日本藝術家大卷伸嗣《自轉和公轉》展覽專訪:無意識的創作,是每個生命體無法抗拒的型態!

日本藝術家大卷伸嗣《自轉和公轉》展覽專訪:無意識的創作,是每個生命體無法抗拒的型態!

繼2020年關渡美術館《存在の細語》,日本藝術家大卷伸嗣今年9月再度來台舉辦個展,於安卓藝術展出《自轉和公轉》。從個人內心的自轉省思,到與他人和社會的公轉連結,帶領觀眾從「運動態」的思維,重新思考自我與世界的關係。

如同展名《自轉和公轉》,大卷伸嗣每次來台灣也都以安卓藝術為中心,在周圍公轉探索。相隔4年再度訪台,許多過去造訪的餐廳因疫情熄燈,他感到有些寂寞,「場所、食物和記憶,都是連結在一起的。」他笑 了笑,「還有按摩。」沒想到前幾天走進一間按摩店,師傅卻是印尼人,按摩體驗和過往台灣師傅大不相同。他提起現今各國的諸多勞動由外籍人士承接,但該項工作的職人精神能否跟著傳承,這中間的關係值得深思。

〈迴響系列:水晶計畫〉以修正液為媒材,將原本「消除」的意義轉化為「創造」。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)
〈迴響系列:水晶計畫〉以修正液為媒材,將原本「消除」的意義轉化為「創造」。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)

從觀光日常,聊到記憶與工作精神的存在。而存在,確實是大卷伸嗣一再探討的命題。出生於岐阜,他的老家在都市開發中消失;家裡經營訂製西服店,但身為長子的他為投身藝術放棄繼承家業,所以店面不得不關閉,老家商店街很快就被夷為平地。「當別人問我:你是誰?我沒有繼承家業,我的地址也沒了,沒有任何一個穩定的東西,感覺像浮萍一樣飄浮著,所以開始思考自己存在的意義。」代表作《迴響》系列,即是他探討存在的最初作品,透過無限蔓延的花卉圖案,辯證存在的逝去與永恆。

每次個展也都以不同主題引領大眾思考存在為何,2020年關渡美術館《存在の細語》用消失的語言比喻,2023年東京國立新美術館《真空的搖曳》將人體比擬為容器、成都A4美術館《靈韵之光》則透過光探索存在的不同樣態。這次在安卓藝術展出《自轉和公轉》,他試圖以「運動態」的角度,詮釋個體存在與外在世界的關係。

大卷伸嗣作品〈邊界的漲落#3〉。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)
大卷伸嗣作品〈邊界的漲落#3〉。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)

「保持平衡」與「破壞平衡」的運動態

展名靈感源自一次大卷伸嗣和編舞家中村恩惠的聊天,對方提起雕塑家卡蜜兒.克勞岱(Camille Claudel)的作品〈華爾滋〉。「她告訴我,華爾滋是兩人的關係,身體需要靠著彼此,然後逐漸加速,當加速度越來越快,會越來越看不清楚周圍環境,漸漸只能看到自己的軸心。」這席話剛好切中大卷伸嗣近年一直在思考的「運動態」。

大學就讀雕塑系的他,發現雕塑界並非以「物體為靜止」的方式看待雕塑,而是在一個空間中,因為擁有與空間互動的元素而成立。因此,雕塑如何「保持平衡」與「破壞平衡」,都是非常重要的。頗為抽象的概念,他以人體為例,人要往前走得先向前傾倒、破壞平衡,若同時伸出一隻腳,就能再次保持平衡,這就是最基礎的運動態。他認為,小至個人,大至社會,都是以這樣的運動態運作。好比俄羅斯和烏克蘭的關係,就是某種均衡被破壞,因而往某個方向動了起來,整個世界都被牽動。

大卷伸嗣作品〈籽:結〉。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)
大卷伸嗣作品〈籽:結〉。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)

