設計師劉悅德的音樂創作世界:從白目樂隊到田馥甄,無極限的設計狂想與聆聽品味!

設計師劉悅德的音樂創作世界:從白目樂隊到田馥甄,無極限的設計狂想與聆聽品味!

劉悅德曾以白目樂隊《Kiss Your Eyes》獲得金曲獎最佳專輯裝幀設計,後再以田馥甄《無人知曉》、黃連煜《滅人山》、陳昊森《Almost Human》三度入圍。她的設計沒有極限,從狂放大膽的《Kiss Your Eyes》,到恬靜淡雅的《無人知曉》;她聽的音樂也沒有極限,從阿姆到〈大悲咒〉,從Radiohead到巴哈。這場採訪耗時一整個下午,先自首我們太愛聊,但她介紹太多音樂絕對也有份(笑)。

「我今天本來想穿RadioheadIn Rainbows》的T恤,它是在eBay上面買的,數量很少。現在去換還來得及嗎?」私下不愛拍照的劉悅德換上T恤後,愛音樂愛偶像的粉紅泡泡,淹沒原本在鏡頭前的不自在,開心拿起專輯擺pose,「你看它現在這麼褪色了,我都捨不得洗。」確認過眼神,她對Radiohead是真愛無誤。

Radiohead《In Rainbows》專輯和周邊T恤。(攝影|林祐任)
Radiohead《In Rainbows》專輯和周邊T恤。(攝影:林祐任)

不過她並非從小就愛音樂,小時候和姐姐一起去上音樂班和畫畫課,她卻早早就離開音樂班,「以樂器來講我是個音癡,到現在左右手沒辦法同時使用,鋼琴、吉他、打擊都不行,一定要兩隻手彈一樣的。」姐姐一路練鋼琴到音樂系,爸爸是古典樂迷,每天晚上會聽台北愛樂電台「愛樂Call In擂台賽」,節目會開放聽眾call in猜曲子的作曲者和指揮家,她爸爸沒有call in卻題題猜對,但這些音樂對她來說都只是耳邊風。直到大學進入北藝大,水彩畫老師說了一句話影響她很深,「他說要一直花時間看好的作品、聽好的音樂,所有東西都要吸收好的。」

客廳、餐廳、工作桌上各有一組音響,工作桌上的音響適合聽細節較多的電音、噪音。(攝影|林祐任)
客廳、餐廳、工作桌上各有一組音響,工作桌上的音響適合聽細節較多的電音、噪音。(攝影:林祐任)

同年的奧斯卡,阿莫多瓦《悄悄告訴她》拿下最佳原著劇本,從電影到音樂的完整敘事,讓她發覺「原來好作品就是這樣!」她開始找尋阿莫多瓦過往的電影原聲帶,直到現在聽的音樂,影視原聲帶仍占了1/31/4。「瑪丹娜曾經講過,她早上起來會聽阿莫多瓦的原聲帶。我看到這句話的時候就想,我也是!我完全可以體會那種感覺,因為他的音樂非常戲劇性,但又沒有侵略性,是可以跟呼吸一起連動的感覺。」也是在大一,她接觸到Radiohead,「我覺得做視覺的人可能都很愛Radiohead,歌詞很有詩意,內容又有批判性跟反省,音樂結構層次非常細。他跟很多大團不一樣的地方是,你可以辨識出這是Radiohead的歌,卻沒有重複的旋律或符號。」

劉悅德現在留下的專輯都是捨不得丟的,手拿的那張是瑞典樂團Kent的《Du & jag döden》,以設計師的角度很希望有一天可以使用染色的CD殼做音樂包裝設計。(攝影|林祐任)
劉悅德現在留下的專輯都是捨不得丟的,手拿的那張是瑞典樂團Kent的《Du & jag döden》,以設計師的角度很希望有一天可以使用染色的CD殼做音樂包裝設計。(攝影:林祐任)

遇見白目樂隊,平面設計從音樂而起

劉悅德會做設計也是因為音樂,大學時在音樂人黃連煜位於北藝大2樓的咖啡店打工,每週末都要排樂團在店裡演出,身為白目樂隊的歌迷,她自然邀請了他們。「後來主唱小糕問我有沒有認識會做設計的人,因為我是美術系的,我就說:我。」其實她壓根沒有做過設計,當時小糕還向她系上學弟打探她的作品風格,得到「你確定嗎?她的東西很無印良品欸」的答案。這段故事現在看來有趣,唱片裝幀風格前衛的她,其實和個人藝術創作的安靜、冷調是兩個不同世界。

