人之間的有機連結

《途中》預計於今年5月中展出，作品看似超現實的外觀，其實蘊含深化人際連結的想望。創作團隊認為，在疫情時代下，雖促進虛擬世界的發展，卻也因而減少真實感官的感受，以及人與人之間的有機連結。因此，《途中》的每個細節的創作發想，其實都藏著呼應大疫肆虐時或後疫情時代下，人們所表現出的想法、行為以及面對疫情態度的轉變。

8公尺高牆 X 裝載鋼珠的蹺蹺板通道

團隊預計在北美館的戶外廣場，立起兩道8公尺的高牆，並夾縫出寬約1公尺、可供穿越的走道。中間的構造為一大型「蹺蹺板」通道，配合頭尾兩側的阻尼器減緩震動，觀眾腳下的地板會隨著重心轉移，以±4°的傾角平緩地落下或抬升；更有趣的是，蹺蹺板的地板內裝載5000顆鋼珠，將隨觀者的腳步、裝置的傾斜而流瀉出聲浪。

撥動繩索的觸感 X 摩爾紋的視覺擾動

步入《途中》，除了體感與聽覺的刺激，其他感官也將有所享受。通道兩側的壁面呼應觸覺，其以繩索密接構成，觀者行走時，可感受指尖撥動繩索的觸感；視覺刺激則反映在8公尺高牆與陽光的互動上——隨著蹺蹺板的擺盪、陽光照射角度的變化，亦或觀者挪移身軀時改變了觀看視角，那包覆高牆的雙層網格將出現「摩爾紋」的條紋干擾現象，其有趣之處在於，儘管牆面看似動態，實則紋風不動，為觀者帶來視覺上的動感和閃爍。

喚起因疫情而遭受限的體感經驗

《途中》彰顯了創作者企圖回歸視覺、聽覺、觸覺等當下的跨域身體感知，以藉此改變觀眾與場域的關係，團隊透過本作在環境尺度上的巨大量體、顏色與材質，以及如何行走、人的重量如何改變地表狀態、與聲響變化等動態性的行為介入，重新喚起因疫情而遭受框限的「體感」經驗。

關於《途中》如何呼應疫情之下人的心境轉換，評審團也提出精準的比喻：「作品打破原本在空曠的廣場中，人身體的距離無法被界定的狀態。透過創造兩座高牆與相挾而成的通道，呈現對疫情中的未知、不確定性的態度與回應：每個不確定性取決於人們所邁出步伐的連鎖效應，就如同蹺蹺板的作動；唯一的通道，則說明直面疫情的不二態度，能從困境中找到出口。」

2023 X-site計畫《途中》

預定展出日期｜2023年5月20日（六）～ 2023年7月30日（日）

展出地點｜臺北市立美術館戶外廣場

首獎團隊簡介｜途中

「途中」團隊由聲音藝術家王仲堃、法國藝術團體hellobastworkshop、空間設計劉佳豪以及裝置設計郭仲輔所組成，團員皆在各自的領域中活躍著，在創作途中因X-site而相聚。成員各自帶來對於建築、空間裝置的理解和想像，激盪出跨域的火花，只為了呈現給民眾最難忘的體驗。

資料、圖片｜途中團隊、臺北市立美術館

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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