展覽共有21件裝置、雕塑、繪畫作品,動線從大卷伸嗣的內心自轉出發,一路擴展到與外在世界的公轉,最後收斂在宇宙創世的宏觀。有趣的是,《自轉和公轉》這個展名,他直到最後一刻才確認。「我總是會等到最後的極限點,在這之前不斷地尋找答案。名字要是不最後才取的話,有可能在創作過程中,就往別條路偏掉了。」他是相當在意取名的藝術家,連女兒的名字,也是在出生之後看著她的臉,才有辦法取名。至於想好名字的時間,一樣是在報戶口的最後一刻。

〈華爾滋〉共有15片大小不等的黃銅懸掛於展間。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)
〈華爾滋〉共有15片大小不等的黃銅懸掛於展間。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)

拓印潮汐詮釋自轉和公轉

和卡蜜兒〈華爾滋〉雕塑的同名裝置作品,為此次展覽最大型的裝置,共有15片大小不等的黃銅懸掛於展間。大卷伸嗣最先從草圖發想,畫上了數個會晃、會旋轉的圓盤狀物件。為了表述月亮與地球在自轉與公轉的關係,想到也許可以用「中間吊線、兩邊吊東西」的懸掛方式,但始終覺得關係性不對。一天,他向助手說:「我們去敲海邊的東西吧!」一行人於傍晚拿著鎚頭,在海岸的石頭上敲打黃銅,不僅引起遊客圍觀,連警車都來關切。他笑說,「我們就偷偷敲,花了1個小時,然後偷偷帶回家。看了看就覺得,這果然很有趣!」

〈華爾滋〉創作過程。(圖片提供:安卓藝術)
〈華爾滋〉創作過程。(圖片提供:安卓藝術)

他進一步解釋,潮汐和地球自轉與月球公轉的原理有關,潮汐形塑了海岸線,把黃銅放在被海浪磨出來的石頭上敲打,就像把潮汐的樣子拓印、轉移了過來。15個黃銅片呼應月亮每15天滿月一 次,每片的形狀和敲打的紋路都不盡相同。不平的表面,讓觀者透過反射看到的 世界,也是各種扭曲。裝置上方裝有馬達,黃銅會緩慢自轉,穿梭其中的觀眾繞著它公轉;但當觀眾凝視著某片黃銅時,被映照在黃銅內的觀眾倒影,又成了自轉的一環,周圍世界反而在公轉。

大卷伸嗣在海岸的石頭上敲打黃銅片,並由15片黃銅構成作品〈華爾滋〉,凹凸不平的表面反射出的世界也是各種扭曲。(攝影:蔡耀徵)
大卷伸嗣在海岸的石頭上敲打黃銅片,並由15片黃銅構成作品〈華爾滋〉,凹凸不平的表面反射出的世界也是各種扭曲。(攝影:蔡耀徵)

無意識創作是生命體無法抗拒的型態

大卷伸嗣的筆記本密密麻麻,臨時記錄在別處的草圖,也會剪貼過來放入;擅長以光影營造裝置效果的他,有好幾頁也記滿精細的打光時間表。不禁好奇,是否每一 件作品都是從草圖階段開始?他表示草稿是方法其一, 有時也會直接作畫。〈闇繪〉即是在黑暗的工作室裡,聽著雨聲等外界訊息,透過眼睛以外的其他感官,無意識地不斷作畫,直至顏料乾涸。不過若是真的等顏料自然乾燥可能要1個月,因此他加入硬化劑,冬天大約8小時就會凝固。畫布上的顏料由於有些沒有混合完全,會在一片黑中突然出現一抹紅或藍的有趣狀態。

〈闇繪〉為大卷伸嗣在黑暗的工作室,倚靠著外界雨聲等視覺以外的感官,所畫出來的油彩畫作品。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)
〈闇繪〉為大卷伸嗣在黑暗的工作室,倚靠著外界雨聲等視覺以外的感官,所畫出來的油彩畫作品。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)

