在未知的廢墟工廠裡看一場無光展覽！柏林「The Dark Rooms Vertical」邀你成為無形的觀察者

柏林似乎永遠不會休息。經歷了疫情的快速推進後，「時間」在這座大都市中成了奢侈品般的存在，是時候將它奪回了。「The Dark Rooms Vertical」是一座沒有燈光的美術館，黑暗銳化了你的其他感官；你必須自己爬上十二層的樓梯，逐步探索塔樓裡的展間；甚至進場參觀前一週，你都還不會知道這座建築究竟在哪裡——不過一旦踏入這廢棄的工廠高塔，每個人都將消失在黑暗中，成為無形的觀察者，留下對藝術的強烈感知。

入場前才會知道的神秘地點

「The Dark Rooms」展覽首次於2016年在一座釀酒廠中登場，這次團隊將展覽移至柏林的一間廢棄汽車工廠，展期僅有15天。宣傳期間，「The Dark Rooms Vertical」對外保密展覽的確切地址，直到進場前48小時，購票者才會收到神秘來信揭露展覽所在地，以及不用化妝、穿著運動服飾等指示，提醒來者拋下外在已知，專注投入欣賞藝術作品。

探索「柏林工業文化的紀念碑」的最後機會

為了讓每個參觀者有足夠的時間、空間沉浸於展覽之中，每批次僅會有數人入場。根據柏林城市官方網站，這座高達十二層樓高的塔樓被視為「柏林工業文化的紀念碑」，在建成當年是德國最高的建築物。自工廠廢棄以來，該建築未曾對外開放，本次「The Dark Rooms Vertical」將會是探索該地點完整樣貌的最後機會，因為在展覽結束不久後，這些建築就即將被拆除、修復重建。

要自己爬12層樓的展覽，會看到什麼？

「The Dark Rooms Vertical」所在的塔樓只有樓梯（當然，它是一個老舊的建築），所以參觀者必須逐層攀登，參訪每個房間。策展團隊為了讓大家爬樓梯的過程儘可能愉快，便在半路上設置一個酒吧，邀請參觀者稍作休息、小酌一杯。

在酒吧休憩的同時，參觀者也將被安排最後一個展區的參觀時間。最後一個展區位於塔樓最高處，需以小組的形式入場參觀。除此之外，參觀者可以在黑暗中自由探索所有其他的房間，每個房間都是不同藝術家所打造的燈光和聲音裝置。參觀者將穿越閃電樹木、看見燃燒的森林；或是在黑暗的百年老建築中欣賞整片的玉米田。

「The Dark Rooms Vertical」中的所有作品都是首度在柏林、甚至全世界登場，其中不乏特別為這棟建築所創作的裝置。入場門票並不便宜，一張要價32歐元，包含展覽門票和酒吧中的飲品。雖然所有參與的藝術家、工作人員都是志願性投入，僅僅獲得車馬費和餐費的報酬，但在一個受到法規保護的古蹟中設置藝術作品、舉辦開放活動，是極為困難和複雜的過程，團隊也強調他們以成本來訂價，希望更多人前來體驗。

「The Dark Rooms Vertical」參展藝術家

SIZHU LI (New York) 、NONOTAK STUDIO (Paris)、DAVID BOWN (USA)、BORIS ACKET (Netherlands)、KLING KLANG KLONG (Berlin) 、LUMUS INSTRUMENTS  (Netherlands) 、MARCO BAROTTI  (Berlin) 、SVEN SAUER (Berlin)、HANNA ANTONSSON  (Sweden)、PHILIP VERMEULEN (Netherlands)、SECKIN AYDIN (Turkey) 

【 The Dark Rooms Vertical 】

活動官網｜https://www.thedarkrooms.de/en

新北市美術館4A計畫空間即日起至2026年11月22日，推出由台灣藝術家劉玗與吳思嶔共同創作的全新展覽《冥王星在天蠍座》。以1983至1995年間出生世代的生命處境為線索，全展透過錄像、聲音、燈光與物件等多重媒材，將旅行轉化為身體逃逸與感知調頻的途徑，在現實裂縫中回望成長記憶，開啟對自由與虛無的想像。

自創館以來，新北市美術館積始終極鼓勵當代藝術跨域創作和交流，持續回應藝術介入公共參與、知識生成與社會感知的問題。並在此理念推使下，特別選以4A展間為計畫空間，支持具研究性、實驗性與合作性的創作形式，深化藝術實驗與全民藝術推廣之間的連結。繼年初亮相的《如果這都不算Ai，我有什麼好Bi？》展覽後，該空間即日起至2026年11月22日再推出由藝術家劉玗與吳思嶔共同創作的《冥王星在天蠍座》；從世代生命經驗出發，透過錄像、聲音、燈光與物件等多元媒材，展開一場關於旅行、逃逸與感知的探索。

