不只是音樂祭，聲波薩滿在此發聲！專訪策劃團隊立方計劃空間、恆成紙業

這場音樂祭不只有樂團演出，連文學家吳明益都在lineup上，究竟要做什麼？《聲波薩滿：立方論壇音樂祭》（以下簡稱聲波薩滿）將在11月23、30日和12月1日於恆成紙業、忠泰RS289兩個非典型空間登場，匯聚國內外40多組創作者跨界交會，以樂團、實驗聲響、講述式表演、行為藝術、短片到裝置等多元形式，帶來沉浸式的藝術體驗。

策劃團隊「立方計劃空間」（以下簡稱立方）的藝術總監鄭慧華、空間與企劃經理羅悅全分享，「聲波薩滿」這名稱原是副標，後來發現太有記憶點才成為主名。「薩滿」雖帶古老靈性的意象，活動卻並不著重神祕主義或身心靈式的聆聽體驗，而是重視透過實驗聲響與藝術帶來的感知擴展；加上深具現代性的「聲波」二字，兩個看似對立的概念結合，表達出音樂祭想突破二元討論框架的理念。自2010年成立15年來，聲音一直是立方的研究主軸之一，他們也持續探索各色展演型態的未來性。這也是副標定為「立方論壇音樂祭」的原因—他們期待音樂展演場域也能是思想交會的論壇，表演者不是演出完就離開，而能更多與彼此、與觀眾激盪。

從聲響文化看台灣音樂場景

1980年代末正值解嚴，羅悅全於輔仁大學創立「搖滾音樂研究社」，並與鄭慧華相識，剛好迎上「零與聲音解放組織」創立、1994年「破爛生活節」等重要時刻，台灣的音樂場景正蓬勃發展。兩人回憶，1990年代台灣劇場、文學、視覺藝術、獨立音樂等領域本混融並存。而後30年間，各藝術領域逐漸專業化、學院化，約莫2003年前後，隨藝術專門獎項設立，「聲音藝術」從視覺藝術領域衍生出來；音樂場景也愈加細分，噪音、電子音樂、搖滾（再細分為龐克、另類等）各自成群。「我們想談的是所有與聲響相關的創作，以及它如何形塑文化、影響人們生活的層面。」鄭慧華解釋，為了能在更全觀的視野下梳理整體脈絡，伴隨2014年北師美術館與高雄美術館《造音翻土－戰後台灣聲響文化的探索》展的策劃，他們著手發展更具包容性的「聲響文化」概念。

台灣90年代藝文領域的混種狀態是自然而然，類似卻又不同於現在的「跨領域」實踐——《聲波薩滿》正是想透過藝術交流尋求共鳴與連結。鄭慧華以電子音樂重鎮柏林為例，說明二戰後的德國以電子樂先驅Kraftwerk為代表，透過電子音樂想像未來、重建信心。聲響能量可凝聚人心，而在施普雷河畔的廢棄工業廠房、倉庫中，音樂實驗與各種藝文活動交織出連結緊密的社群。而談到現今台灣，展演空間已愈趨制式化，「人們對空間與音樂的想像，其實也被現代生活跟科技媒介局限在一個個同溫層裡面。」因此，這屆《聲波薩滿》以「穿越差異旅店」為題，希望跳脫這些隔閡與冷漠，「透過實體空間的交流重新模糊這些界線，讓創作者進入那些場域，獨有的空間氛圍再觸發他們不一樣的表現。」