劉悅德翻閱創作白目樂隊專輯時的手稿。(攝影|林祐任)
劉悅德翻閱創作白目樂隊專輯時的手稿。(攝影:林祐任)

白目樂隊EPGet My Body If You Want It》,是她在大四時完成的人生第一件設計作品,白底封面印著數隻黑色手連成的愛心。「那時候真的不會設計,坐在電腦前面不知道要發生什麼事情,3首歌一直聽一直聽,歌曲在講性跟慾望,就想到以手作為慾望的象徵。」她坦言當時Illustrator只會鉛筆功能,但決意歌詞每一個字都要用鉛筆功能自己拉出來,「那時不懂設計,就覺得為什麼設計師可以把歌詞打字貼上就叫設計?我要每一筆都自己寫,才能確定這張專輯的每一部分,在世界上其他地方都不會存在。」把手和歌詞都處理好後,剩下CD的圓標,她不知道要畫什麼,洗完澡後就索性用很多的手填滿畫面,「現在想想這不是很尊重這個產業的態度,因為我真的沒有思考,覺得把它填滿就好。」今年正好是她入行設計第10年,回看過往作品在態度與技巧上都有了成長。

白目樂隊前兩張EP都由劉悅德設計,第一張把手連成愛心,第二張將手連成蕾絲般的血管,傳遞性和慾望的主題。(攝影|林祐任)
白目樂隊前兩張EP都由劉悅德設計,第一張把手連成愛心,第二張將手連成蕾絲般的血管,傳遞性和慾望的主題。(攝影:林祐任)

硬派曲風偏好,不同狀態想聽不同的歌

奪下金曲獎最佳專輯包裝設計的《Kiss Your Eyes》,是她畢業後留學英國時做的,紅綠黑3色筆觸在上身裸露的照片上塗鴉,張狂氛圍完全不同於她當時的真實感受。劉悅德在英國讀書時有點憂鬱,天氣很冷,一年只有23個月可以看到自己的影子,特別是冬天早上覺得一天剛開始,太陽卻在下午3點多就匆匆下山。「那時我很常聽Elliott Smith的歌,他是個很早就過世的歌手,音樂出現在很多電影裡,可是他卻不紅。他音樂裡的寂寞和我當時的情緒結合得很好,有一種思鄉,可以陪伴剛出社會的未知感、不安全感。」

劉悅德設計《Kiss Your Eyes》只花兩個晚上,第一晚把所有歌詞手寫字在Illustrator上拉出來,第二晚把所有素材印在透明片上做實體排版,約2個小時完成。(攝影|林祐任)
劉悅德設計《Kiss Your Eyes》只花兩個晚上,第一晚把所有歌詞手寫字在Illustrator上拉出來,第二晚把所有素材印在透明片上做實體排版,約2個小時完成。(攝影:林祐任)

她不太有明顯的音樂喜好,但會因為不同狀態而聽不同的歌。「很好笑的是,不知道為什麼我懷孕的時候喜歡聽阿姆。他是我一直很喜歡的歌手,他的創作很真,即使充滿憤怒,但讓人聽得甘之如飴。」兒子出生後她則喜歡放披頭四的歌給兒子聽,因為披頭四的音樂有種活著、愛生命的力量。

劉悅德的音樂專輯收藏。(攝影|林祐任)
劉悅德的音樂專輯收藏。(攝影:林祐任)

最近她聽回高中時常聽的OasisNirvana1990年代流行搖滾,她拿起櫃子上Sony Music1997年發行的合輯《max 3》,「這張現在拿出來很好笑欸!裡面有AquaThe Prodigy、野人花園⋯⋯現在還有人知道他們嗎?我真的覺得我很酷,聽過The Prodigy台北演唱會。那來聽一首The Prodigy好了!」聽著節奏複雜的disco電音,很難想像這是她說「還不會聽音樂」的高中時期聽的。

左下角為Sony Music於1997年發行的合輯《max 3》,歌曲充滿劉悅德聽音樂的回憶。(攝影|林祐任)
左下角為Sony Music於1997年發行的合輯《max 3》,歌曲充滿劉悅德聽音樂的回憶。(攝影:林祐任)

「噢,那我覺得我聽的東西算硬,電音我非常喜歡Four Tet,他是天才!曲式不是常人腦袋可以構成的,前45張專輯都很棒,2010年後有點流行化了。我還聽噪音,台灣有個團叫『再見!奈央!』,我是聽他們然後喜歡上噪音;我也很喜歡My Bloody Valentine,是噪音混種電音與搖滾。我覺得噪音雖然吵,但聽起來很平靜,因為噪音很容易帶你進入一個平行世界裡。」

