劉悅德曾以白目樂隊《Kiss Your Eyes》獲得金曲獎最佳專輯裝幀設計，後再以田馥甄《無人知曉》、黃連煜《滅人山》、陳昊森《Almost Human》三度入圍。她的設計沒有極限，從狂放大膽的《Kiss Your Eyes》，到恬靜淡雅的《無人知曉》；她聽的音樂也沒有極限，從阿姆到〈大悲咒〉，從Radiohead到巴哈。這場採訪耗時一整個下午，先自首我們太愛聊，但她介紹太多音樂絕對也有份（笑）。

「我今天本來想穿Radiohead《In Rainbows》的T恤，它是在eBay上面買的，數量很少。現在去換還來得及嗎？」私下不愛拍照的劉悅德換上T恤後，愛音樂愛偶像的粉紅泡泡，淹沒原本在鏡頭前的不自在，開心拿起專輯擺pose，「你看它現在這麼褪色了，我都捨不得洗。」確認過眼神，她對Radiohead是真愛無誤。

不過她並非從小就愛音樂，小時候和姐姐一起去上音樂班和畫畫課，她卻早早就離開音樂班，「以樂器來講我是個音癡，到現在左右手沒辦法同時使用，鋼琴、吉他、打擊都不行，一定要兩隻手彈一樣的。」姐姐一路練鋼琴到音樂系，爸爸是古典樂迷，每天晚上會聽台北愛樂電台「愛樂Call In擂台賽」，節目會開放聽眾call in猜曲子的作曲者和指揮家，她爸爸沒有call in卻題題猜對，但這些音樂對她來說都只是耳邊風。直到大學進入北藝大，水彩畫老師說了一句話影響她很深，「他說要一直花時間看好的作品、聽好的音樂，所有東西都要吸收好的。」

同年的奧斯卡，阿莫多瓦《悄悄告訴她》拿下最佳原著劇本，從電影到音樂的完整敘事，讓她發覺「原來好作品就是這樣！」她開始找尋阿莫多瓦過往的電影原聲帶，直到現在聽的音樂，影視原聲帶仍占了1/3～1/4。「瑪丹娜曾經講過，她早上起來會聽阿莫多瓦的原聲帶。我看到這句話的時候就想，我也是！我完全可以體會那種感覺，因為他的音樂非常戲劇性，但又沒有侵略性，是可以跟呼吸一起連動的感覺。」也是在大一，她接觸到Radiohead，「我覺得做視覺的人可能都很愛Radiohead，歌詞很有詩意，內容又有批判性跟反省，音樂結構層次非常細。他跟很多大團不一樣的地方是，你可以辨識出這是Radiohead的歌，卻沒有重複的旋律或符號。」

遇見白目樂隊，平面設計從音樂而起

劉悅德會做設計也是因為音樂，大學時在音樂人黃連煜位於北藝大2樓的咖啡店打工，每週末都要排樂團在店裡演出，身為白目樂隊的歌迷，她自然邀請了他們。「後來主唱小糕問我有沒有認識會做設計的人，因為我是美術系的，我就說：我。」其實她壓根沒有做過設計，當時小糕還向她系上學弟打探她的作品風格，得到「你確定嗎？她的東西很無印良品欸」的答案。這段故事現在看來有趣，唱片裝幀風格前衛的她，其實和個人藝術創作的安靜、冷調是兩個不同世界。

白目樂隊EP《Get My Body If You Want It》，是她在大四時完成的人生第一件設計作品，白底封面印著數隻黑色手連成的愛心。「那時候真的不會設計，坐在電腦前面不知道要發生什麼事情，3首歌一直聽一直聽，歌曲在講性跟慾望，就想到以手作為慾望的象徵。」她坦言當時Illustrator只會鉛筆功能，但決意歌詞每一個字都要用鉛筆功能自己拉出來，「那時不懂設計，就覺得為什麼設計師可以把歌詞打字貼上就叫設計？我要每一筆都自己寫，才能確定這張專輯的每一部分，在世界上其他地方都不會存在。」把手和歌詞都處理好後，剩下CD的圓標，她不知道要畫什麼，洗完澡後就索性用很多的手填滿畫面，「現在想想這不是很尊重這個產業的態度，因為我真的沒有思考，覺得把它填滿就好。」今年正好是她入行設計第10年，回看過往作品在態度與技巧上都有了成長。

