日本藝術家大卷伸嗣《自轉和公轉》展覽專訪：無意識的創作，是每個生命體無法抗拒的型態！

繼2020年關渡美術館《存在の細語》，日本藝術家大卷伸嗣今年9月再度來台舉辦個展，於安卓藝術展出《自轉和公轉》。從個人內心的自轉省思，到與他人和社會的公轉連結，帶領觀眾從「運動態」的思維，重新思考自我與世界的關係。

如同展名《自轉和公轉》，大卷伸嗣每次來台灣也都以安卓藝術為中心，在周圍公轉探索。相隔4年再度訪台，許多過去造訪的餐廳因疫情熄燈，他感到有些寂寞，「場所、食物和記憶，都是連結在一起的。」他笑 了笑，「還有按摩。」沒想到前幾天走進一間按摩店，師傅卻是印尼人，按摩體驗和過往台灣師傅大不相同。他提起現今各國的諸多勞動由外籍人士承接，但該項工作的職人精神能否跟著傳承，這中間的關係值得深思。

從觀光日常，聊到記憶與工作精神的存在。而存在，確實是大卷伸嗣一再探討的命題。出生於岐阜，他的老家在都市開發中消失；家裡經營訂製西服店，但身為長子的他為投身藝術放棄繼承家業，所以店面不得不關閉，老家商店街很快就被夷為平地。「當別人問我：你是誰？我沒有繼承家業，我的地址也沒了，沒有任何一個穩定的東西，感覺像浮萍一樣飄浮著，所以開始思考自己存在的意義。」代表作《迴響》系列，即是他探討存在的最初作品，透過無限蔓延的花卉圖案，辯證存在的逝去與永恆。

每次個展也都以不同主題引領大眾思考存在為何，2020年關渡美術館《存在の細語》用消失的語言比喻，2023年東京國立新美術館《真空的搖曳》將人體比擬為容器、成都A4美術館《靈韵之光》則透過光探索存在的不同樣態。這次在安卓藝術展出《自轉和公轉》，他試圖以「運動態」的角度，詮釋個體存在與外在世界的關係。

「保持平衡」與「破壞平衡」的運動態

展名靈感源自一次大卷伸嗣和編舞家中村恩惠的聊天，對方提起雕塑家卡蜜兒．克勞岱（Camille Claudel）的作品〈華爾滋〉。「她告訴我，華爾滋是兩人的關係，身體需要靠著彼此，然後逐漸加速，當加速度越來越快，會越來越看不清楚周圍環境，漸漸只能看到自己的軸心。」這席話剛好切中大卷伸嗣近年一直在思考的「運動態」。

大學就讀雕塑系的他，發現雕塑界並非以「物體為靜止」的方式看待雕塑，而是在一個空間中，因為擁有與空間互動的元素而成立。因此，雕塑如何「保持平衡」與「破壞平衡」，都是非常重要的。頗為抽象的概念，他以人體為例，人要往前走得先向前傾倒、破壞平衡，若同時伸出一隻腳，就能再次保持平衡，這就是最基礎的運動態。他認為，小至個人，大至社會，都是以這樣的運動態運作。好比俄羅斯和烏克蘭的關係，就是某種均衡被破壞，因而往某個方向動了起來，整個世界都被牽動。

展覽共有21件裝置、雕塑、繪畫作品，動線從大卷伸嗣的內心自轉出發，一路擴展到與外在世界的公轉，最後收斂在宇宙創世的宏觀。有趣的是，《自轉和公轉》這個展名，他直到最後一刻才確認。「我總是會等到最後的極限點，在這之前不斷地尋找答案。名字要是不最後才取的話，有可能在創作過程中，就往別條路偏掉了。」他是相當在意取名的藝術家，連女兒的名字，也是在出生之後看著她的臉，才有辦法取名。至於想好名字的時間，一樣是在報戶口的最後一刻。

拓印潮汐詮釋自轉和公轉

和卡蜜兒〈華爾滋〉雕塑的同名裝置作品，為此次展覽最大型的裝置，共有15片大小不等的黃銅懸掛於展間。大卷伸嗣最先從草圖發想，畫上了數個會晃、會旋轉的圓盤狀物件。為了表述月亮與地球在自轉與公轉的關係，想到也許可以用「中間吊線、兩邊吊東西」的懸掛方式，但始終覺得關係性不對。一天，他向助手說：「我們去敲海邊的東西吧！」一行人於傍晚拿著鎚頭，在海岸的石頭上敲打黃銅，不僅引起遊客圍觀，連警車都來關切。他笑說，「我們就偷偷敲，花了1個小時，然後偷偷帶回家。看了看就覺得，這果然很有趣！」