電影原聲帶她推薦電影配樂大師Philip Glass代表作《時時刻刻》、拼貼敘事Bob Dylan的傳記電影《搖滾啟示錄》、以極精實古典樂為基底,不時混種嘻哈旋律的HBO影集《繼承之戰》,還有如童話般視角詮釋心理疾病的短篇影集《狂想》等。

那所謂的主流音樂應該就不聽了吧?「不會啊,我很喜歡周杰倫〈七里香〉,聽到會感動。」這一問開啟了另一個音樂時空,「我覺得〈大悲咒〉很好聽,雖然它會有讓人不知該不該去忽略的民俗感配樂。我是在媽媽過世後開始認真聽,有時候心情很黑暗也會聽。」

劉悅德聆聽音樂的品味極廣,連〈大悲咒〉都在內。(攝影|林祐任)
劉悅德聆聽音樂的品味極廣,連〈大悲咒〉都在內。(攝影:林祐任)

她接下來分享的故事更有意思了,「我老公其實本來不是我的菜,但是他聽音樂的內容讓我很驚喜。我們兩個都非常喜歡Pink FloydThe Wall》第2張的同一首歌的同一段,在這張充滿名曲的專輯裡,我們卻最喜歡同一首歌裡的同一小段,這點很有打到我。」她現場播放,是〈Is There Anybody Out There?〉最後的116秒,沒有人聲,只剩吉他緩慢流動。如此愛音樂的他們,結婚時還做了party歌單,之後繼續聽了一年還是很喜歡,本來講好第二年要再做新歌單,有小孩後就只能無限延期。

田馥甄《無人知曉》原定發行日期和劉悅德的預產期只差兩個月,就嘗試將工作和生小孩兩件事放在一起。(攝影|林祐任)
田馥甄《無人知曉》原定發行日期和劉悅德的預產期只差兩個月,就嘗試將工作和生小孩兩件事放在一起。(攝影|林祐任)

許多人覺得分享歌單是件很私密的事,但劉悅德完全沒有這個問題,笑說最喜歡推坑大家她的愛歌,一如採訪結束後她向我們道別的話語是:「回家要聽Four Tet!」

劉悅德現在聽串流居多,採訪中隨著提及內容播放不同音樂作品。(攝影|林祐任)
劉悅德現在聽串流居多,採訪中隨著提及內容播放不同音樂作品。(攝影:林祐任)

同場加映:劉悅德的冷天氣歌單

  1. Mogwai《Happy Songs for Happy People》

  2. The White Birch〈Lantern〉

  3. Kristjan Randalu, Ben Monder, Markku Ounaskari《Absence》

  4. Four Tet《Pause》

  5. Thom Yorke《ANIMA》

  6. The Velvet Underground〈Candy Says 〉

  7. Low & Dirty Three《In the Fishtank 7》

  8. Yo La Tengo 《Electr-O-Pura》

  9. My Bloody Valentine《loveless》

  10. Trentemøller〈Miss You〉

劉悅德相當喜歡分享自己的歌單。(攝影|林祐任)
劉悅德相當喜歡分享自己的歌單。(攝影:林祐任)

劉悅德

視覺工作者。畢業於台北藝術大學美術學系、英國倫敦中央聖馬丁藝術與設計學院。2011年以白目樂隊《Kiss Your Eyes》獲得第22屆金曲獎最佳專輯包裝設計,2021年再以田馥甄《無人知曉》入圍第32屆金曲獎最佳裝幀設計。作品曾獲東京TDC入選、香港國際海報三年展銀獎。IG@yuehyuehdotco

文|張以潔 攝影|林祐任

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從《漢聲雜誌》看台灣平面設計的過去與未來!專訪設計師何佳興、黃子欽、張軒豪

從《漢聲雜誌》看台灣平面設計的過去與未來!專訪設計師何佳興、黃子欽、張軒豪

漢聲文教基金會於 7 月舉辦《漢聲五十五:本來.未來》週年展,邀請觀眾回顧台灣出版歷程中的一段重要軌跡——1970 年代,《漢聲》透過深入田野的調查報導、現代攝影手法、風格鮮明的排版設計與印刷質感,記錄了許多珍貴的民俗記憶與工藝知識,也建構出獨樹一幟的視覺語言。55 年過去,3 位長期耕耘於字型與平面設計領域的設計師,從字型系統、視覺邏輯與文化脈絡的角度出發,回應這段設計史留下的啟發與未竟課題。