硬派曲風偏好，不同狀態想聽不同的歌

奪下金曲獎最佳專輯包裝設計的《Kiss Your Eyes》，是她畢業後留學英國時做的，紅綠黑3色筆觸在上身裸露的照片上塗鴉，張狂氛圍完全不同於她當時的真實感受。劉悅德在英國讀書時有點憂鬱，天氣很冷，一年只有2、3個月可以看到自己的影子，特別是冬天早上覺得一天剛開始，太陽卻在下午3點多就匆匆下山。「那時我很常聽Elliott Smith的歌，他是個很早就過世的歌手，音樂出現在很多電影裡，可是他卻不紅。他音樂裡的寂寞和我當時的情緒結合得很好，有一種思鄉，可以陪伴剛出社會的未知感、不安全感。」

她不太有明顯的音樂喜好，但會因為不同狀態而聽不同的歌。「很好笑的是，不知道為什麼我懷孕的時候喜歡聽阿姆。他是我一直很喜歡的歌手，他的創作很真，即使充滿憤怒，但讓人聽得甘之如飴。」兒子出生後她則喜歡放披頭四的歌給兒子聽，因為披頭四的音樂有種活著、愛生命的力量。

最近她聽回高中時常聽的Oasis、Nirvana等1990年代流行搖滾，她拿起櫃子上Sony Music於1997年發行的合輯《max 3》，「這張現在拿出來很好笑欸！裡面有Aqua、The Prodigy、野人花園⋯⋯現在還有人知道他們嗎？我真的覺得我很酷，聽過The Prodigy台北演唱會。那來聽一首The Prodigy好了！」聽著節奏複雜的disco電音，很難想像這是她說「還不會聽音樂」的高中時期聽的。

「噢，那我覺得我聽的東西算硬，電音我非常喜歡Four Tet，他是天才！曲式不是常人腦袋可以構成的，前4～5張專輯都很棒，2010年後有點流行化了。我還聽噪音，台灣有個團叫『再見！奈央！』，我是聽他們然後喜歡上噪音；我也很喜歡My Bloody Valentine，是噪音混種電音與搖滾。我覺得噪音雖然吵，但聽起來很平靜，因為噪音很容易帶你進入一個平行世界裡。」

電影原聲帶她推薦電影配樂大師Philip Glass代表作《時時刻刻》、拼貼敘事Bob Dylan的傳記電影《搖滾啟示錄》、以極精實古典樂為基底，不時混種嘻哈旋律的HBO影集《繼承之戰》，還有如童話般視角詮釋心理疾病的短篇影集《狂想》等。

那所謂的主流音樂應該就不聽了吧？「不會啊，我很喜歡周杰倫〈七里香〉，聽到會感動。」這一問開啟了另一個音樂時空，「我覺得〈大悲咒〉很好聽，雖然它會有讓人不知該不該去忽略的民俗感配樂。我是在媽媽過世後開始認真聽，有時候心情很黑暗也會聽。」

她接下來分享的故事更有意思了，「我老公其實本來不是我的菜，但是他聽音樂的內容讓我很驚喜。我們兩個都非常喜歡Pink Floyd《The Wall》第2張的同一首歌的同一段，在這張充滿名曲的專輯裡，我們卻最喜歡同一首歌裡的同一小段，這點很有打到我。」她現場播放，是〈Is There Anybody Out There?〉最後的1分16秒，沒有人聲，只剩吉他緩慢流動。如此愛音樂的他們，結婚時還做了party歌單，之後繼續聽了一年還是很喜歡，本來講好第二年要再做新歌單，有小孩後就只能無限延期。