畫〈闇繪〉時,大卷伸嗣的身體同時也在無意識「創作」。總是邊作畫邊嚼口香糖的他,一次就嚼10顆,且一嚼就是7小時以上,「嘴巴是一個分不出是外面還是裡面的空間,在這個曖昧的領域,我好像在把一團東西一直揉一直揉,最後揉出了一個形態。」展廳入口處的〈感官氣泡:漂浮的片段〉雕塑,即是取材自嚼完的口香糖形體。大約3、5年前,他開始有收藏嚼完的口香糖的習慣,把它們一個一個插在針上,放入盒子後冰在冷凍庫,「有次被太太發現,被罵了,全部都被丟掉了。」他笑說,「現在還有喔,改成放在學校的冰箱。」

大卷伸嗣經常在每日4小時開車通勤途中與創作時嚼口香糖,〈感官氣泡:漂浮的片段〉的紅色版本象徵從他嘴裡吐出口香糖時,就像從身體吐出一個似我非我物體的感覺;另有黑色版本,代表口腔內像是「黑洞」的虛無狀態。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)
大卷伸嗣經常在每日4小時開車通勤途中與創作時嚼口香糖,〈感官氣泡:漂浮的片段〉的紅色版本象徵從他嘴裡吐出口香糖時,就像從身體吐出一個似我非我物體的感覺;另有黑色版本,代表口腔內像是「黑洞」的虛無狀態。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)

展間最深處近11公尺寬的巨幅繪畫〈創世〉,創作方法又不同了,並非由大卷伸嗣本人作畫,而是把一群人當作繪畫道具的嘗試。在日本311地震後,他意識到世界是如此容易損壞,令他反思「要怎麼樣再把世界創造出來?」於是他先帶領學員們研究宇宙學家的創世理論,再用蠟筆練習,不斷用不同顏色覆蓋畫紙,儘管想消除上個顏色,終究會留下痕跡。最後他在岐阜市民文化中心立了約6塊板子,把球或線等平常不會用來作畫的物件沾上顏料,直接砸到板子上,甚至也讓人體沾滿顏料撞上去,透過這樣的運動,呈現宇宙的初始爆炸。「我想要把無意識的東西加到作品裡,因為有意識去做的作品感覺有點無聊,你會去尋求一個完成度,尋求所謂的終點。這樣無意識的創作,是每個人原本就擁有的能力,是作為生命體無法抗拒的形態。」

〈創世〉運用了許多平常不會用來作畫的工具,將各種媒材沾染顏料後砸在畫板上,透過運動態描繪宇宙的初始爆炸。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)
〈創世〉運用了許多平常不會用來作畫的工具,將各種媒材沾染顏料後砸在畫板上,透過運動態描繪宇宙的初始爆炸。(攝影:Choc Cat、圖片提供:安卓藝術)

藝術家有時候會故意犯錯

生命體的存在意義,如今在AI等科技發展下更添複雜,面對AI精進飛快的創作能力,什麼是藝術家的存在意義?又能怎麼看待AI的存在?大卷伸嗣認為可以把「人類」和「AI」分開來看,讓AI去做AI的進步、人類去做人類的進化,但是當人類不再思考、不再進化,而AI卻一直在前進,那就是人類有問題了。

「人身為人,有時卻比AI還失去了作為人的樣子;有的AI是以很純粹的心態去學習,甚至比人還更有人性。」他也提到,AI的思考經常是「如何不要產生錯誤」,「但藝術家有時候就是會刻意去犯錯,這就是藝術家有趣的地方。如果下令AI把方形塗黑,它就乖乖塗黑,那就不好玩了。一個有點歪掉的四方形,也比一個方方正正的有趣。與其說我們去教AI,不如讓它偶爾出個錯誤或意外,會比較有趣呢。」持續思考的人類,也會犯錯的AI,殊異的存在也正在自轉與公轉中,映照出難以算計的世界樣貌。

相隔4年再度來台灣舉辦個展的大卷伸嗣,邀請觀眾一同以「運動態」的思維,看待自身存在與外在世界的關係。(攝影:蔡耀徵)
相隔4年再度來台灣舉辦個展的大卷伸嗣,邀請觀眾一同以「運動態」的思維,看待自身存在與外在世界的關係。(攝影:蔡耀徵)