他進一步解釋，潮汐和地球自轉與月球公轉的原理有關，潮汐形塑了海岸線，把黃銅放在被海浪磨出來的石頭上敲打，就像把潮汐的樣子拓印、轉移了過來。15個黃銅片呼應月亮每15天滿月一 次，每片的形狀和敲打的紋路都不盡相同。不平的表面，讓觀者透過反射看到的 世界，也是各種扭曲。裝置上方裝有馬達，黃銅會緩慢自轉，穿梭其中的觀眾繞著它公轉；但當觀眾凝視著某片黃銅時，被映照在黃銅內的觀眾倒影，又成了自轉的一環，周圍世界反而在公轉。

無意識創作是生命體無法抗拒的型態

大卷伸嗣的筆記本密密麻麻，臨時記錄在別處的草圖，也會剪貼過來放入；擅長以光影營造裝置效果的他，有好幾頁也記滿精細的打光時間表。不禁好奇，是否每一 件作品都是從草圖階段開始？他表示草稿是方法其一， 有時也會直接作畫。〈闇繪〉即是在黑暗的工作室裡，聽著雨聲等外界訊息，透過眼睛以外的其他感官，無意識地不斷作畫，直至顏料乾涸。不過若是真的等顏料自然乾燥可能要1個月，因此他加入硬化劑，冬天大約8小時就會凝固。畫布上的顏料由於有些沒有混合完全，會在一片黑中突然出現一抹紅或藍的有趣狀態。

畫〈闇繪〉時，大卷伸嗣的身體同時也在無意識「創作」。總是邊作畫邊嚼口香糖的他，一次就嚼10顆，且一嚼就是7小時以上，「嘴巴是一個分不出是外面還是裡面的空間，在這個曖昧的領域，我好像在把一團東西一直揉一直揉，最後揉出了一個形態。」展廳入口處的〈感官氣泡：漂浮的片段〉雕塑，即是取材自嚼完的口香糖形體。大約3、5年前，他開始有收藏嚼完的口香糖的習慣，把它們一個一個插在針上，放入盒子後冰在冷凍庫，「有次被太太發現，被罵了，全部都被丟掉了。」他笑說，「現在還有喔，改成放在學校的冰箱。」

展間最深處近11公尺寬的巨幅繪畫〈創世〉，創作方法又不同了，並非由大卷伸嗣本人作畫，而是把一群人當作繪畫道具的嘗試。在日本311地震後，他意識到世界是如此容易損壞，令他反思「要怎麼樣再把世界創造出來？」於是他先帶領學員們研究宇宙學家的創世理論，再用蠟筆練習，不斷用不同顏色覆蓋畫紙，儘管想消除上個顏色，終究會留下痕跡。最後他在岐阜市民文化中心立了約6塊板子，把球或線等平常不會用來作畫的物件沾上顏料，直接砸到板子上，甚至也讓人體沾滿顏料撞上去，透過這樣的運動，呈現宇宙的初始爆炸。「我想要把無意識的東西加到作品裡，因為有意識去做的作品感覺有點無聊，你會去尋求一個完成度，尋求所謂的終點。這樣無意識的創作，是每個人原本就擁有的能力，是作為生命體無法抗拒的形態。」

藝術家有時候會故意犯錯

生命體的存在意義，如今在AI等科技發展下更添複雜，面對AI精進飛快的創作能力，什麼是藝術家的存在意義？又能怎麼看待AI的存在？大卷伸嗣認為可以把「人類」和「AI」分開來看，讓AI去做AI的進步、人類去做人類的進化，但是當人類不再思考、不再進化，而AI卻一直在前進，那就是人類有問題了。