跨域就要玩出不一樣的東西

空間搭起人們的聯繫，跨領域交流也打開場域的潛能。首屆《聲波薩滿》選定4大不同性質場域，這次則聚斂在兩地—現代雅緻的忠泰RS289與另類野性的恆成紙業。羅悅全提到這些異質空間對觀眾總是別具魅力，並笑稱恆成紙業二度開放的倉庫正像「柏林工業風」，「恆成紙業怎麼聽都不像發生音樂祭的地方，所以有無限的想像空間。」恆成紙業負責人鄭宗杰在9年前回台接班後，一直苦思這夕陽產業能有什麼可能性，他在2021年林冠名個展《散落物memento》開幕派對邀請DJ，發現紙張撤在一旁的倉庫吸收迴響的聲感意外好，正適合音樂展演。他坦言跟《聲波薩滿》的合作並非什麼宏大願景，就是單純「交朋友」一起做好玩的事。「這也為恆成加了分，我們協助文化產出，同時也獲得外界的一些認可，被更多地push、鼓勵繼續嘗試下去。」

在恆成，前次有林強迷幻的電音饗宴，這次文學家吳明益將與樂團裝咖人帶來演說式表演。當吳明益親身在恆成場勘時被空間觸動，靈感似乎遏止不住。鄭慧華笑說，「當我們拋給你東西，然後你開始想可以做出哪些不同的事，這是我們最快樂的地方。」隨著徐嘉駿、Melting Part也加入共製，這屆《聲波薩滿》的節目更趨多元。表演形式也有所拓展，在錄像作品放映外，更邀請平常在劇場、美術館及現地空間的行為藝術、舞蹈等創作者參與，這有賴於今年加入立方、擁有相關背景的區秀詒。她說：「跨領域並非要讓所有元素融為一體，而是讓不同創作者聚在一起，透過彼此的差異性產生化學反應，激發出各種嶄新的能量。」

冷與熱，一場須親身沉浸的藝術對話

國際合作方面，立方攜手盧森堡卡西諾當代藝術館與印尼音樂廠牌Yes No Wave Music，彷彿將極冷與極熱的元素並置。卡西諾藝術總監Kevin Muhlen曾深深被《聲波薩滿》的能量驚豔，這次更主動引薦3組歐美、北歐藝術家。羅悅全形容，他們展現簡約精確的性格，以純粹形式追求音樂的純淨境界；而近來在國際特別耀眼的印尼聲響藝術，則帶著熱帶風土般的豐富氣息，讓人想起台灣1990年代的生猛。「如今他們能用網路掌握最新知識與技術，同時也善用自己在地很『土』的方式演繹音樂，反而玩出不同味道，這種生猛能量在台灣已慢慢少見了。」

此外，立方在忠泰RS289策劃小而精緻的市集，也與恆成內容品牌「野点nodate」合作共製，從刺青師到詹記麻辣火鍋都將現身恆成現場。羅悅全指出，現代人雖能便捷地接觸廣泛的音樂資訊，卻因資訊龐雜而流於表面。「單純透過網路接觸這些音樂類型其實缺乏身體感，太快速的接受容易讓音樂的脈絡、感知變得斷裂，我認為你必須在現場中，才能真正知道音樂究竟是什麼。」《聲波薩滿》正是這樣一個平台，如同現今代稱論壇的英文「Symposium」，溯回希臘語源的「飲酒會」——在伴隨音樂與表演的開放氛圍下，思想與藝術的對話或許正在發生。

立方計劃空間

於2010年4月成立，致力推廣當代藝術、人文思維，並連結國際與在地網絡。作為台北南區的重要藝文場所，提供展覽、講座、交流和資料庫功能。截至2024年，立方已舉辦超過70檔展演、百餘場講座及表演，並透過多元媒體發表研究成果。曾與200多位藝術家及多個國內外機構合作。其策劃的《造音翻土》展覽獲2015年台新藝術獎年度大獎，專書亦獲2016年金鼎獎最佳編輯獎。