認識本展創作組合：劉玗＆吳思嶔

劉玗與吳思嶔自2019年開始共同創作，專注於以敘事影像結合空間裝置的創作形式。兩人擅長運用大尺寸投影與多媒體技術，將展覽空間轉化為沉浸式環境，透過新媒體技術與多樣材料創造出如同解構電影般的影像敘事，將影像、燈光、聲音和雕塑裝置交織為一體，重新建構出以身體感官經驗為核心的敘事方式。

其創作注重空間與觀眾的感官參與，倡議通過身體感受與直觀來理解世界。過去作品主題涵蓋自然史、植物感官、神話、當代末日預言、靈性與催眠等內容，深入探討人類與自然、感官與精神之間的關聯，作品往往誘發詩意的沉思，將觀眾帶入非線性敘事與多層次感知的體驗中，體現人類與外在世界的細膩連結與反思。

回望動盪世代的生命處境

以1983至1995年間出生世代的生命處境為線索，《冥王星在天蠍座》命名靈感取自冥王星運行於天蠍座時期及其所象徵的毀滅與重生能量。同屬此一世代的劉玗與吳思嶔，成長於全球資本極端化、教育競逐與社會動盪的年代，並共同經歷90年代的危機與轉折。兩位藝術家於是藉由回望自身的成長記憶，將世代面對環境變動所展現的逃逸與重構，轉化為展覽的敘事線索，在現實的裂縫中開啟對自由與虛無的想像。

而展名既指涉特定的星象週期，也成為藝術家重新觀看自身世代的切入點。1983至1995年間出生的一代，在成長過程中面對快速變動的社會環境，生命經驗始終交織著對未來的想像與不確定性。本展並非試圖為一個世代提出單一而明確的定義，希望透過藝術家的個人視角，重新拾起散落於成長過程中的經驗與感受，思考個體如何在持續變動的環境中調整自身，尋找與世界相處的位置與節奏。

劉玗與吳思嶔從個人生命經驗出發，使展覽逐漸延伸至一個世代共同面對的處境與心境，讓私密記憶與更廣泛的社會經驗彼此交會，也讓「世代」不再只是出生年份的劃分，而成為理解個人如何受到時代形塑、又如何持續回應現實的一種觀看方式。

以「旅行」為線索貫穿，邀觀者在逃逸中重塑感知

劉玗與吳思嶔以文字、雕塑與影像共同建構展場，將旅行轉化為身體的逃逸與感知的再調頻。作品宛如一本被拆解的旅行日誌，散置於不同場景與影像之間，形成片段的時間切片，引領觀眾在不同感官訊息的交錯中，逐步進入藝術家所建構的旅程之中。

在此脈絡下，旅行不僅代表地理空間上的移動，也是重新觀看自身與現實的方法。兩位藝術家藉由重訪生命片段，在移動、離開與返回之間，思考自身與時代的關係，將記憶與感受轉化為影像、聲音及空間經驗，邀請觀眾一同思考在持續變動的世界中，如何感知自身所處的位置。

劉玗X吳思嶔《冥王星在天蠍座》

• 時間：即日起至2026年11月22日
• 地點：新北市美術館4A計畫空間

^{資料提供｜新北市美術館          文字整理｜Ning Chi}

Prada基金會於2026威尼斯國際美術雙年展期間，選址當地歷史建築「王后宮」呈獻由兩位重量級藝術家對話而成的跨媒材聯展《Helter Skelter: Arthur Jafa and Richard Prince》。策展人Nancy Spector集結影像藝術家Arthur Jafa和觀念藝術家Richard Prince共計逾50件作品，大膽透過無規則的現成物挪用與視覺素材重組，在古典宮殿中映照出當代美國文化深層的不安與矛盾。本篇搶先為你隔空導覽，即日起至11月23日預計遊歐者不妨排程親臨探索。

兩大美國藝術家首度交鋒

同步本屆威尼斯雙年展展期，Prada基金會即日起至2026年11月23日於威尼斯王后宮（Ca' Corner della Regina）帶來美國當代藝術聯展《Helter Skelter: Arthur Jafa and Richard Prince》。由知名策展人Nancy Spector主責策劃，聚焦兩位美國重要藝術家Arthur Jafa與Richard Prince之間從未被深入發掘的創作對話。全展匯集包括攝影、錄像、裝置、雕塑與繪畫等50餘件作品，同場揭示兩人的全新創作，並推出一本他們共同構思的刊物，收錄展覽籌備期間彼此交換的素材。

