台北當代藝術館《超出建築——田中央＋七位藝術家聯展》！以跨域共演締造建築體驗新觀點

談到「建築」二字，你心中浮現的會是什麼呢？是龐大聳立的混凝土巨獸，抑或是觸動身心的空間體驗？MoCA台北當代藝術館2023年首檔主題大展《超出建築——田中央＋七位藝術家 聯展》由王俊雄策展，集結蔡明亮、陳逸恩、聶永真、江國梁、林聖峰、姚仲涵、黃聲遠與田中央工作群，從電影、設計、聲音及表演藝術的跨域展演，打開你對建築的既有印象！

田中央工作群：以建築創造對話場域

田中央工作群由建築師黃聲遠創立，深耕宜蘭二十多年，至今已壯大為一群青年建築家的「意志同盟」，致力於打造能牽起地方生活與環境對話的建築，其獨樹一幟的風格，不僅於國內屢受肯定，更數度揚名國際。

策展人王俊雄表示，建築是一個永無止境且開放理解和詮釋的過程，田中央實踐了與地方環境相融合的念想，並對各領域創作者的參與抱持開放。於《超出建築——田中央＋七位藝術家 聯展》中，每位展出者都曾以不同方式介入田中央的建築，透過本展的牽引，將回補、重塑以往的關係，進而詮釋「超出」建築的想像，同時，觀者也將在觀展途中親身參與、體驗。

以策展、空間、創作回應田中央的精神

為回應田中央建築表現形式和風格，一樓的部分展場被劃分為免費開放區域，放映蔡明亮與江國梁兩位導演的影像作品及建築家林聖峰的立體裝置，以作品交織宜蘭土地的脈動，揭開展覽的序幕。

此外，本次特意將館內部分牆面拆除，讓古蹟本身的窗戶成為貫通展場和周圍環境的媒介，不論是前方長安西路的車水馬龍，或是後方校園的景緻，皆默默成為展覽內容的一部分。

展出作品一覽

蔡明亮｜《出去走走》、《沙》、《宜蘭》

甫踏入展場，首先迎接眾人的便是《出去走走》，以一幕幕山色、水影、稻田、溪流、飛鳥，搭配鏡面反射延伸空間，引領觀眾走進宜蘭的風景裡；在通往二樓的樓梯間，則放映著以田中央「壯圍沙丘旅遊服務園區」與周圍的自然生態為背景的第八部行者作品《沙》；《宜蘭》紀錄片則拍攝南館市場、城隍廟的早餐店、復興路的燒餅店、宜蘭的山水和稻田的日常影像，呼應田中央建築深受宜蘭地貌風土與人情牽引。

江國梁｜《游水》、《一處場所》

持續14年貼身紀錄田中央的江國梁，剪選多部團隊認真的在山、海、土、水中工作與生活的真實狀態，從過去的日常，拼貼出田中央眼中所眺望的未來圖景。此外，於二樓展間中陳列了數張椅子，每張椅子皆有其身份證，顯示它們過去曾扮演的角色，象徵田中央一路走來的軌跡。

林聖峰｜《形成》

擅長以簡單材料詮釋展場空間的林聖峰，以無數鋼條交織出的兩片曲面，恣意地舒展在古蹟的紅磚空間，搭構出觀眾可自由佇立、行走、坐臥的體驗空間。

黃聲遠｜《在建築之前》

本展間將展出黃聲遠求學與成為建築師的歷程，包括典藏的模型、競圖、炭筆畫手稿等，成為日後進入建築體制對「自由想像」的提醒與蛛絲馬跡。

聶永真｜《假建築》

聶永真以《假建築》玩轉建築之於平面設計、立體之於平面的相對關係，取樣其為田中央製作的2本出版品、5件田中央代表建築案例中的色彩、比例及構成方式，經重組配置、裁切成紙張後，再按紙張特性疊成高聳的立體裝置，是為7組似建築非建築、似平面非平面的「假建築」。

此外，由於紙張有著不同密度，吸水受潮的程度也會有所不同，當柱體隨著展覽變化，就有如建築隨著時間推移而染上環境的痕跡。

姚仲涵｜《時間》

現場由三個螢幕構成，分別即時播放宜蘭田中央的工作現場、空拍田中央的建築，以及展覽期間他在田中央建築現場的四場直播演出，以時間連結真實與異地的空間，試圖展現田中央透過時間逐步鋪陳空間的思維。

陳逸恩｜《身體的跟建築的》

舞蹈家陳逸恩透過回訪個人生命中最關鍵的兩個地點——宜蘭老家和由田中央打造的「雲門劇場」，以感官直面建物、腦袋思索語言、身心回憶拼貼肢體動作，重組出建築、記憶以及自我身心的連結。

田中央與七位藝術家｜《Together》

踏入展場二樓最後、也是最大的展間，將會看見一座架高的階梯平台，觀者或自然遊走、或登高俯瞰展場全域，感受與空間的相對關係。現場將展出七位藝術家與田中央的影片、模型、作品等，透過整合共演，召喚出集體生活的社群本質，以呼應「Together」的意涵。