1970 年代初期,台灣正處於動盪與轉型交錯的節點。從退出聯合國、中美斷交到釣魚台事件,一連串外交挫敗促使社會視線從西方轉向內部,開始重新審視自身的文化、歷史與身分定位。「歷經國際局勢的劇烈變動,冷戰結構下的『自由中國』作為一種意識形態標籤,一方面啟發了民主化背景中的『文化中國』想像,另一方面也催化了黨外運動與本土意識的萌芽。社會對民主、自由與人權日益高漲的渴望,伴隨產業與經濟結構的轉型,共同帶動了文化藝術的蓬勃發展。」何佳興解釋,《漢聲》的誕生,便是在這樣的時代背景下展開。它承接「文化中國」的理想,試圖從民間風土與傳統工藝中,為動盪年代中的台灣開啟一種以文化為認同基礎的可能。

(圖片提供:漢聲文教基金會)
(左)《漢聲》第87~88期《美哉漢字》深入探索漢字的起源、演變以及各種書法風格的特點,展示了漢字在不同時代和藝術形式中的多樣性;(右)第99∼100期《剪花娘子庫淑蘭》帶領讀者進入民間藝術大師庫淑蘭絢麗奔放的剪紙世界,逐層拆解其構圖邏輯與技法,並以剪紙邊框搭配生活影像,描繪她的傳奇人生。(圖片提供:漢聲文教基金會)

從攝影到排版:回望《漢聲》的美學轉譯

《漢聲》最早起源於 1971 年創刊的《ECHO》雜誌,創辦人吳美雲在留學美國期間,意識到國際社會對台灣的陌生與誤解,於是返台後攜手黃永松、姚孟嘉和奚淞等人出版英文雜誌,希望向西方世界重新介紹台灣與中華文化。黃子欽指出,吳美雲深諳當時美國新聞與雜誌的攝影語法和趨勢,因此最初《ECHO》以攝影與全英文為主軸,嘗試以西方視覺語彙重新剪裁、拼貼東方文化,形塑出一種「被觀看」的視角,「也可以說,是外國人怎麼看台灣,或是我們希望怎麼讓外國人認識台灣。」他們持續調整呈現方式與版面風格,直到 1975 年才正式發行中文版《漢聲》雜誌,並轉為主觀的東方視角,更深入地耕耘民俗文化、工藝與地方知識的記錄與轉譯。

(圖片提供:漢聲文教基金會)
《漢聲》前身為全英文雜誌《ECHO》,聚焦攝影與文化報導,致力向西方傳遞台灣與中華傳統文化、民間工藝的風貌。 (圖片提供:漢聲文教基金會)

黃子欽進一步舉例說明,《漢聲》之所以具有鮮明風格,其一正來自黃永松對攝影與版面編排的高度敏感與創造力。「《ECHO》封面其實有一種很像『鏡頭』的設計,它用線條切割出 4 個格子,像是透過多個鏡頭同時捕捉畫面。」他形容《ECHO》的視覺設計彷彿從攝影鏡頭出發,畫面切割清晰、格線與構圖感強烈,在雜誌中相當罕見。這樣的邏輯,也一直延續到《漢聲》的中文排版風格上。從黑體到明體的字體轉換過程中,黃永松依然保留了他獨有的「鏡頭思維」,「他會用非常大的標題字,看起來就像特寫鏡頭一樣。」黃子欽補充道。

(圖片提供:漢聲文教基金會)
《ECHO》封面設計如同透過鏡頭凝視,展現強烈的構圖意識與影像敘事, 也映照出「被他者觀看」的視角位置。(圖片提供:漢聲文教基金會)

張軒豪則觀察,《漢聲》的字體排印手法蘊含強烈的主題性,設計上往往承載著「文化宣傳」的使命。「在處理中華文化主題時,他們經常會使用古籍的排版方式;而在用字上,特別是比較大的標題字,則經常使用書體漢字,有時候還會稍微做拉寬處理。」這類作法既強化了文化連結,也創造出濃厚的手工感與歷史氣息。此外,他指出當時正值印刷技術由鉛字轉向照相排版的過渡時期,新技術的導入,讓設計得以跳脫傳統字模的尺寸限制,嘗試更自由的比例操作與視覺編排。「像有些版面會從超大字一路漸變到小字,形成『瀑布式排版』的視覺效果,這在當時也算是跟上西方的設計潮流。」透過照相與手工排版的並用,《漢聲》大膽拓展了中文字的視覺可能性,也讓文字在閱讀之外,成為可觀賞的畫面元素。

