設計師劉悅德的音樂創作世界：從白目樂隊到田馥甄，無極限的設計狂想與聆聽品味！

劉悅德曾以白目樂隊《Kiss Your Eyes》獲得金曲獎最佳專輯裝幀設計，後再以田馥甄《無人知曉》、黃連煜《滅人山》、陳昊森《Almost Human》三度入圍。她的設計沒有極限，從狂放大膽的《Kiss Your Eyes》，到恬靜淡雅的《無人知曉》；她聽的音樂也沒有極限，從阿姆到〈大悲咒〉，從Radiohead到巴哈。這場採訪耗時一整個下午，先自首我們太愛聊，但她介紹太多音樂絕對也有份（笑）。

「我今天本來想穿Radiohead《In Rainbows》的T恤，它是在eBay上面買的，數量很少。現在去換還來得及嗎？」私下不愛拍照的劉悅德換上T恤後，愛音樂愛偶像的粉紅泡泡，淹沒原本在鏡頭前的不自在，開心拿起專輯擺pose，「你看它現在這麼褪色了，我都捨不得洗。」確認過眼神，她對Radiohead是真愛無誤。

不過她並非從小就愛音樂，小時候和姐姐一起去上音樂班和畫畫課，她卻早早就離開音樂班，「以樂器來講我是個音癡，到現在左右手沒辦法同時使用，鋼琴、吉他、打擊都不行，一定要兩隻手彈一樣的。」姐姐一路練鋼琴到音樂系，爸爸是古典樂迷，每天晚上會聽台北愛樂電台「愛樂Call In擂台賽」，節目會開放聽眾call in猜曲子的作曲者和指揮家，她爸爸沒有call in卻題題猜對，但這些音樂對她來說都只是耳邊風。直到大學進入北藝大，水彩畫老師說了一句話影響她很深，「他說要一直花時間看好的作品、聽好的音樂，所有東西都要吸收好的。」

同年的奧斯卡，阿莫多瓦《悄悄告訴她》拿下最佳原著劇本，從電影到音樂的完整敘事，讓她發覺「原來好作品就是這樣！」她開始找尋阿莫多瓦過往的電影原聲帶，直到現在聽的音樂，影視原聲帶仍占了1/3～1/4。「瑪丹娜曾經講過，她早上起來會聽阿莫多瓦的原聲帶。我看到這句話的時候就想，我也是！我完全可以體會那種感覺，因為他的音樂非常戲劇性，但又沒有侵略性，是可以跟呼吸一起連動的感覺。」也是在大一，她接觸到Radiohead，「我覺得做視覺的人可能都很愛Radiohead，歌詞很有詩意，內容又有批判性跟反省，音樂結構層次非常細。他跟很多大團不一樣的地方是，你可以辨識出這是Radiohead的歌，卻沒有重複的旋律或符號。」

遇見白目樂隊，平面設計從音樂而起

劉悅德會做設計也是因為音樂，大學時在音樂人黃連煜位於北藝大2樓的咖啡店打工，每週末都要排樂團在店裡演出，身為白目樂隊的歌迷，她自然邀請了他們。「後來主唱小糕問我有沒有認識會做設計的人，因為我是美術系的，我就說：我。」其實她壓根沒有做過設計，當時小糕還向她系上學弟打探她的作品風格，得到「你確定嗎？她的東西很無印良品欸」的答案。這段故事現在看來有趣，唱片裝幀風格前衛的她，其實和個人藝術創作的安靜、冷調是兩個不同世界。

白目樂隊EP《Get My Body If You Want It》，是她在大四時完成的人生第一件設計作品，白底封面印著數隻黑色手連成的愛心。「那時候真的不會設計，坐在電腦前面不知道要發生什麼事情，3首歌一直聽一直聽，歌曲在講性跟慾望，就想到以手作為慾望的象徵。」她坦言當時Illustrator只會鉛筆功能，但決意歌詞每一個字都要用鉛筆功能自己拉出來，「那時不懂設計，就覺得為什麼設計師可以把歌詞打字貼上就叫設計？我要每一筆都自己寫，才能確定這張專輯的每一部分，在世界上其他地方都不會存在。」把手和歌詞都處理好後，剩下CD的圓標，她不知道要畫什麼，洗完澡後就索性用很多的手填滿畫面，「現在想想這不是很尊重這個產業的態度，因為我真的沒有思考，覺得把它填滿就好。」今年正好是她入行設計第10年，回看過往作品在態度與技巧上都有了成長。