許多人覺得分享歌單是件很私密的事，但劉悅德完全沒有這個問題，笑說最喜歡推坑大家她的愛歌，一如採訪結束後她向我們道別的話語是：「回家要聽Four Tet！」

同場加映：劉悅德的冷天氣歌單

1. Mogwai《Happy Songs for Happy People》

2. The White Birch〈Lantern〉

3. Kristjan Randalu, Ben Monder, Markku Ounaskari《Absence》

4. Four Tet《Pause》

5. Thom Yorke《ANIMA》

6. The Velvet Underground〈Candy Says 〉

7. Low & Dirty Three《In the Fishtank 7》

8. Yo La Tengo 《Electr-O-Pura》

9. My Bloody Valentine《loveless》

10. Trentemøller〈Miss You〉

劉悅德

視覺工作者。畢業於台北藝術大學美術學系、英國倫敦中央聖馬丁藝術與設計學院。2011年以白目樂隊《Kiss Your Eyes》獲得第22屆金曲獎最佳專輯包裝設計，2021年再以田馥甄《無人知曉》入圍第32屆金曲獎最佳裝幀設計。作品曾獲東京TDC入選、香港國際海報三年展銀獎。IG@yuehyuehdotco

_{文｜張以潔　攝影｜林祐任}

1952年成立的國際平面設計聯盟（Alliance Graphique Internationale，AGI），為全球指標性的平面設計組織，會員門檻極高，成立70多年至今會員僅約500人。自2010年起，AGI將內部的會員活動「AGI Congress」和面向大眾的「AGI Open」聯合舉辦，每屆選址不同城市，會員和大眾一樣得自費前往、購票參與。透過設計師聶永真、陳聖智的會員和非會員視角，深入AGI年會內部，以及即便成本高昂，為何大家都還是這麼想參加？

➣本文選自La Vie 2026／1月號《一場朝聖的旅行》，更多精彩內容請點此

聶永真：從設計到城市的深度接觸

記得2013年第一次參加，完全搞不清楚Congress和Open，邊摸索邊知道Congress大約有4天、是會員限定，Open約有2天、開放給一般大眾（實際天數會因每屆而異）。

Congress的重點在文化交流，論壇比較沒有那麼嚴肅，最重要的是每屆新會員的「New Member Zapping」，每人均有5分鐘介紹自己。此外還有Gala Dinner、Welcome Party等社交活動，也會安排參訪當地美術館、設計公司等等。

這其實也是在比國力，2013年倫敦在「倫敦自然史博物館」的恐龍下吃晚宴；2017年巴黎在「東京宮」辦晚宴、在「龐畢度中心」開會員大會；2023年奧克蘭去了吉布斯農場及主人的私人莊園、吃米其林BBQ，還在主辦公司庭院辦爐火趴；2024年巴塞爾堪稱建築之旅，不過因為成本太高，都不是坐遊覽車，例如參訪「Vitra Campus」時是搭公車慢慢跨越瑞士邊境（笑）。其實這些國家都是因為AGI我才第一次造訪，但卻可以非常深入地去到和當地文化相關，或甚至得動用關係才能進去的地方，都不是單純作為一個觀光客能達到的。

Open則是相對正式的講座，每位講者20分鐘。每次聽完2天都會有很多想法，很多人的重點是看作品，但每個人演講的方式、幽默感、節奏都不一樣，那個對我來講是好玩的。像是奧地利的Stefan Sagmeister張力很強、荷蘭Studio Dumbar創意總監Liza Enebeis非常幽默，加上Dumbar的動態常常包含聲音設計，當場播放出來的氣場非常適合壓軸。

場地也非常厲害，2013年倫敦在「巴比肯藝術中心」、2016年首爾在Zaha Hadid設計的「東大門設計廣場」（DDP）、2024年巴塞爾在Herzog & de Meuron設計的「巴塞爾城市賭場音樂廳」。

此外還有展覽，AGI會在活動前1、2個月公布主題，會員不論是否會到現場，都可以上傳作品，會由當地負責製作。倫敦的主題是茶具，首爾、巴黎、巴賽爾都是做海報，2025年胡志明市則是巧克力包裝。