(圖片提供:漢聲文教基金會)
《漢聲》經常借鑑古籍排版方式,在傳統韻味與當代視覺之間,形塑出富有文化感的設計語彙。(圖片提供:漢聲文教基金會)
(圖片提供:曉宇宙博物館事務所)
漢聲55週年展規劃6大主題展區,引領觀眾再次品味那份熟悉的視覺記憶與文化質感。(圖片提供:曉宇宙博物館事務所)

從感性印象到理性建構:台灣字體的下一步?

「字體的演變,一直以來都會受到印刷與排版技術的限制或推動,並進一步影響到平面設計的風格與邏輯。」張軒豪說道。然而即便技術為設計帶來更多自由,對中文來說,卻也顯露出難以忽視的結構性困境。何佳興指出,在橫式排版系統中,英文字型體系歷經長時間的發展,已能透過多樣的字型風格對應不同語氣和語調,進而強化設計的語言表達,但中文在字形結構與直式排版的限制下,仍難以支持設計層面對文化語感的細膩詮釋。

(圖片提供:漢聲文教基金會)
《漢聲》第101∼102期《漢聲100》封面透過照相與手工排版的並用,營造如瀑布般傾瀉而下的視覺效果,展現中文字排版的不同可能性。(圖片提供:漢聲文教基金會)

他補充,當代設計普遍採用的「國際主義設計風格」(International Typographic Style),事實上奠基於瑞士現代字型與「網格系統」的視覺邏輯,並於 1960 年代後隨著美國的全球擴張廣為流行。然而,中文設計雖也逐漸依附於此一系統,卻尚未能如西方,從自身傳統中提煉出對應的現代性。

(圖片提供:漢聲文教基金會、曉宇宙博物館事務所)
(左)《漢聲》早期以纖薄的傳統色紙印刷目錄與序言等頁面,展現雜誌獨特的裝幀美學與實驗精神。(圖片提供:漢聲文教基金會);(右)漢聲55週年展展區細膩呈現漢聲獨樹一格的視覺語言,以及對文化內涵的深刻理解、轉譯與美學追求。(圖片提供:曉宇宙博物館事務所)

何佳興進一步說明,日本在字體的建立上相對完整,有其對應語感的方式;相對地,台灣的繁體字體和語調對應邏輯,其實尚未被好好地建構。「我們現在還是很常用日文漢字字型,因為它們看起來比較漂亮,但日文字體的設計邏輯是以假名為主、漢字為輔,並不適用於繁體中文。某種程度上來說,這或許也可以解釋為什麼外國人看台灣時,會有所謂的『台灣感性』。」他笑著說,感性當然無妨,但也不應忽略理性系統的建立——從字型到排版設計,釐清什麼最能表達台灣人的思考方式、語感與節奏。唯有當這樣的系統逐步被建立出來之後,才有可能開始談論理性定義下的「台灣風格」,而不只是停留在「台灣感性」。

(圖片提供:曉宇宙博物館事務所)
漢聲55週年展開箱編輯團隊嚴謹的田野調查與製作流程,展現當時文化出版從業人員對傳統技藝保存的重視以及對社會議題的關懷。(圖片提供:曉宇宙博物館事務所)

從一筆一畫開始,描繪台灣平面設計的未來

「如果要表達台灣的『感性』,其實不一定要靠圖像。透過字體設計去營造錯落、空隙,或突兀、喜悅感,也能帶來一絲療癒。這種由變異所衍生出的造型,其實更接近我對當代台灣的期待。」談及台灣平面設計的未來走向,黃子欽認為,在影像日漸氾濫、視覺逐漸麻痺的時代,設計的溝通重心或許正悄然轉移。「單純的影像消費已經不容易成為一個有效的訴求工具,尤其是現在影音的衝擊太強烈,反而讓影像不再是主要的溝通語言。」他指出,相較之下,字體作為一種中介語言,仍保有豐富的表達可能,甚至能作為設計中的主軸,而非只是輔助元素。

(圖片提供:黃子欽)
(圖片提供:黃子欽)

張軒豪則表示,當前的技術環境讓「好看」的設計變得相對容易,但更重要的是設計背後的內容深度與文化脈絡。「回到《漢聲》的精神,他們在做設計這件事時,不只是在做『好看』的東西,而是會很認真地考量整體脈絡,投入大量的田野調查與研究。」因此他也期待,未來能有更多設計師如同當年的《漢聲》一般,以研究為起點、設計為轉譯,願意花時間探究背後的原因與脈絡,再將其內化為視覺語言。