硬派曲風偏好，不同狀態想聽不同的歌

奪下金曲獎最佳專輯包裝設計的《Kiss Your Eyes》，是她畢業後留學英國時做的，紅綠黑3色筆觸在上身裸露的照片上塗鴉，張狂氛圍完全不同於她當時的真實感受。劉悅德在英國讀書時有點憂鬱，天氣很冷，一年只有2、3個月可以看到自己的影子，特別是冬天早上覺得一天剛開始，太陽卻在下午3點多就匆匆下山。「那時我很常聽Elliott Smith的歌，他是個很早就過世的歌手，音樂出現在很多電影裡，可是他卻不紅。他音樂裡的寂寞和我當時的情緒結合得很好，有一種思鄉，可以陪伴剛出社會的未知感、不安全感。」

她不太有明顯的音樂喜好，但會因為不同狀態而聽不同的歌。「很好笑的是，不知道為什麼我懷孕的時候喜歡聽阿姆。他是我一直很喜歡的歌手，他的創作很真，即使充滿憤怒，但讓人聽得甘之如飴。」兒子出生後她則喜歡放披頭四的歌給兒子聽，因為披頭四的音樂有種活著、愛生命的力量。

最近她聽回高中時常聽的Oasis、Nirvana等1990年代流行搖滾，她拿起櫃子上Sony Music於1997年發行的合輯《max 3》，「這張現在拿出來很好笑欸！裡面有Aqua、The Prodigy、野人花園⋯⋯現在還有人知道他們嗎？我真的覺得我很酷，聽過The Prodigy台北演唱會。那來聽一首The Prodigy好了！」聽著節奏複雜的disco電音，很難想像這是她說「還不會聽音樂」的高中時期聽的。

「噢，那我覺得我聽的東西算硬，電音我非常喜歡Four Tet，他是天才！曲式不是常人腦袋可以構成的，前4～5張專輯都很棒，2010年後有點流行化了。我還聽噪音，台灣有個團叫『再見！奈央！』，我是聽他們然後喜歡上噪音；我也很喜歡My Bloody Valentine，是噪音混種電音與搖滾。我覺得噪音雖然吵，但聽起來很平靜，因為噪音很容易帶你進入一個平行世界裡。」

電影原聲帶她推薦電影配樂大師Philip Glass代表作《時時刻刻》、拼貼敘事Bob Dylan的傳記電影《搖滾啟示錄》、以極精實古典樂為基底，不時混種嘻哈旋律的HBO影集《繼承之戰》，還有如童話般視角詮釋心理疾病的短篇影集《狂想》等。

那所謂的主流音樂應該就不聽了吧？「不會啊，我很喜歡周杰倫〈七里香〉，聽到會感動。」這一問開啟了另一個音樂時空，「我覺得〈大悲咒〉很好聽，雖然它會有讓人不知該不該去忽略的民俗感配樂。我是在媽媽過世後開始認真聽，有時候心情很黑暗也會聽。」

她接下來分享的故事更有意思了，「我老公其實本來不是我的菜，但是他聽音樂的內容讓我很驚喜。我們兩個都非常喜歡Pink Floyd《The Wall》第2張的同一首歌的同一段，在這張充滿名曲的專輯裡，我們卻最喜歡同一首歌裡的同一小段，這點很有打到我。」她現場播放，是〈Is There Anybody Out There?〉最後的1分16秒，沒有人聲，只剩吉他緩慢流動。如此愛音樂的他們，結婚時還做了party歌單，之後繼續聽了一年還是很喜歡，本來講好第二年要再做新歌單，有小孩後就只能無限延期。