兩人雖相差10來歲，卻同樣以近乎無規則的方式重組來自小說、漫畫、電影、YouTube影片，乃至新聞及社群媒體所載影像等各式視覺素材，且皆以美國流行文化為基礎，揭露矛盾、同時也映照其中的欲望與扭曲。Arthur Jafa的創作根植身為非裔美國男性的身分，致力於重新激發黑人藝術的能量；Richard Prince則遊走在對白人男性氣質的批判，以及對美國集體潛意識陰暗面的迷戀中。

承襲杜象創作概念，化身影像拾荒者映照美國語境

展覽名稱「Helter Skelter」原為英國遊樂設施名稱，亦可指混亂狀態，後成為披頭四1968年歌曲名稱，亦曾被前音樂人、邪教領袖Charles Manson用以預言種族衝突與末日之景。同時，《Helter Skelter》還是1992年洛杉磯當代藝術館的其一展覽名稱；彼時未曾有過黑人藝術家，故此次重新使用此名稱，也象徵著對流行文化誤讀與歷史複雜性的回應。

橫跨王后宮1、2樓空間的展出內容透過一系列主題與概念上的對照，力現兩位藝術家創作間的共鳴。正如Nancy Spector所言，展覽映照著一種屬於美國的語境：一個永遠被奴隸制度歷史所污染的國家，一個由黑人文化孕育出偉大音樂傳統的國家，一個在匱乏之中依然創造價值的國家，一個充滿精神性、祈禱與言論自由的國家，也是一個由抗爭、幽默、次文化與名人文化所構成的國家。

Nancy Spector且進一步指出，兩位藝術家皆受杜象（Marcel Duchamp）現成物概念啟發，而轉移現實世界中的物件至藝術脈絡中；杜象從製作轉向挪用的作品型態，遂自然成為Arthur Jafa與Richard Prince創作方法論的核心。他們如同影像的拾荒者，從廣告、新聞、社群媒體和好萊塢影像中採集素材，並透過選擇與重組把它們化為藝術——美國文化深層的不安、暴力與矛盾，全然透過兩人的創作視角被直接揭露。

▼ 現場看作品如何並置對話

庭院＆1樓｜

首先，Arthur Jafa《Big Wheel II》與Richard Prince《Folk Songs (Blasting Mats)》兩件大型裝置的對話不容忽視。兩件作品皆著眼美國汽車文化，帶有公路敘事與自由象徵，卻同時隱含暴力與毀滅性，彷彿未來文明所遺留下的考古遺跡。

其他展間尚有Arthur Jafa錄像作品《Love Is the Message, The Message Is Death》與Richard Prince攝影系列《Untitled (Sunsets)》構成形式上的連結，共同探討太陽的象徵性；Arthur Jafa《LOML》與Richard Prince《Untitled (Girlfriend)》則都圍繞慾望和失落情緒。

2樓｜

主要並置呈現Arthur Jafa《Viriconium》與Richard Prince《Untitled (Entertainers)》。前者整齊排列來自紐約時代廣場情色秀場的演員宣傳照，後者鏡頭所捕捉人物橫跨知識分子、音樂家、藝術家與罪犯，可謂為一種關乎身分與自我投射的詮釋。

此外，展覽甚探討「怪物性（Monstrosity）」與「白人種性（Whiteness）」等主題。一方面，Arthur Jafa《Man Monster – Duffy》以19世紀黑人跨性別性工作者為原型，而Richard Prince《Untitled (de Kooning)》系列則將抽象表現主義語彙推向情色與跨性別尺度。另一方面可見Arthur Jafa《The White Album》與Richard Prince《I Know This Guy (White Paintings)》分別從不同角度質疑美國文化中的白人種性制度。

如果說對Richard Prince而言，挪用是轉化的開始；那麼對Arthur Jafa而言，便是對所有權概念的進一步質疑——尤其是黑人文化與其背負的奴隸歷史之間，始終存在複雜與衝突性的微妙關係。

集結焦點人物對談和跨界評論文章，展覽專刊同步發行

展覽同步推出《Helter Skelter》刊物，收錄Prada創始家族成員暨聯合創意總監Miuccia Prada的序言、Nancy Spector的專文介紹、Arthur Jafa與Richard Prince的對談，以及多位國際學者、作家和策展人的評論文章。

^{資料提供｜Fondazione Prada          文字整理｜Ning Chi}