「人身為人，有時卻比AI還失去了作為人的樣子；有的AI是以很純粹的心態去學習，甚至比人還更有人性。」他也提到，AI的思考經常是「如何不要產生錯誤」，「但藝術家有時候就是會刻意去犯錯，這就是藝術家有趣的地方。如果下令AI把方形塗黑，它就乖乖塗黑，那就不好玩了。一個有點歪掉的四方形，也比一個方方正正的有趣。與其說我們去教AI，不如讓它偶爾出個錯誤或意外，會比較有趣呢。」持續思考的人類，也會犯錯的AI，殊異的存在也正在自轉與公轉中，映照出難以算計的世界樣貌。

《自轉和公轉：大卷伸嗣》

展期｜即日起～11.08
地點｜安卓藝術（台北市內湖區文湖街20號1樓），更多展覽資訊請點此

大卷伸嗣

1971年出生於日本岐阜，1995年畢業於東京藝術大學。曾於日本的箱根雕刻森林美術館、金澤21世紀當代美術館、國立新美術館、中國成都A4美術館與台灣關渡美術館等展出，並獲邀參與日本愛知三年展、越後妻有大地藝術祭、法國愛馬仕左岸店與路易威登2016年男裝秀合作項目等。作品已被日本岐阜縣美術館、韓國京畿道美術館、台灣國立臺灣美術館、UBS瑞士銀行、澳洲白兔美術館等知名機構收藏。

_{文｜張以潔　口譯｜蔡知芸
攝影｜蔡耀徵、Choc Cat　圖片提供｜安卓藝術}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/10月號《跟著咖啡去旅行》

看書，不再像過去那樣理所當然嗎？作為草率季創辦人，黃偉倫（Frank）隱身於修車廠 2 樓的工作室亦像一座由書與圖像堆疊而成的小型地景，在這裡，閱讀成為逃離現實的通道、感知世界的方法，及靈感悄悄發生的方式。

➣本文選自La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》，更多精彩內容請點此

「我覺得閱讀是很好的逃脫。」黃偉倫這樣說。很多時候，翻開一本書只是隨手翻閱，但也正是在那樣看似無目的的過程裡，思緒開始偏移，眼前世界的輪廓也悄悄改變。對他而言，閱讀最迷人的地方，正是能讓人從當下所處的位置，瞬間抵達另一個維度，像是為意識打開通往別處的通道。

移動感知，長出聯想力！

在沒有網路的年代，百科全書與圖書館成為他探索世界的入口。從奇聞軼事、怪奇生物，到探險故事與流行文化，閱讀最初是由一種純粹的好奇驅動。隨著成長，他逐漸轉向音樂、時尚與藝術雜誌，那些帶有強烈視覺語言與編輯觀點的刊物，成為他審美與思考方式的養成場域，讓一個青少年逐漸意識到，原來一個主題可以被這樣展開，同個世界也能以另一種方式被觀看，並被濃縮在有限的頁面之中。

紙本與數位：「系統」和「斷裂」的對比

與此同時，黃偉倫並不排斥新的媒介形式。他笑說自己平時也很常滑短影音，經常會和兒子互傳迷因梗圖，對數位媒介帶來的刺激與娛樂，他並不陌生。但即便如此，在他心中，書作為一種媒介，仍有一種完整而強烈的存在感。

他認為，網路資訊像是高度精準的工具，可以快速回應問題，提供大量且即時的答案；而書則是一個被完整建構的世界，承載著作者與編輯的觀點、時間感與文化脈絡，都共同構成一套有機的系統。讀者進入的不是孤立的訊息，而是已被編排過的思考系統之中。

尤其對藝術書而言，形式與內容幾乎密不可分。「紙張的厚薄、翻頁的阻力、圖片呈現的比例，乃至光線穿透紙面的層次，翻閱的方式本身，就是內容的一部分。」也因此，比起「讀到什麼」，「怎麼讀到」同樣重要，這種由媒介本身帶來的身體感與時間感，使紙本閱讀成為難以被完全複製的經驗。

容錯使閱讀迷人

黃偉倫特別著迷於那些切角奇特的雜誌與出版物，往往從一件看似平凡的物件出發，卻能一路牽引出歷史、文化、日常生活與社會關係的多重層次。這種編輯方法並不追求單一路徑，也不急著導向某個標準答案，而是讓同一件事產生複數意義。對他來說，這樣的閱讀才真正具有感染力，因為它打開的不是答案，而是聯想本身。

「在閱讀與搜尋的過程裡，偏離原本的目的地，往往不是錯誤，反而可能是最好玩的部分。」他比喻為一場沿途可能誤入歧途的旅行，你原本是為了某個主題翻開一本書，卻可能在一頁看似無關的內容裡，意外撞見另一條更值得追索的路。