《自轉和公轉:大卷伸嗣》

展期|即日起~11.08
地點|安卓藝術(台北市內湖區文湖街20號1樓),更多展覽資訊請點此

大卷伸嗣

1971年出生於日本岐阜,1995年畢業於東京藝術大學。曾於日本的箱根雕刻森林美術館、金澤21世紀當代美術館、國立新美術館、中國成都A4美術館與台灣關渡美術館等展出,並獲邀參與日本愛知三年展、越後妻有大地藝術祭、法國愛馬仕左岸店與路易威登2016年男裝秀合作項目等。作品已被日本岐阜縣美術館、韓國京畿道美術館、台灣國立臺灣美術館、UBS瑞士銀行、澳洲白兔美術館等知名機構收藏。

文|張以潔 口譯|蔡知芸
攝影|蔡耀徵、Choc Cat 圖片提供|安卓藝術

更多精彩內容請見 La Vie 2024/10月號《跟著咖啡去旅行》

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Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情,承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀,避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡,Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀:深度專訪藝術家奧拉弗.埃利亞松Olafur Eliasson:世界沒有理所當然,唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1:承接你的心緒

 

❶ 《In Waves》

Jamie xx|2024

睽違9年,相較前張個人專輯的繽紛,這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜,卻眼望舞池的純真快樂。

 

❷ 《Lahai》

Sampha|2023

生於西非獅子山裔移民家庭,英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名,揉合電子與靈魂樂,探索自己成為父親後的內省與溫暖。

 

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris|2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手,回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

 

❹《Go》

Jónsi|2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險,夢幻假音飄盪, 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

 

同場加映:《I Hear You》

Peggie Gou|2024

因藝術收藏而相識,Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面,她穿戴的作品便是Psychoacoustic empathy amp〉(2023);Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV,並將場景設定在他的柏林工作室,親自獻上一舞

 

Olafur書單×6:餵養你的靈感

 

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane|2025

土地是否能擁有人格權?Olafur觀察到台灣也正處理這議題,賦予河流或山脈人格權,自然界便也有了自我保護的法理基礎。

《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)
《Is a River Alive?》,Robert Macfarlane,W. W. Norton & Company,2025。(圖片來源:W. W. Norton & Company)

 

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman|2016

資深酷兒運動者直面當代痛點:我們太快將不適貼上受害標籤?這部挑釁之作解構二元對立思維,呼籲重新思考責任與修復。

《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)
《Conflict Is Not Abuse》,Sarah Schulman,Arsenal Pulp Press,2016。(圖片來源:Arsenal Pulp Press)

 

❸《山之生》

Nan Shepherd|1977(中譯版-新經典文化|2019)

手稿沉睡30年後,這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原,成為自然書寫的經典。

《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)
《山之生》中譯版,Nan Shepherd,新經典文化,2019。(圖片來源:新經典文化)

 

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny|1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道,天生行事緩慢卻屢建奇功,挑戰效率至上的現代迷思。

《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)
《The Discovery of Slowness》,Sten Nadolny,Penguin Publishing Group,1997。(圖片來源:Penguin Publishing Group)

 

❺ 《心靈的傷,身體會記住》

Bessel van der Kolk|2014(中譯版-大家出版|2017 )

這本書顛覆創傷研究的既有認知, 認為痛苦不只存在腦海,更銘刻在 身體之上,重新思考療癒的定義。

《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )
《心靈的傷,身體會記住》中譯版,Bessel van der Kolk,大家出版,2017。(圖片來源:大家出版 )

 

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben|1989

在氣候變遷尚未被關注之時,McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在,我們需要重新審視與環境的關係。

《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)
《The End of Nature》,Bill McKibben,Random House Trade Paperbacks,2006。(圖片來源:Random House Trade Paperbacks)

 

 

Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)
Olafur Eliasson,柏林。(攝影:Vidar Logi, 2024|Courtesy of CIRCA © 2024 Olafur Eliasson)

