2023/3/4 更新-「Orchidsaur」第二階段作品亮相！ 12公尺藝術裝置現身台南國際蘭展

繼台北101一樓大廳的植生創作，隨著「2023臺灣國際蘭展」的開幕，陳普新作「共生站」、12公尺「Orchidsaur」裝置同步登場，延續原有創作概念，從蘭花豐富而完整的生態演化，闡述與環境共生之美。

「共生站」以寬7公尺、高5公尺的透明氣膜創造一曲面溫室，內部的金屬結構以移動、組合、堆疊為發想，金屬片架構起具孔隙的栽植主體，建立了低中高生態層，並且維持內外空氣循環。想像未來在星際探索的冒險家，攜帶著演化最詳盡並且種類最多的蘭花，作為移動實驗溫室的生命物種，而「共生站」所創造出不同屬性的微氣候，在不同高度創造層流，產生不同的植生環境，為這場探索增添不少驚喜。

近期，台北101一樓大廳入住了些獨特的新物種，潔白的身軀隱藏於雨林植栽中，彷彿棲息於自然生態的小獸，「牠們」是藝術家陳普的最新創作「Orchidsaur」——命名源自蘭花「orchid」以及恐龍「dinosaur」——同時也是即將到來的「2023臺灣國際蘭展」吉祥物。

世界三大蘭展之一的「臺灣國際蘭展」即將於2023年3月4日至19日，在臺灣蘭花生物科技園區展出，受台灣蘭花產銷發展協會之邀，跨域藝術家陳普為其打造專屬吉祥物「Orchidsaur」，並首次以花藝創作及大型裝置亮相台北101，為接下來的展會揭開序幕。

乘載共生之美的「Orchidsaur」

根據考古發現，遠在白堊紀時，蘭花便已與恐龍共存於大地，這樣的故事也成為「Orchidsaur」發想的契機。蘭花是世界上演化最完整的植物之一，除了南、北極外，不論何種氣候或海拔，都可發現它們的蹤跡，如此強勁的生命力與適應力可歸功其特殊的根系，而「Orchidsaur」八隻腳的外型，正是源自於此。

一如蘭花附生的特性，「Orchidsaur」也能以各種形式，存在於各種載體及維度之間。本系列創作將以「Orchidsaur」圖像為核心，衍伸出立體雕塑、巨大藝術裝置，以及數位演算的影像敘事等。

有機雕塑、雨林植栽共譜「漂浮之島」

作為「Orchidsaur」應用的第一階段，位於台北101一樓的植生藝術裝置由陳普及花藝師古文旻共同製作，透過種類豐富的蕨類、觀葉植物和雜屬蘭花交織成綠意盎然的「漂浮之島」，除了點出島嶼作為維護生態多樣性的搖籃角色，更呼應台灣兼具科技、生態及藝文等多元發展的面貌。

而綠葉花叢間，正是「Orchidsaur」的棲息之地，這些純白有機雕塑，是經由數位演算之後，透過3D列印而成的多孔隙結構體，為植物生長攀附的絕佳載體，再度展現「Orchidsaur」共生的核心概念。另外，透過生成藝術創作的影像，也同步投影於裝置上，於日、夜間創造截然不同的視覺體驗。

賦予蘭花嶄新意象

蘭花是單一屬中種類最多的植物，其中，*雜屬作為一龐大的集合體，雖非主流收藏的對象，卻時常出現於生活周遭，例如文心蘭便是其中一種。在本次的植生裝置中，便特意選用各式雜屬蘭花，在與各式雨林植物的搭配中，其野生、富有層次的美感就此綻放，不僅大幅翻轉了蘭花中規中矩、老氣的印象，更期待透過社群傳遞的力量，帶動蘭花的居家栽植風氣。

*雜屬一般指五大屬（蝴蝶蘭屬、兜蘭屬、嘉德麗雅蘭屬、石斛屬及石豆蘭屬）以外的蘭花。

陳普亦分享道，希望藉由視覺藝術導入產業發展，不論是「Orchidsaur」的誕生，或者花藝裝置的再創作，都試圖建立嶄新的品牌敘事，以更多元的手法觸發觀眾的共感，並傳遞與環境共生共存的理念。

台北101辦公大樓 1F大廳的「Orchidsaur」裝置自即日起開放至3月5日，後續則由「2023臺灣國際蘭展」接棒，在展會現場，也將帶來高達12米、長度 19米的巨型「Orchidsaur」，以及高達8米的「蛇頸龍」。

資料、圖｜日目視覺藝術

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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