書架，思考的地景

走進黃偉倫的工作空間，很難忽視書的存在。書不僅占據牆面，也蔓延至地面，堆疊成各種臨時的結構，它們成為空間的一部分，一種持續變動的地景。自述很偏重圖像思考的記憶方式，黃偉倫的書籍分類法顯得格外奔放，不按建築、藝術、地區或年分來整理，而是簡單分成兩大區塊：一類是靈感來源，一類是工具性的資料書。書架因此不只是收納系統，更像是他思考方式的外部延伸。

至於選書的直覺呢？「像在撿石頭一樣～」談到收藏書籍的方式，黃偉倫的答案出乎意料地感性。他沒有明確標準可遵循，而是憑直覺判斷一本書的「氣場」。這種感受難以言說，卻像是拾起一顆石頭時的重量與觸感，讓人瞬間判斷是否值得帶回。有時候，一本書會在多年後才被真正閱讀；有時候，他甚至會重複購買同一本書，只因再次被它吸引。書在空間中靜置，也在時間中發酵。

偏離目的地，接近「創造」本身

草率季讓人們穿梭其中自由遊走、任意發現，黃偉倫理想的閱讀方式，亦是允許人在其中迷路、停下、折返，並在過程中與某個尚未預期的內容相遇。而這樣的閱讀觀，也將進一步化為更具體的空間實踐。今年 7 月，草率書店將於西門町開幕。對黃偉倫而言，這是草率季走過10 年之後，一步自然卻也關鍵的延伸。他說空間不大，只有 10 幾坪，將固定呈現草率季相關出版物與自己喜歡的書，也希望容納新書發表，進而成為更多人認識台灣次文化的一個入口。「不過，賣書超難賺錢的啊。」挾帶對未知挑戰的複雜心情，黃偉倫在多年閱讀、觀看、收藏、產製之後，終於長出一個具體座標，讓想像得以棲身落腳的地方。

黃偉倫推薦！打開聯想的 4 本雜誌

《Floating University Berlin》
由德國建築團隊 raumlabor 發起，記錄他們如何在柏林廢棄機場的低窪蓄水地展開實驗性計畫。從建築介入、環境觀察到工作坊與共同學習，這本書也體現其長期關注人群、空間與知識共構的方法。

《Spectator》 Vol.47〈土のがっこう〉
喜歡《Spectator》每期皆以單一主題深掘的編輯方式，這期從「土」出發，延伸至土壤、生活、語言、文化與日本人的關係，既有知識性，也保留輕盈有趣的閱讀節奏。

《TRANSIT》No.65 〈世界のパンをめぐる冒險 創世編〉
《TRANSIT》原本以國家為題，近年轉向更具主題性的文化切口。這本特輯以「世界的麵包」為線索，細究不同地域的麵包起源、製法與歷史脈絡，資料密度驚人，也展現編輯團隊驚人的田調能力。

《TOO MUCH 》 Issue 9〈The Sacred〉
強調浪漫地理學，這期以「神聖」為題，從建築、地景、信仰、儀式到精神性空間切入，討論何謂令人敬畏的場域，欣賞這樣以圖像與跨領域研究交織出的觀看方式，讓抽象主題保有豐富而開放的想像空間。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜張瑋涵　攝影｜鏡好映像工作室_林家賢}

如果你是一隻蜘蛛，會如何感受這世界？你可以在展中親手撥弄絲線。托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno）在新北市美術館個展《共織宇宙》（Interwoven）開幕之際，分享他的「親蛛症」、他對「大氣世」的暢想，與對人們共創力量的信心。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

蜘蛛網，對 Tomás Saraceno 而言是充滿無限可能的生物建築。2006 年，他在工作室成立蜘蛛學部門，開始與各地的生物學家合作，利用 3D 掃描技術記錄、研究不同物種的蜘蛛如何織網。儘管過了那麼多年，還有太多事情令他感到驚奇， 就像 2024 年在印尼發現、最後以他命名的蜘蛛「Heteropoda saracenoi」。他笑說這些蜘蛛都算是他的「親戚」，「我從來沒見過牠，但我好想去拜訪牠。也許我應該邀請牠來展覽，跟我其他的家人一起。至於牠是『她』、『他』還是『它』——這會是個驚喜。」