(圖片提供:張軒豪)
(圖片提供:張軒豪)

「未來的目標應該也是台灣的命題,就是我們能夠清楚地對世界表達『台灣是什麼』。不過,只要我們願意慢慢把字型的工程建立起來、一步一步累積,或許終有一天,我們將能夠自然地說出、甚至透過設計去表達什麼是台灣。」何佳興總結道。

(圖片提供:何佳興)
(圖片提供:何佳興)

張軒豪親解!關於《漢聲五十五:本來・未來》主視覺

這次主視覺的色彩靈感,來自《漢聲》過去經常使用的喜氣色調,以及帶有漸層感的配色。圖像設計上,我想保留《漢聲》氣勢十足的大字標特色,讓整體像一本承載55年歷史的書;在字體方面,也參考雜誌舊有的風格重新繪製,試著延續手寫與照排時期字型的神韻。畫面中的「55」其實就是這本「立體書」的一部分,根據版型還能展現書頁、書縫的不同角度,象徵時間的累積,也是一種文化空間的載體。

(圖片提供:漢聲文教基金會)
(圖片提供:漢聲文教基金會)

何佳興
大學主修書法篆刻和當代藝術,擅長將東方書寫的氣韻轉化為平面視覺,連結傳統與當代。2006年成立「Timonium Lake」設計工作室,持續透過跨領域合作,累積對文化生態的觀察與實踐。2019年加入「季風文化造型工作團隊」,藉由探索亞洲線條技術,發展東亞文化造型與字體。

黃子欽
畢業於台灣藝術大學美術工藝系,曾任書店平面與櫥窗設計師,現營運個人工作室。擅長以舊書報與老照片拼貼創作,透過影像重組產生新的敘事語境。長期收集台灣歷史文物,從記憶中提煉設計語言,轉化為當代的視覺表達,並系統化建立出一套屬於自己的「字庫」。

張軒豪
獨立字體與平面設計師。曾任華康字體設計師,後赴荷蘭海牙皇家藝術學院修習字體設計,並於東京文字塾進修日文字體。現提供中英日字體設計與字體匹配顧問服務,並參與多語系字體規劃、歐文書法教學與平面設計展覽策劃。

文|葉欣昀 圖片提供|漢聲文教基金會


更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

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2025「韓國最美的書」揭曉!看10件作品如何以視覺設計、形式與內容,重新定義書籍之美

2025「韓國最美的書」揭曉!看10件作品如何以視覺設計、形式與內容,重新定義書籍之美

2025年首爾國際書展將於6月18日至21日舉行。4月,主辦單位公布了「韓國最棒的書」(Best Book of Korea, BBK)獲獎名單,該獎項旨在發掘兼具創意、美感與獨特價值的書籍,40本獲獎書籍將在書展期間展出。其中,設計類的「韓國最美的書」( 한국에서 가장 아름다운 책;Best Book Design in Korea, BBDK),最終有10本書入選,將代表韓國參加由德國書藝基金會與萊比錫書展共同主辦的「世界最美的書」國際書籍設計大賽。

2025年首爾國際書展中,「韓國最棒的書」分為四大類別:「韓國最美的書」(設計類)、「韓國最愉快的書」(繪本類)、「韓國最有趣的書」(漫畫類)以及「韓國最有智慧的書」(學術類)。

其中,設計類的「韓國最美的書」( 한국에서 가장 아름다운 책;Best Book Design in Korea, BBDK)報名最為踴躍,共收到294件參賽作品。此獎項評選標準涵蓋書籍整體的物質性、視覺設計、形式與內容的協調性,以及是否有創新與實驗的精神、是否重新詮釋了書籍之美。最終入選的10本書,將代表韓國參加由德國書藝基金會與萊比錫書展共同主辦的「世界最美的書」國際書籍設計大賽。

以下是今年榮獲「韓國最美的書」的10件作品:

*書名/人名皆暫譯

《개와 고양이 의학 사전》(犬貓醫學辭典)