許多人覺得分享歌單是件很私密的事，但劉悅德完全沒有這個問題，笑說最喜歡推坑大家她的愛歌，一如採訪結束後她向我們道別的話語是：「回家要聽Four Tet！」

同場加映：劉悅德的冷天氣歌單

1. Mogwai《Happy Songs for Happy People》

2. The White Birch〈Lantern〉

3. Kristjan Randalu, Ben Monder, Markku Ounaskari《Absence》

4. Four Tet《Pause》

5. Thom Yorke《ANIMA》

6. The Velvet Underground〈Candy Says 〉

7. Low & Dirty Three《In the Fishtank 7》

8. Yo La Tengo 《Electr-O-Pura》

9. My Bloody Valentine《loveless》

10. Trentemøller〈Miss You〉

劉悅德

視覺工作者。畢業於台北藝術大學美術學系、英國倫敦中央聖馬丁藝術與設計學院。2011年以白目樂隊《Kiss Your Eyes》獲得第22屆金曲獎最佳專輯包裝設計，2021年再以田馥甄《無人知曉》入圍第32屆金曲獎最佳裝幀設計。作品曾獲東京TDC入選、香港國際海報三年展銀獎。IG@yuehyuehdotco

_{文｜張以潔　攝影｜林祐任}

Branding到底在做什麼？花這麼多錢重新設計Logo，改這麼一點誰看得出來？CI、VI等於Branding嗎？關於品牌的視覺，總是社群上容易引爆的話題。這次決定認真以待，由永真急制負責人聶永真、HOUTH藝術總監何婉君、Local Remote創意總監劉書堯，直面討論Branding的疑難與雜症。

➣本文選自La Vie 2026／7月號《台灣宵夜誌》，更多精彩內容請點此

不論是否關注設計，每人每天幾乎都會接觸到品牌視覺，以Logo為首，在線上與線下間，化身為商品包裝、店面裝潢、指標系統等為人所知。從新品牌的視覺釋出，到既有品牌的視覺再造（Rebranding），也總是能在社群引起討論。像是2016年Pentagram設計的Mastercard新Logo，微調了相疊的紅黃兩色圓圈，並將品牌名改成全小寫移到圈外；2021年小米發布由原研哉做的新Logo，方形改成圓角的更動，均在社群上掀起熱議。

真要討論Branding，得先釐清定義。在設計層面，常常會聽到CI（Corporate Identity，企業識別）和VI（Visual Identity，視覺識別），但其實兩者分屬不層級。Branding為品牌塑造的最大概念，CI是其中一環，而CI又包含MI（Mind Identity，理念識別）、BI（Behavior Identity，行為識別）和VI。

MI為精神層面，例如企業經營理念、口號等，用來建立內部自身認同；BI和VI都是面向外部，差異在於BI指涉服務等非視覺的面向，VI則以Logo等視覺來呈現。至於CIS、VIS這類加上系統（System）的簡稱，實質意義和CI、VI相同，因其本來就是一套系統。

面對這個話題與難題拉滿的議題，La Vie邀請設計師聶永真、何婉君、劉書堯（Brian），從自身經驗出發，分享Branding的眉角與見解。

Q：設計師會如何定義Branding？

聶永真　Brand是品牌，Branding是幫這個品牌做某些事情，我會這樣去定義。我不認為它等於Logo或CI、VI，應該說品牌裡有包含這塊。品牌也包含了品牌的人設、對外展現的姿態等。例如做唱片，藝人本身是品牌，專輯設計只是其中一環，還包括歌手人設、專輯收歌、MV等，這一整個集合體才是Branding。

何婉君　Branding比較像是如何讓大家感受你、識別你，它是一整套行為。社群上滿常討論VI或CI是不是Branding，其實它們完全在不同層次。1960～1980年左右，很多成功的企業開始以CI的角度切入，而CI還包含了品牌理念、管理層面、對外溝通等。許多人常說設計師在做CI，但其實大部分設計師做的是VI。

Brian　我覺得Branding更像是精神象徵，CI或其他手法，都只是傳達這個精神象徵的方式之一。這也是為什麼Branding前期，很常伴隨大量的調研、策略甚至TA（Target Audience，目標受眾）調查等，都是為了釐清品牌的核心到底是什麼。