《超出建築——田中央＋七位藝術家 聯展》

時間｜2023/2/11-4/23 10:00-18:00，每週一休館

地點｜台北當代藝術館（台北市大同區長安西路39號）

更多場地資訊、活動消息等細節，請參考官網。

文、部分文字整理｜Carol Chien

資料、圖｜台北當代藝術館

《藤本壯介建築展：原初．未來．森》海外巡迴首站落腳台北，本展透過雙展區、6大主題、逾百件建築計畫，梳理其30年來的建築創作。記者會上，藤本壯介也特別帶逛展場，帶我們走進他腦海內的森林。

日本東京森美術館在去（2025）年推出的藤本壯介建築展，創下逾23萬人次參觀紀錄，不僅是建築相關人士，也吸引了許多年輕人、家庭族群前來觀看。藤本壯介提到，當初在與森美術館討論建築展時，他希望不只是回顧他過去30年的創作軌跡，也能夠呈現他思考了什麼、有什麼前瞻性的內容，最後，「森」這個關鍵字便冒了出來。

從北海道森林走向世界

藤本壯介出生於自然資源豐富的北海道，自幼常見的雜樹林景觀，成為其理解空間與自然關係的原點。1994年自東京大學建築系畢業後，他未循一般路徑進入建築師事務所，而是展開長達6年的獨立探索，省思建築的原點，逐步形塑其建築哲學：模糊自然與人造物、室內與戶外、個體與群體的邊界，創造如森林般開放而富有包容力、得以容納多元關係共存的空間。

用建築連結人、自然與未來

藤本壯介補充，他們在「森」這個字裡面做了很多的想像，不只是自然的森林，人與建築物的關係，其實也是一種森林的意象。「森林裡面有很多不同的生物共存，形成豐富的多樣性，未來的建築物是否也能像一座森林，讓不同的人相聚共存，從多樣性中產生意想不到的連結，這也是我們對於未來建築與社會的想像。」

一踏入展場，牆面上所見的60多幅圖像，這些是藤本壯介從以前到近期的作品，人們能從縱觀的角度窺見它們雖然各自不同，卻又存在某些共同點；透過這面牆，大家可以了解藤本壯介這些年走過的路，其中包含一些實驗性的錯誤，但他也從中思考了許多多樣性與不同的可能性，並讓它們同時共存。

想像多元共鳴的未來城市

抬頭可見的懸掛裝置，則是藤本壯介對100或200年後未來都市的想像。他們想像人們住在一個個如泡泡的圓球中，裡頭也有許多綠意與公園，構成了包容各種多樣性且相互交融的生活空間。他說，在他想像的未來世界中，也許人們都有了可以在空中飛翔的裝置，因此住宅也打破了所謂的樓層限制，形成一個具有多樣性且交融在一起的自由空間。

思考多元共存與彼此連結的可能

來到「開放之環」主題展場，映入眼簾的是200分之1的大阪萬博大屋根模型，搭配牆面上藤本壯介的草圖，能更加了解他設計大屋根時的思考軌跡。藤本壯介說，圓環狀的大屋根雖然是建築，卻極具開放性；所謂的建築，既要接納大眾，又要具備保護與包容的功能，而要如何讓兩個同時並存，是他想要傳達的概念，因此在旁邊的牆面，也可見到體現「開放之環」這個理念的建築作品。

走進藤本壯介的「腦內森林」

匯集了藤本壯介30年來建築模型的「思想之森」展間，則將帶領大家走進他腦內的森林。從入口的早期作品到後方的近期、進行中的作品，主要分為3大創作脈絡：探討建築如何兼顧內部的包覆感，又能向外敞開的「展開與包圍」、思考許多局部如何共同組成一個整體的「眾中之眾」，以及打破空間只有單一用途想像的「未分化」，但這3個概念並非壁壘分明，也有很多交融之處，比如貝爾格勒的哈拉水岸中心（beton hala waterfront center）便展現出這3大主軸。另外，牌子上也特別設置了對應這些概念的壓克力小方塊，讓人們能夠透過顏色辨識每件作品所蘊含的設計脈絡。

思想、創造力是自由的

有趣的是，展間中除了專業的建築模型，也展示了藤本壯介收集的物件，像是包水果的保麗龍紙，呈現建築的通透感；捏碎的寶特瓶表達變形後的風貌，引領人們思考建築的外觀也可以有不同面貌；展出洋芋片模型，則是因他認為洋芋片透過某種堆疊、中間產生的縫隙也是所謂的空間，或許有可能被運用在建築上。藤本壯介說明，希望透過這些展示品，讓大家了解所謂的思想、創造力可以是很自由的，並能在這些自由的發想中找到樂趣。