《犬貓醫學辭典》是一本由日本120位獸醫共同編撰、韓國團隊負責翻譯與設計的704頁專業指南,內容涵蓋從狗貓的基本飼養知識到各種疾病的診斷與照護,透過淺顯易懂的方式呈現,適合飼主、臨床獸醫及研究人員參考使用。作為一本百科全書型醫學書籍,其內容架構嚴謹、資訊量豐富,且書封與內頁的字體編排、插畫風格搭配得宜,細緻而優雅,印刷品質與色彩表現極為出色,還兼具功能性與藝術性,體現了書籍作爲視覺媒介的美學價值。

2024年出版 / 17.6x24.6x4.9cm / 704頁
設計|함지은, 出版社|사람의집 (열린책들)

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《끝도 없고 가도 없고 아닌 것도 없는, 여유》(沒有盡頭、沒有去處、也無所不是的,餘裕)

這本圖文詩集以具爭議性的設計風格,入選了2025年「韓國最美的書」。設計師兼作者李在根(이재근)大膽選用KoPub바탕체、MD솔체等在傳統書籍設計中較不被視為美觀的字體,並混搭多種排版方式,如行距窄、字距寬,甚至在頁面中加入橘色邊框和斜體,及刻意採用低解析度的圖片,打破既有書籍設計美學。這種看似混亂、違背常規的設計手法,展現了強烈的個人風格,挑戰人們對「美」的既定想像,重新定義書籍的視覺語言。

《끝도 없고 가도 없고 아닌 것도 없는, 여유》(圖片來源:教保文庫)
《끝도 없고 가도 없고 아닌 것도 없는, 여유》(圖片來源:教保文庫)
《끝도 없고 가도 없고 아닌 것도 없는, 여유》(圖片來源:教保文庫)
《끝도 없고 가도 없고 아닌 것도 없는, 여유》(圖片來源:教保文庫)
《끝도 없고 가도 없고 아닌 것도 없는, 여유》(圖片來源:教保文庫)
《끝도 없고 가도 없고 아닌 것도 없는, 여유》(圖片來源:教保文庫)
《끝도 없고 가도 없고 아닌 것도 없는, 여유》(圖片來源:教保文庫)
《끝도 없고 가도 없고 아닌 것도 없는, 여유》(圖片來源:教保文庫)

2025出版 / 14.8x21x1.1cm / 184頁
設計 | 이재근, 出版社 | 이도 출판사

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《밀려나고 새어 나오는》(被推擠並滲出)

本書收錄藝術家崔燦淑(최찬숙)近十年的創作精選。她二十多年前離開故鄉遷居柏林,長年以「漂泊者」與「異鄉人」的身份進行創作,持續關注那些被「排擠與滲出」的存在,特別是女性移民的生命經驗。這本以移居女性記憶為主題的藝術書籍,採用橫式裸背裝訂,黑色封面以凹版印刷處理,象徵邊緣、靜默與無聲的存在;內頁選用模造紙搭配軟皮封裝,翻閱時頁面輕柔飄落,形象化了遷移中的不穩與落定,呈現極具詩意的閱讀感受。本書設計與主題緊密結合,展現藝術與敘事間深層的實驗性融合,也為移民書寫與書籍設計開拓出新的視覺語彙。

2024年出版/456頁/24x15.3x3cm
設計 | 신덕호, 出版社 | 아트북프레스

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《산 239》(山 239)

《山 239》在小巧可愛的吊飾尺寸之中,濃縮進239座韓國山岳的資訊,包含山名、由來、石碑圖片、實用登山知識及各地代表性動植物等內容。全書採用防水紙,具備防雨、防污的功能,書脊更設計了指南針與登山扣,強化作為戶外登山工具的實用性。設計上以黑白色調為主體,輔以彩色點綴重點資訊,營造出簡約而精緻的視覺美學。本書將文化敘事與登山工具相結合,給予書籍嶄新的定義,是一本內容與形式高度契合的設計,創造出新的閱讀體驗。

2024年出版/288頁/5x6.8x2cm
設計| 오이뮤, 出版社 | 오이뮤

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《시인들》(詩人們)

本書收錄作者박참새與七位詩人的對話,透過設計展現韓文書籍在東亞漢字文化與西方字母文化交會處的獨特定位。排版與字體運用呼應詩人對話的節奏與意象,使閱讀成為視覺與語言交織的一種體驗;封面設計結合哥德體的結構美與現代字體的俐落輪廓,展現出懷舊與現代感並存的美感;內頁排版則融合漢字的方格穩定性與西式左對齊的流動性,選用適合橫排閱讀的字體,進一步突顯韓文在書籍設計中的獨特表現力。全書在頁面留白、標點使用與行距調整都為對話節奏精心設計,使書籍成為一個視覺與語言互動的空間,呈現出韓文字體設計的詩意感。