Q：做Branding一定要包含Logo嗎？

Brian　不一定。取決客戶的商業需求，有沒有需要Logo來支撐他的品牌。

何婉君　Logo通常是能最快記住一個品牌的視覺，所以很多品牌或企業想做Logo，要累積大眾對它的記憶度。但像無印良品，大家記得的是很簡約、很極簡的設定，反而Logo不是重點。所以真的像Brian說的，看案子而定。

聶永真　基本上很多品牌都有Logo，但在討論品牌記憶點時，Logo不必然同時出現。除了婉君提到的無印良品，像我們看到蒂芬妮藍（Tiffany Blue）時，就知道是Tiffany，即便沒有任何Logo；或當我們提到某種皮革格紋，就會與Bottega Veneta產生連結。

Q：在品牌案中，設計師通常只負責VI嗎？還是也會參與到BI或MI？

何婉君　有些案子的確會從品牌策略開始，要做市場調查、競品分析、訪談決策人等，再把結果整理成可以應用到策略面的東西，就會產生品牌定位、品牌策略等，之後才進到VI。但我們大部分接觸到的，還是以VI為主。另外也有業主已經有找品牌顧問公司，就會用比較完整的CI概念和我們溝通。

Brian　以我們接觸到的台灣品牌來說，比較少企業會真的追求到BI和MI，但他們都會有自己的想法，只是沒有統整出準則。一個案子接下後，如果客戶沒辦法在3～5句話說出自己品牌在做什麼，那可能代表產品很厲害，但缺少一個核心敘事，這時候我們就會跳進去幫他們想品牌核心。做策略其實是為了取得共識，讓設計結果不是你喜歡、我不喜歡、他喜歡，而是可以回溯到TA和市場的需求。

聶永真　BI、MI理論上不會在設計公司的範圍。一間企業要做完整的CI，除了找我們，也要找其他公司。有些企業在創立10、20幾年後，才會找品牌顧問公司重新整理，把BI、MI補完。但就設計師來說，比較健康的流程是先有BI、MI，才會進到VI。因為設計一定要有一個明確框架，才會知道可以發揮的空間。有時會遇到客戶放太多信心在設計上，認為可以像機械降神一樣，一切都完美解決。我們也會告訴他們，假設以消費品為例，我們能作為設計師和部分消費者，提供策略上的想法和建議，但如果要做得更精準，必須由其他專業公司來做。

Q：經手過的品牌案最短和最長的時間各是多久？

Brian　伯朗咖啡做了3年才落地，主要是因為組織很大、整合困難，產品線也很多，中間也有找顧問來幫客戶上品牌策略的課。如果Brief很明確，或品牌規模不大，單純想在視覺上有一個統整的表現，推進就會比較快，最快有過1個月。

何婉君　通常2～3個月。目前最久的約1年，因為客戶要開店，前期產品研發、命名、溝通策略等，再到找店面、裝潢、包裝設計等，時間就會拉得比較長。

聶永真　有幾個月可以完成的，也有幾年的。臺中綠美圖VI做了3、4年，SANAA找我們加入這個案子時，建築剛正在蓋。之後每做到一個進度，就要跟臺中市政府文化局和建設局提報，說服為什麼要使用這套視覺系統，慢慢地一關一關過。但也不是這幾年每天都在做，就是做好後等待排程，等共識會議再去提案。

Q：做視覺前做過哪些調研？

Brian　以我們最近剛完成的BabyCity娃娃城Rebranding為例，內部調研就花了滿多時間。我覺得訪談很大的作用，是內部凝聚力的提升。因為像這種大型企業，每個主管都各據一方，老闆其實很需要主管們的支持，去做這麼大的改動。我們有設計問卷，也會在沒有通知的情況下，把他們邀來Workshop，從主管、基層員工到門店人員、批發商都有聊到。

做完會發現，每個人對公司的理解都不太一樣，我們會把這個結果統整給老闆，讓他去做內部整合。假設結論是，大家都認同品牌具有歷史價值，那我們就會把這個精神轉移到視覺上。

何婉君　最近做朋丁書店的Rebranding也有做問卷，完全針對熟客，了解他們對朋丁的感受、來這裡的目的等。除了幫助業主找到自我認同，也能讓我們知道需要重新設計到什麼程度。比如說大家都認同它是中性溫暖的地方，那我們就不會做得很理性、很有距離感。