奧拉弗.埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島-丹麥藝術家,1967生於丹麥哥本哈根,工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起,他的個展陸續於世界各大美術館展出,創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影,以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置,在國際藝壇享有盛譽。2003年,他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》,以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年,他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布,呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題,例如2014年,他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心,隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫,讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片,見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年,創立社會企業「小太陽」(Little Sun),並持續參與其發展至2024年。2014年,他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces,這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

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CHANEL雜誌《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》誕生:從新銳藝術家專題、香奈兒女士藏品,踏上時尚的平行旅程

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溫潤厚實的書捧在手裡,得以真正感受藝術之重。香奈兒2025年全新刊物《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》現於包括台北在內的全球20座城市登場。從新銳藝術家專題、CHANEL Next Prize得獎作品,到由後現代主義攝影師掌鏡的香奈兒女士藏品特輯,盡收250頁精彩篇幅中。跟隨G-Dragon的身影、Tilda Swinton的留言⋯⋯香奈兒為每位觀眾準備的奇幻旅程未曾限於時尚本身。

之於我們所處的時代而言,紙張的存在意義早已超越知識傳遞,「上綱」到了人文溫度與真實情感交流的範疇。2025年,香奈兒延續百年來對藝術的支持,推出全新藝術與文化刊物《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》,由品牌藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel主導,聚焦過去5年間品牌與藝術家及文化機構的合作成果。

首刊封面選用香奈兒5大重要色彩中的「金」底搭配「ARTS & CULTURE」浮雕字樣,並透過後現代主義攝影師Roe Ethridge的鏡頭,以法國立體派雕塑家Jacques Lipchitz於1921年創作的香奈兒女士頭像(戴著2002/03秋冬系列金屬眼鏡)的強烈意象引人入勝,揭開這趟愈見寬闊的視覺旅程。

香奈兒全新藝文雜誌《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》封面。(圖片提供:右Chanel,左翻攝實體雜誌 by Ning Chi)
香奈兒全新藝文雜誌《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》封面。(圖片提供:右Chanel,左翻攝實體雜誌 by Ning Chi)

內容亮點#01:藝術成果呈獻

當代創作者專題、香奈兒卓越大獎作品集

採大開本設計的《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》匯聚豐富多元的藝術創想,並精選亮、霧面等多種藝術紙張呈獻250頁篇幅,不僅彰顯品牌對當代創作者的關注,亦供讀者一窺新銳藝術家的卓越才華,見證他們通過各樣媒介為藝術世界注入的蓬勃生機。

全刊以英文呈現,前半部帶來從英國藝術家Tracey Emin、Savanah Leaf到中國藝術家曹斐、陸揚的專題介紹,以圖文穿插方式邀讀者一同鑑賞諸位的生涯重要創作;後半部則公開香奈兒卓越大獎(CHANEL Next Prize)得主作品集,展露品牌自2022年開辦該獎項以來,在藝術和文化領域的深度著力。創刊號亦邀集香奈兒藝術與文化摯友們分享對未來的洞見,包括品牌大使Tilda Swinton、Penélope Cruz、G-Dragon權志龍等人都參與其中,Tilda Swinton甚至留下了一封簽名信。

《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》的大開本設計在藝術作品呈現上達到極佳視覺效果。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)
《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》的大開本設計在藝術作品呈現上達到極佳視覺效果。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)
品牌大使G-Dragon亦登上創刊號。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)
品牌大使G-Dragon亦登上創刊號。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)

「身處這個充滿變動、數位進程在我們眼前飛速前推的時代,保護、支持並聚焦於藝術家的創作獨立性與人性,顯得比以往任何時刻都更加重要。」——香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel

雜誌前半部以品牌近5年曾交流合作的藝術家專訪、專題為主,後半部則大篇幅呈獻香奈兒女士私人收藏、香奈兒品牌歷史典藏及CHANEL Next Prize得主作品集;圖為達利(Salvador Dalí)插畫作品。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)
雜誌前半部以品牌近5年曾交流合作的藝術家專訪、專題為主,後半部則大篇幅呈獻香奈兒女士私人收藏、香奈兒品牌歷史典藏及CHANEL Next Prize得主作品集;圖為達利(Salvador Dalí)插畫作品。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)