作為蜘蛛的一份子

最令 Tomás Saraceno 著迷的發現之一，是蜘蛛網不只是精美建築，更像是外延出蜘蛛本體的神經系統。多數織網蜘蛛幾乎沒有視覺，而是透過絲線的震動來感知世界。約莫 2012 年，他將更多關注投注在「聲響」之上。這次展覽中，部分裝置使用震動器產生低至 6 赫茲的聲響，而人耳捕捉極限最低只到 20 赫茲。「人聽不見，但感受得到震動。」他說明，自己所做的，正是將那些聽不見的蜘蛛世界，透過視覺、觸覺等感官加以具象化，使觀眾得以體察。

「這代表我們在嘗試進入其他物種的『感知宇宙』（Umwelt），這是德國動物學家 Jakob von Uexküll 提出的概念。每一種動物都根據自己的感官，建構出屬於自己的現實。我們現在嘗試做的，就是去感知『我們之外還有其他世界』的那種感覺。」

走在〈關注之網〉、〈如何將宇宙陷入蛛網？〉作品間，暗室中瑩瑩發光的蛛網仿若星系，伴隨低沉轟鳴，我們彷彿身在奧祕的宇宙之中，與之共振。〈算法．韻律〉的巨大黑色蛛網則爬滿整個高挑白色展間，人們能像蜘蛛一樣撥弄絲線、探索空間，對應不同預設演算法產生樂音。作品首展於 2019 年的德國，早在當今 AI 爆發之前，Tomás Saraceno 便想挑戰人們對數位程式的既有思考。

「當我們在建立這些數位演算法的時候，它們往往非常狹隘，是為了某一種特定型態的人類而設計的：白人、父權、異性戀。所有這些預設分類，讓演算法只為特定群體服務。」透過震動與身體共鳴，我們得以體驗蜘蛛獨特的感知方式，在撥弄與共奏之間感受與他人的關係張力。數位演算法與自然規律之間的邊界，也在此悄然模糊了。

屬於所有人的「大氣世」

童年經歷阿根廷「骯髒戰爭」（Dirty War，1976～1983）的政治動盪， Tomás Saraceno 曾隨父母流亡義大利，令他從此敏感於棲居的根本，以及地緣政治強加於人的「邊界」。最初他投身建築，著迷於結構張力，卻也意識到實體建築受限於地權等枷鎖。他分享學建築時，Bernard Rudofsky 著作《沒有建築師的建築》（Architecture Without Architects）對他影響很大。「那是一種鄉土、無名建築。它沒有那些分類，建築是如此深深地嵌入在生命之網裡，以至於它根本不是一門學科。」

他排拒石材的霸權，就像金字塔透過高牆展現紀念性的力量， 用來建立階級、信仰體系與宗教，而現代人則用混凝土、石頭、鋼鐵建造城市；他嚮往另一種無名建築，更融入風土，如同隨游牧民族遷徙的帳篷，經使用後便腐朽、回歸生命的循環之中。「我不是說我們要回到過去，但我們可以找到更好的、更平衡的方式。」

Tomás Saraceno 轉向了藝術。更精確地說，對他而言各領域之間不該存在藩籬。比蜘蛛系列更早，他關注起無形的空氣，因為空氣屬於所有人、充滿想像的可能。受建築激進派（如Archigram）、Yona Friedman「空中城市」（Spatial City）、Buckminster Fuller「Cloud Nine」空中棲地等概念啟發，他想探索空氣與重力的邊界，2002 年開始發展《雲城市》系列，充氣泡沫模型懸浮在空中，設想未來人們棲居雲端之上。

在「熱力學的想像」展間中，更多富有重量感的雕塑懸浮起來了，他藉此將熱能的作用視覺化、實體化。他說：

「有時候我們需要特別去想像：空氣在流動嗎？空氣太難被感受到，太無形了。你感受不到地球正在以 1.5 度、甚至 2 度的幅度暖化。這讓人們更容易理解：就是這麼微小的溫度差距，便可能改變地球上絕大多數生命的處境。」

多年來，他也發展出結合冥想與感官調頻（Attunement）的工作坊，參與者重新專注感受吸氣、吐氣，這件生物如此自然而然的事。「你深吸一口氣，然後一切都不一樣了。你對自己更有覺察，因而理解更多。」