另一個比較複雜的調研是二水車站的指標設計，除了訪談站長和基層員工，也有針對居民設計問卷，因為公共建設很需要民眾的參與。指標系統也都要放樣，我們做了3種不同大小的樣，測試近看和遠看是否清楚。也邀請行動不便者、長者、年輕人等不同族群，在沒有任何告知的前提下實際走過，提出自己遇到的問題。

聶永真　我們大概有一半的客戶，事前已經準備好策略和田調。像刷樂的案子，會有一個廣告公司介於我們和客戶之間。民生用品非常注重數字和消費者族群反饋，開案時會由廣告公司向我們Brief，產品希望打入的核心族群和競品分析等。

但我想分享另一個觀點，我們之前做過一個VI，提案一路過到最後，突然某位主管說：要不要放下去給所有員工票選？員工有700、800人，對他們來講是民主，但對我們來講，設計不能被民粹干涉。我覺得任何專業都是一種權威，你必須要去相信那個權威，一旦導入民粹來做選擇，選出來的結果絕對是折半。那時候花了滿多時間說服，不要做這件事。所以反過來說，有些田調的確是必要，但這種民粹某種程度也是一種田調，而我不覺得它需要被執行。我們在做設計前，也一定會先確認誰是最大的權力決策者，否則任何田調都會變得沒有意義。

Q：你們在提案簡報上會有什麼風格或策略？

Brian　在進到實際的設計前，我們會有一個環節叫「設計對焦」。假設講到「時尚」，有人想到很尖銳、有人認為很圓潤，我們會用前期策略推導出來的詞彙，搭配圖像和客戶說明，之後設計大概會有怎樣的表現，確保雙方共識。提案時我們會提供兩案，簡報風格就跟我平常講話一樣。我們滿注重概念的鋪陳，像是最近做黑松沙士的Rebranding，客戶最直接的目的是要減塑，把寶特瓶的整身塑膠包裝減成只有一條。這個「撕掉標籤」的動作，讓我們想到現今沙士也已擺脫「吃苦後來一杯」的標籤，便以此連結到我們的設計概念。

何婉君　我們也會有類似Brian的設計對焦，因為客戶一定有自己的想法，但很多時候你不問，他不會講。比如他其實想要Logomark（圖標）加上Logotype（字標），如果沒有溝通到，結果做了很多Logotype為主的Logo，就是做錯需求。針對字體風格，我們會用類似十字象限的表格，引導客戶找出期望的風格區間。其他像色彩、精神面的想法和故事，也會透過簡報幫助彼此對焦。提案也是兩款，但會做出大幅度差異，而非同一方向的細微差異。簡報以白底黑字為主，透過設計脈絡與決策理由引導理解，讓客戶聚焦在內容與作品本身。

聶永真　簡報會花一半左右的時間，解釋這個案子的設計準則、設計方法，如果是商品案，會說明競品和市場考量。並鋪陳接下來會看到的提案，為什麼是從這個脈絡下手，以及為什麼不能從其他脈絡出發，可能會失敗的原因是什麼。這些脈絡和心理建設都做好後，才會進到正式提案。我們也是提兩案，風格會比較像聊天，即便在場有20幾個主管，還是會想辦法用聊得讓氣氛變得比較輕鬆。

Q：會提視覺上的Reference嗎？

聶永真　不會，怕客戶可能會它被拉走。

何婉君　我們也不提，容易會限制發展與想像。

Brian　我們會很隱晦地提。假設客戶說他要一個「超前」的Logo，那他的超前是什麼樣子？是很明亮，還是要到外太空？我們會用很隱晦的方式，引導他說出他的想法。

Q：遇到客戶和你們意見不同時，會怎麼解決？

Brian　想要讓案子安全降落，勢必得做出妥協。但也有說服成功的案例，伯朗咖啡的Logo是伯朗先生，它原本有身體，而我們主張去掉身體。當時伯朗咖啡把Logo當成一個IP，還可以換衣服、換帽子，每個部門主管也對這個人要長什麼樣子，各有各的想法。我覺得應用上會造成混亂，應該要把它當成一個神聖的標誌，不能隨意更動。這件事情一路說服，最後客戶也同意，認為這樣也能節省內部資源，且衣服細節太多，Logo縮小應用時也很難辨識。