回望30餘年的建築實踐

「軌跡之森」由建築史學家倉方俊輔兼修編纂，透過年表、手繪草圖、建築語錄與獲獎紀錄，串聯藤本壯介不同時期的代表作品。藤本壯介說，「藉由這次展覽，我才有機會重新回頭看過去的手稿，這些都要感謝我母親當年的細心保存。看到這些草稿時，我一方面感嘆當年自己真的很努力，另一方面也會覺得過去的自己還是有點不行啊。不過，看到這些手稿才發現原來我始終在思考同樣的核心命題，並在不斷的實驗與失敗中反覆鑽研。這些手稿不是為了展出而畫，它們就是我建築思考過程最真實的呈現。」

走進1:5大屋根模型

本次展覽一大亮點、位於衛星展區的5分之1的局部大屋根，則邀請大家穿過模型、用身體感受其中的空間感。藤本壯介補充，大屋根模型在森美術館展出時是靠牆的，在這裡則是可以360度的環繞觀賞、動線更加自由。值得一提的是，展場長達15分鐘的大屋根紀錄片，是藤本壯介在大阪萬博閉幕前一星期自費拍攝、去年底完成剪輯，影片中記錄下從早到晚的風景以及現場的聲音，讓人們即便不在現場，也能感受當時的空間與氛圍，尤其是這部影片沒有上傳到公開的平台分享，推薦大家靜下來欣賞影像，再次回味大阪世博的感動。

藤本壯介建築展：原初．未來．森
日期｜2026.8.15（六）-2027.1.3（日）；開放時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館）
展覽地點｜主展區：忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）、衛星展區：建國啤酒廠成品倉庫（臺北市中山區松江路25巷40號）
更多資訊可至官網查詢

坐落台南漁光島的藝術選物空間「森初．moricasa art」，即日起至9月5日推出日本工藝家五十嵐桃子（Momoko Ikarashi）個展《scenery．記憶瞬間》，邀你在一件件精巧的「窯鑄玻璃」作品中，窺見自然萬物的美好。

春日繁花、夏日綠意、秋日晚霞、冬日白雪，大自然的四季之美，在五十嵐桃子的巧手之下，化為可被「捧在」手中欣賞把玩的袖珍風景。她以玻璃為主要媒材，透過鑽研多年「窯鑄」技法，將自然景緻的迷人色調，封存於一件件生活器具、或如立方雕塑般的工藝擺件，兼具日常氣息和藝術感。

用「窯鑄技法」封存自然景緻

從就讀武藏野美術大學，到畢業後轉至金澤卯辰山工坊研修，十數年來，工藝家五十嵐桃子不斷精進工藝手作經驗，以「玻璃」為主要媒材，將大自然的美好景緻，透過獨特的「窯鑄技法」封存。

有別於常見的「口吹玻璃」所用的轉動吹製工藝，窯鑄技法需先在腦海中構思作品型態，製作石膏模並精算溫度，善用玻璃的可塑特性，讓其呈現如菓子般精緻、或如石頭般沉重的質感。透過窯鑄，五十嵐桃子將夕陽、冬雪、綠意等自然景色，凝結於霧面質感的幾何作品中。

樂趣來自未知

對五十嵐桃子來說，窯鑄玻璃像做實驗般有趣，為追求理想的質感表現，她不斷測試燒製溫度、調整加工方式，將不同大小的彩色玻璃顆粒與碎末，進行排列組合。更有趣的是，在等待玻璃燒結與降溫過程中，電窯內的作品無法直接看見及觸摸，因此每回打開窯蓋皆是驚喜，這對工藝家的技術和經驗來說也是一大挑戰。

從尺度、手感讓玻璃更貼近生活

創作過程中，五十嵐桃子持續思考著，如何讓玻璃更貼近生活：初步構想時，她在圖紙上繪製作品輪廓，再著手製作保麗龍模型，實際測試後調整型態與適合尺寸；完成窯燒後，將轉角處研磨成柔和邊緣，使日常使用時更加順手。她的作品靈感與色彩，多取材於大自然，但並非完全重現，而是發揮玻璃本身的發色效果，呈現媒材獨有的表情。

經典「蓋盒」系列呈現絕美漸層

五十嵐桃子最經典的代表作——「蓋盒 one day」系列，由她大學時期的課堂題目「盒子」延伸而來。此系列的有趣之處在於，作品由蓋、盒組成一體，工藝家以天空投射出的光線為靈感，將各種色彩的光「燒進」玻璃內，並巧妙讓內盒和外蓋形成漂亮的錯位漸層——兩者獨立看各自美麗，擺在一塊看更成風景，有時如湛藍天空交織澄黃晚霞，有時又如冬季時覆於大地上的霜白。

五十嵐桃子．玻璃個展《scenery．記憶瞬間》

展期｜2026.08.08－09.05

地點｜森初．moricasa art（台南市安平區漁光路113號）

開放時間｜週二至週六 13:30－17:00（預約制）