2024出版 / 14.5x22x1.8cm / 316頁
設計| 김동신, 김마리, 出版社|세미콜론

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《어서 오십시오》(歡迎光臨)

這本攝影集是攝影師崔耀漢(최요한)透過夜間拍攝,捕捉街頭招牌與海報中的多語言現象——包括韓文、拉丁字母、簡體中文、僧伽羅文字等,描繪當代韓國獨特的視覺文化景觀。設計上,大膽運用螢光綠、粉紅、黃紅等對比色,呼應文化間的異質與衝突;內頁運用多種字體,但仍維持統一的節奏感,並穿插翻譯與移民資訊圖表,暗示當今在韓國要建立真正多元文化社會依舊充滿挑戰。書中夜間拍攝的作品透過高品質UV印刷與精緻裝幀,使本書在設計與內容上兼具藝術性與批判力,展現對社會議題的深刻洞察。

2024年出版/14.8x22.5x25cm/328頁/限量500本
設計 | 정재완, 出版社 | 사월의눈

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《엄청난 소똥구리》(了不起的糞金龜)

這本繪本以牛皮紙貫穿封面與內頁,將材料化為設計與內容的一部分。土黃色紙張呼應主題「土地與糞便」,搭配濃黑印刷與極少量的綠色,隱喻生命循環與希望;裸背裝幀中露出的綠色縫線貫穿了全書,象徵地底下的生命,最終在末頁綻放為新芽;白色UV墨水的低飽和印刷,隨角度變化呈現若隱若現的視覺層次,增添閱讀趣味;圖像、配色與排版處處見巧思,前後扉頁的轉化亦蘊含深意。整體設計與敘事緊密扣合,展現對微小生命的敬意,並引發人們對自然循環的深刻反思。

《엄청난 소똥구리》(圖片來源:教保文庫)
《엄청난 소똥구리》(圖片來源:教保文庫)
《엄청난 소똥구리》(圖片來源:教保文庫)
《엄청난 소똥구리》(圖片來源:教保文庫)
《엄청난 소똥구리》(圖片來源:教保文庫)
《엄청난 소똥구리》(圖片來源:教保文庫)

2024出版/52頁/24x24x1.5cm
設計 | 김재하, 出版社| 웃는땅콩어린이재단

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《열린책들 세계문학 모노 에디션 세트》(Open Books 世界文學Mono Edition系列)

本系列書籍如同一盤簡單卻深具風味的煎豆腐,以極簡設計呈現深沉哲學。全書去除裝飾,僅以如SM新明朝(SM신명조)、Times New Roman等經典字體為設計核心,突顯內容本身;多層次的「黑色」運用──如封面沉著黑字、封底隱約圖像,營造細膩而節制的美感;封面無過度包裝,圖像寓意深遠,體現「捨棄即美」的設計理念。在視覺過度喧嘩的時代中,這套書以極簡純粹之姿致敬經典,也重新連結了設計、閱讀與生活。

2024出版/12x18.8cm/共12冊
設計 | 함지은, 出版社 | 열린책들

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《토마토》(番茄)

《番茄》是一本突破繪本傳統語言與圖像關係的作品,書中插畫描繪番茄的生命循環,展現自然的生成、消逝與共存意義。左頁以插畫呈現故事發展,右頁則是解構重組的韓文字體,與圖像互動如爵士樂般節奏分明,語言與圖像各自獨立卻又互補,賦予作品多層次美感與哲理思考。這不僅是兒童繪本,更是一件兼具形式與思想的視覺詩作,挑戰並擴展了繪本表達的可能性。

《토마토》》(圖片來源:教保文庫)
《토마토》》(圖片來源:教保文庫)

2024年出版/21x30cm/52頁
設計 | 신건모, 出版社 | NC문화재단

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《The Figure in the Carpet 》

《The Figure in the Carpet》是以Henry James同名短篇小說為註解形式創作的一本圖像小說。書中逼真細膩的圖像,如水滴與葉影,激發超越視覺的感官想像,而內頁厚紙材質提升了觸覺與視覺體驗;讀者試圖解讀書中圖像與文字的關聯,卻發現意義模糊,體現「解讀的意志」才是作品核心,同時華麗的裝飾線條營造如著色書般的結構,既引導讀者投入,又帶來挫敗感,使此書在形式與內容上皆挑戰傳統閱讀習慣,成為兼具藝術性與哲思的獨特作品。

2024年出版
設計 | 이승현, 出版社 | AABB

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