讓我們一同編織生命的絲網

在 Tomás Saraceno 所倡議的「大氣世」（Aerocene）願景中，他進一步勾勒不依賴化石燃料的未來。自 2007 年起推展的〈太陽能飛行博物館〉，由回收塑膠袋製成熱氣球，並試圖僅靠太陽熱能、大氣浮力升空，至今已成為跨越 30 多國的接力計畫，今年 2 月的工作坊，也將台灣回收的塑膠袋與前站首爾的作品縫合在一起。他深信共同參與的力量，「我的很多作品都是屬於所有人的，它們不是我的作品。像這件作品我們都參與其中，我們都擁有它。想法就在那裡，每個人都可以做、都可以建造，都能感受到自己在貢獻某件超越自身的事情。」

從 2017 年起，Tomás Saraceno 關注阿根廷北部大鹽沼及瓜亞塔約克湖（Laguna de Guayatayoc）地區鋰礦開採造成的環境危害。綠能源風潮下、被稱為「白色石油」的鋰，是電動車電池與能源儲存系統的重要材料，而每開採 1 公噸鋰礦便消耗 200 萬公升的地下水。不過他強調：

「水是很大的議題，但應該停止把它稱為『資源』。它不是一個可以被探索、被占有、被商品化的『資源』。你不會這樣對待你的親人，我不會說我女兒、蜘蛛是種『資源』，他們都是我的家人。」

錄像〈與帕查一同飛入大氣世〉便記錄下當地原住民的抗爭，以及他們一同施放熱氣球，挑戰零燃料、載人飛行世界紀錄的創舉。今年年底，他與 11 個原住民社群攜手打造的地景裝置〈Sanctuary of Water〉也即將落成。5 幢大小不一的鹽結構半圓觀景台，倒映水面形成了完整的圓，呼應安第斯宇宙觀，宣告在此為「水之聖域」。

他說明，「這些族群總是在為其他世代做事，非常掛念那些教導過他們的祖父母，也為未來世代付出很多。他們在這時代的存在本身，以及不把過去、現在、未來切割開來，這種看待時間的方式非常美麗。」他認為，不同的文化、不同的理解方式，是人們持續學習的機會。

有趣的是，現在鋰電池也成為 AI 產業的能源驅動力，而台灣更是當今 AI 與半導體產業鏈的關鍵角色之一，生產晶片過程同樣耗用大量能源與水源。在從展間外廊蔓延至展內的壁畫〈公平雲朵〉中，Tomás Saraceno 邀請新北市多所學校與地方社群，一起繪製雲朵圖樣、想像水循環，與遠在阿根廷守護水資源的人們悄然相連。他說，「我們還來得及去思考這件事，去達到這種團結。也許你心裡的問題是：台灣人跟阿根廷的鋰礦有什麼關係？聽著，目前只有一個地球，沒有 B 星球。」

談到這次在台個展，他命名為《Interwoven》，中文則翻譯為《共織宇宙》。他解釋：

「現在，生命的絲網只被一部分人編織著。其他人失去了自己的絲線，他們試圖找到連結，卻沒有人在乎。這是一個願望、一個希望、一個渴望，希望生命的絲網，能夠由更多的人一起來編織。」

托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno） 

阿根廷藝術家，現居柏林。畢業於布宜諾斯艾利斯大學建築系與威尼斯建築大學（IUAV），並於法蘭克福國立造型藝術學院（Städelschule）深造。2005年於柏林創立工作室，創作跨越不同尺度與物種界線，從蜘蛛絲線的微觀振動到漂浮雕塑的空氣靜力學，探索人類、蜘蛛與大氣環境的共生關係。重要計畫包括： 推動無化石燃料飛行的「大氣世基金會」（Aerocene Foundation，2015∼）；以及與馬克斯普朗克研究院等機構合作的「Arachnophilia」（2018∼），研究成果發表於《自然》與《美國國家科學院院刊》。展覽遍及紐約大都會博物館（2012）、巴黎東京宮（2018）、倫敦蛇形畫廊（2023）等重要機構，作品由MoMA、柏林國家美術館等機構典藏。 

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙
日期｜2026.03.21–2026.09.06
地點｜新北市美術館6A、6B展間

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_{文｜吳哲夫　口譯｜錢佳緯
圖片提供｜各單位}

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