鄭宗杰

恆成紙業三代負責人。大學念建築，海外工作十幾年後，9年前父親過世回家接手，打開各種觸角，想找出紙張媒材於當代的可能突破點，更讓品牌直接作為橋樑，串聯其他產業。

跨越國籍的聲響對話

❶ 三牲獻藝（台灣）

Q1：聲音在你們的音樂創作中扮演什麼角色？
聲音是創作的核心素材和操作對象。我們的背景和風格都很不同，但都被文化內容，特別是台灣廟宇文化所牽引，過往更多在收集這些素材，上張專輯《八仙》開始加入更多故事性、人聲元素。現階段我們想更加強故事性，但核心始終是廟宇文化與電子音樂的結合。

Q2：今年的主題是「穿越差異旅店」，你覺得藝術能幫我們跨越哪些差異？
我們並不刻意去穿越差異，都有自己的堅持，但也學會了不去過度干涉彼此，主要透過工作流程將不同元素整合在一起，回到企劃、文本上討論，避免在風格上產生衝突。年紀大了後，創作態度更成熟了，懂得在「完美」和「夠好」之間找平衡。

Q3：能不能稍微透露一下這次的表演內容？
近期新計畫「天地無用」與今年離世的成員Fish（黃凱宇）有關。現在少了一人，正調整工作流程，我們會選擇過去4張專輯中代表性的6首曲目重新製作，用AI重建無法取得的原始分軌檔。Fish的風格直接、有力道、帶有機械感，講究音色和音頻的表現，這次會向Fish靠攏，也會強調現場即興演出元素，是對Fish的致敬，也是對他離世的消化過程。

三牲獻藝

全新形態的電子音樂演出團體，融合風土採集、電子音樂與台灣廟宇音樂元素的跨界計畫。由知名音樂製作人柯智豪、兩位重量級電子音樂製作人鄭各均（Sonic Deadhorse）和黃凱宇（fish.the），以及視覺藝術家邱智群組成。自2014年首次公演以來多次入圍金曲獎，參與重要演出如台北雙年展和2024巴黎文化奧運台灣館。2024年初黃凱宇驟逝後，團隊面臨重大變革，正以「天地無用」計畫探索未來方向。

❷ Nataša Grujović ＋ Steve Moore（盧森堡＋美國）

Q1：聲音在你們的音樂創作中扮演什麼角色？
聲響的特性（振動和泛音列）是音樂的基礎要素，音樂就是為了表達這些單純的能量現象而誕生的。所以，聲響在音樂中的角色是最根本的。不過，一旦音樂形成了，無論是一般意義上的還是個人藝術層面的，「聲響」

Q2：今年的主題是「穿越差異旅店」，你覺得藝術能幫我們跨越哪些差異？
便可用更抽象的方式被重新運用。比如說，它可以作為噪音，或者探索它們在音樂廳這樣聲學空間中的表現。我認為，藝術最需要跨越的「差異」，就是「自我」和「他者」之間的差異。無論是創作還是欣賞藝術，都是在做這件事。這個主題讓我想到的是，藝術就像是在自己和別人之間搭一座橋。讓我想到人們一起聽音樂時，不論是什麼語言、文化或年齡背景，那種自然而然、共通的音樂體驗。

Q3：能不能稍微透露一下這次的表演內容？
我們的表演將包括過去兩年中創作的作品，還有一些即興演出會根據我們在音樂祭現場的氛圍調整。與觀眾和其他藝術家分享作品一向非常有啟發性，感受他們反饋的能量，並觀察我們自己對這次經驗的反應，進而產生一種不斷回饋的循環。

Nataša Grujović＋Steve Moore

實驗樂團始於2022年，最初為致敬盧森堡藝術家Steve Kaspar。2023年，他們創作原創作品《事件水平線》（Event Horizon），在盧森堡卡西諾藝術館和Kulturfabrik演出。雖運用合成器和數位處理電子音樂元素，但雙人組的音樂能量更多來自手風琴和長號的共鳴創造和聲場，融合旋律元素。音樂涵蓋靈性爵士樂、儀式性嗡音及西方古典傳統，展現獨特的音樂風格。