以前我從來沒有和佐藤卓、淺葉克己講過話，但可以很直接地、很私人地交談，第一次的機會就是在2013年倫敦的活動。2017年在巴黎，也第一次見證服部一成、色部義昭有點緊張地在做新會員簡報。

每屆講者大概有一半是基本大咖，但也有可能原本是要去見識大咖，最後卻認識了更對自己品味的設計師。大家都很常在Pinterest上找reference，其實來源大概有7、8成是AGI會員，常常到了現場才知道「原來這是他做的」。對平面設計師來講，這真的是終其一生的難得機會，可以一次看到這麼多厲害的創作者。

陳聖智：活動映現的國家文化

Open在不同國家的講者組成都不一樣，我的觀察是，這和該國家設計的成熟度有關。在平面設計相對沒有這麼興盛的國家，例如胡志明市，猜測更多當地觀眾期待的是明星，因此安排非常多像原研哉、佐藤卓、Stefan Sagmeister、Liza Enebeis等大牌設計師；在設計比較成熟的國家，為了票房當然還是會有大咖，但面向就更廣。

Open通常從早上9點開始，為了讓大家早起，常常第一位講者會安排大咖（笑）。我自己很喜歡佐藤卓的演講，每年都叱吒全場，而且是用非常簡單的英文和概念，來講自己的創作哲學。

Gala Dinner也可以看出主辦國家的飲食和社交文化，例如巴黎是典型一道一道的法餐，胡志明市則做成夜市攤販，要自己去點餐。

奧克蘭是我們目前最推的一屆，從Congress到Open都圍繞在紐西蘭文化上，所有工作人員打招呼也都用毛利語。這屆還找來一位歐文設計師，以毛利圖騰結合AGIOpen經典的幾何符號，開發了一套字體系統，並在Open講座上，透過後台即時打字和講者互動，非常厲害。

給大眾的AGI Open攻略！

① 門票很貴嗎？
每屆舉辦地點、票價都不同，可直接上AGI Open官網查看、購買。以2025年越南為例，1日票1,250,000越南盾（約1,500新台幣）、2日票2,250,000越南盾（約2,600新台幣）。其實AGI會員要參與同樣也得購票，受邀Open演講者亦同（頂多減免住宿幾天）。2026年已確定於冰島舉辦。

② 每屆人都很多嗎？
其實每屆Open的參加者，AGI會員占少數，一般大眾才是多數。不僅是當地民眾，還有不少是來自周邊國家的設計社群。

③ 一般大眾有機會接觸AGI會員嗎？
通常Open官方沒有特別安排「會員和非會員」的交流活動，但每屆不同，巴塞爾那屆是有明確的交流活動。有些國家也會在活動開始前，詢問設計師是否有創作物或出版品要在Open賣，例如奧克蘭那屆就擺了一個小市集，販賣設計師的書或周邊商品，佐藤卓還在演講的空檔直接開起簽書會。

④ Open和Congress都有演講，兩者差在哪？
Congress的演講相對輕鬆，重點偏向文化交流，例如邀請主辦國當地的設計公司、創意產業從業者（不一定是會員）來分享，讓AGI會員了解當地文化及設計環境。Open則是形式正式的論壇、講座。

聶永真
永真急制Workshop負責人。第21、25、26屆金曲獎最佳專輯設計、德國紅點、iF傳達設計獎得主。作品獲德國Hesign編集全球百間《Small Studios》、APD、東京TDC年鑑收錄。2012年入選國際平面設計聯盟（AGI）。曾任德國紅點傳達設計獎國際評審。著有《永真急制》、《Re_沒有代表作》、《FW永真急制》、《不妥》。

陳聖智
永真急制Workshop設計指導。歷年聯合打造多項專案設計，如臺中綠美圖視覺識別、新一代設計展、台灣設計展、高雄鋼雕藝術節主視覺、林宥嘉及田馥甄等多張專輯設計。曾分別擔任評審及入圍金曲獎最佳專輯裝幀設計獎，帶領團隊作品履獲金點年度最佳設計獎、東京TDC入選及iF等獎項。