何婉君　還是會努力一下，但會在合約規範的次數裡。如果超過，就是看願不願意加預算，如果沒有就是照合約走。也有過一開始就很明確地不順利，雙方達成共識和平分手的案例。

聶永真　我們好像都滿順利，沒有真的遇到品味相左到太嚴重的。但以防萬一，我們在合約上還是會寫退場機制。若提案後雙方無法達成共識，甲方或乙方任一方，可自行提出終止合約。我們不只是把這個權利放在甲方，乙方也有。

Q：Branding和Rebranding各有哪些挑戰和趣味？

Brian　Rebranding還是最難的，一方面得顧到原有的品牌資產，又有新的任務要達成，且客戶通常都會要求在中間找一個平衡點。因為某種程度要推翻之前做的事情，所以設計的理由必須充分，也有更多相關利益需要滿足。至於做新的品牌，發揮空間就比較多一點。兩個都滿好玩。但做舊的品牌影響力比較大，因為企業勢必是有一定規模，才會想Rebranding，看到新商品在市面上，就會滿有成就感的。

何婉君　我也覺得Rebranding比較難。它有一些共同的記憶，然後這個記憶可能會被挑戰。大家對它也比較會有情感價值，可是那不一定符合現在的應用。這也很有趣，如果能在這樣的限制下，做出一個符合這個時代，同時保留它原本精神的設計，就會覺得有一種很聰明的感覺。做新品牌框架相對沒那麼多，和平常設計師在做的事比較相似。

聶永真　我同樣覺得做Rebranding很有成就感。像Brian提到的，企業本身已經有一定資產，當案子到你手上，會有一種想要把它做好的責任心。而且你就是可以決定它的人，那種使命感很讚。只是跳出來講，台電的案子剛好變成政治攻防籌碼，就變調了。但我們其實沒有太放心上，過了5、10年後，它其實就已經被長久建立在那，這才是比較重要的。

Q：社群上大家常常討論，花這麼多錢做Rebranding，卻看不出新的Logo 改動了哪些。從設計師角度會怎麼看？

Brian　企業要Rebranding的目的，很多時候不是改Logo。比如說它想要IPO（Initial Public Offering，首次公開發行）、內部重整，或因為被收購想做行銷宣傳，都可以是理由。Logo只是作為一個啟動點，來推動企業背後想要達成的目的。

何婉君　像朋丁為什麼要Rebranding，其中的原因，是它在綠美圖有新的店，品牌也即將迎來第10年，開始思考Logo在營運上的變化是否需要有新的設計對應。有時候Rebranding也真的是更符合時代，例如數位應用，或是連原本的線下應用都已經不好用了。通常主要動機，比較不會是Logo不好看，背後都牽涉到很多決策面。

聶永真　我覺得公眾的反應當然值得理解，但如果只停留在眼前的聲量，可能就會錯過設計真正想解決的問題。很多Logo的改變，需要放到品牌長期發展裡去看，價值才會慢慢浮現，因為第一印象和長時間的使用經驗，往往是兩件不同的事。另一方面作為設計師，像Mastercard或小米的Logo改變，我們一看就知道它的確是變得更當代、更明快，品味變得更好、更漂亮。我們知道這點就很重要了，因為設計師的責任和使命，就是要走得比大家更前面一點點，然後讓品牌可以走得更遠。

Q：許多設計在網路上會被比對「長得很像」。設計師會怎麼看待，又如何定義抄襲？

Brian　我覺得現在的設計，在那麼多文化背景交疊下，真的很難說是百分之百原創。我自己會覺得，抄襲是在有意識的情況下，去模仿別人的作品，且視覺上很相似。但有時候你可能沒有看其他Reference，完全是按照自己的脈絡來做，最後嘗試出來的結果，被別人找出很類似的Reference，那對我來講不算抄襲。這真的很難定義，也很容易被人拿出來作文章，你說你沒抄，其實也百口莫辯。但我覺得以設計師來說，只要脈絡上問心無愧，我覺得在本意上不太會構成抄襲。