>> 4位藝術家專題搶先看

「英國青年藝術家(YBAs)」代表人物之一的Tracey Emin,曾憑藉知名裝置〈我的床(My Bed)〉入圍透納獎,2007年亦代表英國參加第52屆威尼斯雙年展。英裔美國電影導演兼錄像藝術家Savanah Leaf,則於2024年挾長片首作《地球媽媽(Earth Mama)》奪得第77屆英國電影學院獎(BAFTA)。

美國電影導演Savanah Leaf獲英國電影學院獎作品《地球媽媽》。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)
美國電影導演Savanah Leaf獲英國電影學院獎作品《地球媽媽》。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)

中國青年藝術家曹斐,作品以媒體裝置和錄影為主,最大獨特性在於融合社會評論、流行美學、超現實主義及紀錄片拍攝手法的創作風格;2003至2015年間三度登上威尼斯雙年展,2019、2020年更先後於巴黎龐畢度中心及倫敦蛇形藝廊舉辦個展。

中國藝術家曹斐以融合社會評論、流行美學、超現實主義及紀錄片拍攝手法的獨特創作風格為人所知。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)
中國藝術家曹斐以融合社會評論、流行美學、超現實主義及紀錄片拍攝手法的獨特創作風格為人所知。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)

上海出身、現居東京的跨領域藝術家陸揚,作品多從動漫、遊戲和科幻次文化中汲取靈感,擅用電腦合成影像技術(CG)和遊戲建構為媒介,同時深受佛教哲學影響,探索身分認同、生命、科技與靈性等命題。

旅日中國藝術家陸揚作品顯見動漫、遊戲和科幻次文化元素。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)
旅日中國藝術家陸揚作品顯見動漫、遊戲和科幻次文化元素。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)

內容亮點#02:品牌歷史回顧

香奈兒女士藏品攝影、藝術史學家評論專文

呈獻當代優秀創作的同時,《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》亦回望品牌傳承脈絡中,涵蓋建築、攝影乃至藝術史等不同領域的合作項目。由CHANEL藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel親自執行的建築師Peter Marino專訪打頭陣,攝影師Roe Ethridge特別為香奈兒女士康朋街31號私人寓所和品牌傳承部收藏品創作的攝影特輯〈香奈兒歷史典藏(CHANEL History Collection)〉接續豐富刊物內容。

〈香奈兒歷史典藏〉不只是靜物攝影,更是Roe Ethridge通過鏡頭語言的重新詮釋,為古物塑造的新視覺意象。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)
〈香奈兒歷史典藏〉不只是靜物攝影,更是Roe Ethridge通過鏡頭語言的重新詮釋,為古物塑造的新視覺意象。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)

Peter Marino曾打造香奈兒紐約57街旗艦店、東京銀座專門店、台北101珠寶腕錶旗艦店等多個店鋪空間;Roe Ethridge則本身即以「如何重組圖像構出新體驗」聞名,創建古典作品的風格化版本亦是他所長,此次針對品牌歷史藏品進行封面和內頁創作可說完全展現了他始終探索的「攝影的可塑性」。

此外,首刊還邀請到行為藝術組織Performa創始人、藝術史學家RoseLee Goldberg撰寫評論專文〈表演的人生:嘉柏麗香奈兒與前衛藝術(A Life of Performance: Gabrielle Chanel & The Avant-Garde)〉。

全球20座城市同步發行,台北Moom Bookshop提供限量收藏

《ARTS & CULTURE Vol. 1》於全球20座城市的23家獨立書店同步發行,包括阿姆斯特丹、邦加羅爾、曼谷、柏林、格拉斯哥、香港、倫敦、洛杉磯、墨西哥城、米蘭、紐約、巴黎、聖保羅、首爾、上海、雪梨、台北、東京及蘇黎世。台北於Moom Bookshop限定登場,即日起至7月31日限量提供幸運讀者收藏。