_{採訪整理｜張以潔　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容，請見2026／1月號雜誌《一場朝聖的旅行》！

東京都美術館將於2026年迎來開館100週年，特別邀請設計師吉岡德仁打造100週年紀念Logo，並率先公開2026年的展覽陣容，其中包含大英博物館日本美術收藏展、奧賽美術館典藏展、藝術家Andrew Wyeth展等精彩企劃！

日本首座公立美術館邁入百年新章

作為日本第一座公立美術館的東京都美術館，自1926年開館以來，不僅是提供藝術家發表作品的舞台、與世界及日本名作相遇的場所，也是讓人們透過藝術與彼此交流的空間。而在即將迎來開館100週年的這個特別時刻，東京都美術館除了舉辦特別展與企劃展之外，還將展開各式各樣的紀念活動。

設計師吉岡德仁操刀紀念Logo

活躍於設計、建築、現代藝術等領域的設計師吉岡德仁，2011年時替東京都美術館設計識別標誌，他從前川國男於1975年設計的美術館立方體建築汲取靈感，並以「淺顯易懂、平易近人」、「具象徵性的意象」、「融合歷史與未來」、「展現日本形象」等關鍵字為基礎，設計出兩款版本，既展現出美術館近百年歷史所蘊含的厚重感，同時傳遞出面向未來無限可能所帶來的輕盈感。而在代表美術館本身時，使用帶有顏色的立方體Logo；代表各項事業時，則使用以線條描繪、具透明感的版本。

這次，吉岡德仁再度受邀設計Logo，他以獨特的美學視角，從「100」字樣延伸出簡潔流暢的線條，打造出兼具洗練質感與紀念意義的標誌。館方除以此為核心展開一系列慶祝活動外，也同步推出特設網站，並搶先公開2026年展覽的精彩陣容。以下將介紹其中4檔展覽，完整內容可至100週年紀念官網查看。

東京都美術館2026年展覽4選！

特別展「東京都美術館開館100周年記念　スウェーデン絵画北欧の光、日常のかがやき」

展期：2026年1月27日～4月12日

在瑞典國立美術館的協助下，本展將透過19世紀末至20世紀初瑞典美術黃金時期的迷人繪畫，深入探討北歐特有的與自然共生、豐饒生活的獨特感性。

特別展「東京都美術館開館100周年記念　アンドリュー・ワイエス展」

展期：2026年4月28日～7月5日

本展為20世紀美國畫家安德魯・魏斯（Andrew Wyeth, 1917–2009）的回顧展。魏斯直至91歲逝世為止，持續描繪身邊的人與風景，其作品中常見窗戶、門等意象，象徵所處世界與彼岸之間的界線。本展將以這些主題為核心，探索魏斯筆下的世界。

特別展「東京都美術館開館100周年記念　大英博物館日本美術コレクション　百花繚乱～海を越えた江戸絵画」

展期：2026年7月25日～10月18日

本展將從大英博物館約4萬件的日本美術收藏中，精選江戶時代的屏風、掛軸、繪卷，以及喜多川歌麿、東洲齋寫樂、葛飾北齋、歌川廣重等8位代表性浮世繪師的版畫佳作。此外，展覽也將聚焦近年的調查成果和收藏的背景，探討該館在日本美術的收藏、研究與保存方面所扮演的重要角色。

特別展「東京都美術館開館100周年記念　オルセー美術館所蔵　いまを生きる歓び」

展期：2026年11月14日～2027年3月28日

被譽為「印象派殿堂」的奧賽美術館將以「活在當下的喜悅」為主題，展出繪畫、雕塑、工藝、攝影等約110件作品。其中包含米勒《拾穗者》、雷諾瓦、莫內、梵谷等人的名作，將帶領人們感受多樣的「喜悅」形式。

資料來源｜東京都歴史文化財団