何婉君　設計師通常都看得出來一個作品是否受到其他作品影響，以及靈感可能來自哪裡。作品之間難免會有相似之處，但相似程度與是否構成抄襲仍有差別。我認為設計並不是憑空產生，而是在既有文化、視覺語言與設計脈絡上持續演化與重新組合，重點在於如何結合當下的概念、故事與觀點，創造新的詮釋。因此，我們平常會看大量的設計案例，了解哪些表現方式已經被使用過，也提醒自己避開過於相似的做法。我自己完成作品後，也會再用以圖搜圖檢查是否與既有作品過於接近。要做到完全沒有任何人做過並不容易，但設計師必須對相似性的界線有所判斷，也必須尊重他人的創作成果，避免落入抄襲，我認為這是最基本的專業倫理。


聶永真　設計師都會看脈絡，這個東西是怎麼產生出來，又是如何發展出來，那個是最重要的。最後出來的成果，如果跟另外一個世界上既有存在的設計，它們看起來形態類似，我也不會馬上斷言是抄襲。形態類似不等於一模一樣，只是看起來的樣子有點像，但還是會有30、40%的落差，那基本上就不太可能構成抄襲。所謂的抄襲來自於直接，如果是以視覺設計來講，就是形態的仿造，它是沒有前面的研究和發展。如果每個案子都有一個脈絡，一路走下來並發展出這個形狀，基本上它就是成立的。

聶永真
永真急制Workshop負責人，2012年入選國際平面設計聯盟（AGI）。團隊作品繁不及載，設計作品跨及商業及獨立品牌、展覽、文化、出版、音樂、劇場等領域，擅於從創作源頭涉入更多詮釋和引導，熟練而從容地駕馭畫面、符號及素材，開拓了另一種觀看平面視覺與理解的角度。

何婉君
HOUTH藝術總監，2024年入選國際平面設計聯盟（AGI）。2014年與黃紀滕共同創立HOUTH，團隊專注於品牌與視覺識別設計，作品橫跨商業與文化藝術領域。以策略性思維與開放性作為方法核心，持續探索設計與文化的邊界。

劉書堯
Local Remote創意總監。2021年創立Local Remote，專攻品牌、視覺傳達、空間設計及策略，致力為品牌打造多面向的架構，整合實境與虛擬的感知，創造線上線下一致的連貫性體驗。近年延伸出生活風格餐飲品牌「Local Local」，現有店面包括Local Local Coffee、Local Local 中山、Local Local Park，持續探索商業與美感的邊界。

_{採訪整理｜張以潔　攝影｜劉璧慈
圖片提供｜永真急制Workshop、HOUTH、Local Remote}

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／7月號《台灣宵夜誌》！

2026 FIFA 世界盃足球賽（以下稱 2026世足賽）正式開打，為了替賽事預熱，取得美國地區轉播權的FOX體育台（FOX Sports） ，從藝術設計下手，推出「Global Artist Series」計畫，邀請48個參賽國的插畫家、平面設計師與視覺藝術家，各自創作一張代表國家精神的世界盃海報！

身為全球體育盛事，2026世足賽除了看球員們在場上熱血比拚競技外，賽場外更是焦點滿滿。從史無前例的三場開幕式、首度登場的決賽中場秀、球衣時尚經濟，再到無所不在的廣告周邊，讓今年夏天無不瀰漫著濃厚的世足熱潮。

負責美國地區賽事轉播的 FOX Sports，也在 2026 世足賽開幕前夕推出 「Global Artist Series」（全球藝術家系列） 計畫，邀請來自 48 個參賽國的插畫家、平面設計師與視覺藝術家，分別為自己的國家創作一張專屬世界盃紀念海報。

不同於傳統以球員或比賽瞬間為主的運動視覺，這項計畫更著重於文化與身份的呈現。每位創作者透過自身的視覺語言，從國家的歷史、建築、民俗、自然景觀與集體記憶中汲取靈感，將足球精神轉化為獨具特色的圖像作品，讓48張海報共同構築一場橫跨足球、藝術與文化的全球視覺展覽。