《ARTS & CULTURE Vol. 1》進駐全球20座城市的23家獨立書店,包含台北Moom Bookshop。(圖片提供:Chanel)
《ARTS & CULTURE Vol. 1》進駐全球20座城市的23家獨立書店,包含台北Moom Bookshop。(圖片提供:Chanel)

Moom Bookshop

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有興趣的讀者不妨於時間內到Moom Bookshop看看,或造訪世界其他城市時留意以下指定書店名單。(圖片提供:Chanel)
有興趣的讀者不妨於時間內到Moom Bookshop看看,或造訪世界其他城市時留意以下指定書店名單。(圖片提供:Chanel)

全球參與書店名單

洛杉磯Arcana、阿姆斯特丹Athenaeum、上海Bananafish、曼谷Bangkok CityCity Gallery、雪梨BTWNLNS、墨西哥城Casa Bosques、紐約Casa Magazines、邦加羅爾Champaca、柏林Do You Read Me!?、倫敦Foreign Exchange News、倫敦Reference Point、米蘭Libreria Bocca、聖保羅Megafauna、台北Moom Bookshop、蘇黎世Never Stop Reading、北京postpost、格拉斯哥Ripe、倫敦Rococo News & Magazines、首爾Still Books、倫敦Tenderbooks、香港ACO BOOKS。

同場加映:香奈兒藝術舉措

香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel於首刊序言中表示,「CHANEL文化基金致力於支持並表彰全球變革者。這是屬於無所畏懼之人的舞台——那些正在改變我們看待世界方式的人——我從未如此期待未來發展。」藝術作為一切事物的重要靈感來源,香奈兒以文化基金、卓越大獎兩項舉措,分別和文化機構展開長期合作,並對全球藝術新進提供實質獎助。

  • 香奈兒文化基金

香奈兒文化基金(CHANEL Culture Fund)為一全球計劃,同時和世界各地領先的文化機構開展長期合作,興辦各類推廣創意與文化思維創新的主題項目,旨在於突顯缺少的聲音、促進不同領域間的合作,並發揚可為文化及社會帶來改變的概念。合作夥伴包括首爾三星美術館Leeum、美國芝加哥當代藝術博物館、倫敦國家肖像館、巴黎龐畢度中心及上海當代藝術博物館。

  • 香奈兒卓越大獎

香奈兒卓越大獎(CHANEL Next Prize)為一國際性獎項,以推動藝術與文化領域創新為使命。每兩年頒發一次,開放所有年齡、性別、國籍人士報名,再由全球各界藝術與文化領袖組成顧問委員會進行匿名提名,最終表揚10位在音樂、舞蹈、表演、電影、視覺藝術、數位設計領域敢於冒險且創意無限的傑出創作者,提供每人100,000歐元獎金,助他們實現富有挑戰性的全新計劃,並可加入香奈兒籌組的導師及人脈交流社群網絡,進一步開啟跨領域合作可能。

2022年首屆得獎者涵蓋11個國家/地區,分別活躍於設計、電影、表演和視覺藝術等領域,尤彰顯不同藝術形式間的流動特質。此獎項延續了從香奈兒女士為同時代前衛藝術家提供支援以來,品牌在藝術贊助上的百年傳承。

Tilda Swinton長年作為香奈兒品牌大使暨藝術與文化大使,代表參與諸多相關活動。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)
Tilda Swinton長年作為香奈兒品牌大使暨藝術與文化大使,代表參與諸多相關活動。(雜誌提供:Chanel,圖片翻攝:Ning Chi)

「香奈兒女士摯友、俄羅斯芭蕾舞團創辦人謝爾蓋達基列夫(Sergei Diaghilev)的『Étonnez-moi』(Surprise me,讓我驚豔之意)一言,如今也成為鑿刻於CHANEL藝術、文化與傳承部門的箴言,引領我們在跨領域、跨世代與跨地區的創作中持續閃耀。」——Yana Peel

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