細看12國的海報設計

日本

日本藝術家Shion Minabe 詩音作品以「 SAMURAI BLUE」為核心概念，將日本傳統繪畫的筆觸、櫻花與武士文化與足球動態融合。畫面透過強烈的藍色調與充滿速度感的線條，呈現日本隊冷靜、紀律與充滿鬥志的精神，也呼應日本足球長年建立的「藍武士」形象。

韓國

有別於多數國家以足球員場上威風姿態為題，韓國潮流插畫家Bazbon （崔詗乃 ）則聚焦在守在電視機前觀看直播賽事的觀眾。而桌上的韓式炸雞、啤酒、泡菜，以及牆上的太極旗與韓國隊隊旗，則呈現濃厚的韓國文化元素。

法國

法國插畫家Julien Rico Jr.創作的《Les Bleus》，以法國國家隊暱稱「藍衣軍團」為主題，並選擇以極簡電影海報美學切入，透過鮮明色塊、簡潔構圖與動態線條，再加上巴黎鐵塔、大力神盃，呈現世足賽事高漲的情緒節奏。

美國

西雅圖藝術家Rowan Rathbun的作品以美國國家隊球員－背號10的隊長Christian Pulisic、8號Weston McKennie以及4號Tyler Adams為主角，背景飄揚著巨大的美國國旗，並融入金門大橋、自由女神像、太空梭、好萊塢等美式元素。 

蘇格蘭

蘇格蘭藝術家 Katie Smith 以充滿奇幻色彩的筆觸描繪蘇格蘭的自然景觀與文化象徵。畫面中央是一位身穿蘇格蘭格紋裙（Kilt）的足球員，腳踩足球、眺望遠方的球場與高地山脈，周圍則融入蘇格蘭國花薊花、紅鹿，以及象徵蘇格蘭王室與民族精神的獨角獸等元素，將足球與蘇格蘭獨有的歷史、傳說與壯闊地景巧妙融合。 

阿根廷

平面設計師Diego Jimenez描繪了2022卡達世界盃奪冠時刻，球王梅西（ Lionel Messi）親吻大力神盃，以及沉浸在勝利喜悅中的球迷，以此重現國家隊睽違36年再度登上世界之巔的歷史瞬間。

巴西

巴西藝術家Érik Guarisco利用乾性媒材的肌理與誇張的人體比例，捕捉足球運動中的速度、力量與激情。

西班牙

插畫家Manu Vila將大量文化與建築地標融入畫面，包括高第的聖家堂Basílica de la Sagrada Família、拉曼查的白色風車、聖雅各朝聖之路象徵性的貝殼標誌、佛朗明哥舞蹈等，匯聚成一幅充滿活力的海報。

紐西蘭

紐西蘭藝術家Gwil受1950年代紐西蘭旅行海報啟發，描繪紐西蘭壯麗且獨特的自然風貌，透過復古視覺語彙重新詮釋這片土地的雄偉景致與文化魅力。 

突尼西亞

突尼西亞插畫家Assala Chouk將足球描繪為連結人與人之間的媒介，畫面中以擬人化的「迦太基雄鷹」一起享用下午茶為題，捕捉足球賽帶來的日常情感交流。

摩洛哥

摩洛哥藝術家Hamza Idrissi 以 Amazigh（柏柏爾）傳統圖紋、摩洛哥文化與足球精神作為創作靈感。透過鮮明色彩與象徵性圖像，呈現摩洛哥深厚的文化底蘊，同時傳達世界盃所帶來的熱情、驕傲與團結。

沙烏地阿拉伯

藝術家Alexandra Sheremeteva 以鮮明飽和的色彩與幾何式構圖，將沙烏地阿拉伯的歷史、建築與自然景觀濃縮於同一畫面之中。像是利雅德的地標王國中心大廈（Kingdom Centre）、紅色砂岩峽谷與沙漠地貌、綠洲棕櫚樹，以及駱駝等阿拉伯傳統生活象徵皆入列。

不過，這個創作在發布後卻引發爭議，原因是作品出自目前定居於此的俄羅斯藝術家 Alexandra Sheremeteva之手，雖然她表示沙烏地阿拉伯是自己的「第二個家」，但仍舊引發外界質疑，認為應該由沙國本地藝術家詮釋會更好。

資料來源｜FOX Sports IG