❸ Senyawa（印尼）

Q1：聲音在你們的音樂創作中扮演什麼角色？
聲音頻率是我們作品中傳遞能量和訊息的主要媒介。對我們來說，這些聲音頻率透過我們身體的延伸來傳遞，也就是自製樂器和人體發出的聲音。所以我們不稱之為聲音藝術，而只是聲音頻率。

Q2：今年的主題是「穿越差異旅店」，你覺得藝術能幫我們跨越哪些差異？
藝術的目的在於提供不同的東西，不論是觀點、心態，還是風格。

Q3：能不能稍微透露一下這次的表演內容？
我們將表演最新作品《Vajranala》，重新詮釋帕翁寺（又稱Brojonalan寺，婆羅浮屠寺廟群之一）所在地的爪哇神話和佛教教義。創作期間，我們同時打造一座由4,100塊雕刻紅磚構成的紀念碑，周圍環繞著26塊雕刻安山岩，作為象徵21世紀的未來遺跡。作品包含5個篇章，重新詮釋關於天空知識、人類故事和大地的3個傳說，提供一些理解從古至今人類權力和知識傳承的不同觀點。

Senyawa

融合部落、原始聲音與工業音樂的實驗性組合。成員Rully Shabara擅長融合印尼各地語言進行人聲即興，Wukir Suryadi則自製結合現代和原始元素的樂器。十多年來，他們不斷開拓新的音樂領域，曾參與全球多個著名音樂節、獲多項大獎，並與眾多知名音樂人合作。疫情期間，他們創新地與全球40多間唱片廠牌合作發行新專輯《Alkisah》，被《紐約時報》譽為「未來國際音樂產業的創新合作模式」。

2024聲波薩滿：立方論壇音樂祭

場域❶ 恆成紙業｜2024 .11.23

場域❷ 忠泰 RS289｜2024.11.30 、12.1

購票資訊➔https://www.accupass.com/go/sonicshaman2024

官方網站➔https://sonicshaman.live

_{文｜吳哲夫　攝影｜林政億、林軒朗、Art Bicnick、Reza Darwin、Swandi Ranadila
圖片提供｜三牲獻藝、立方計劃空間、朱頭皮、無相、裝咖人、Asep Nayak、Ásta Fanney、Irfan Muhammad、Kamal Sabran、Sigurðardóttir、Dankwart、Kadapat、Senyawa}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/11月號《走入藝術的無形脈動》

歐洲近年規模最大的新博物館建設——「Kanal龐畢度中心（Kanal-Centre Pompidou）」，即將於2026年11月啟用！這座布魯塞爾首間專注於現代藝術的藝文場館，由當地一座老汽車工廠改建而成，昔日冰冷的工業景觀將與多彩、前衛的藝術品交織，為來客營造獨特的美術館遊逛體驗。

龐畢度中心：持續擴張的國際藝術文化品牌

以巴黎為大本營的龐畢度中心（Centre Pompidou），擁有全球最具指標性的現代藝術收藏之一。長年以來，龐畢度積極透過設立分館、簽署長期合作協議等方式，促進國際間的現代藝術交流，其分館和合作夥伴散落世界各地，包含西班牙馬拉加、美國澤西市、韓國首爾、比利時布魯塞爾、巴西巴拉拿等地，讓法國藝術與策展能量走向世界，也讓龐畢度從單一場館成長為全球知名的「文化品牌」。

隨著巴黎母館於2025年展開長達5年的閉館大整修，龐畢度海外據點的運作、館藏「出海」展出等相關安排，對品牌營運來說更加關鍵。儘管大本營暫歇，龐畢度在海外的腳步未曾停下，2026年國際佈局動作不斷：6月，首爾「韓華龐畢度中心」開幕；7月，與桃園市立美術館締結長達7年的合作夥伴關係；11月底，布魯塞爾「Kanal龐畢度中心」將正式重啟。

Kanal龐畢度中心：汽車工廠改建而成的現代藝術殿堂

坐落於布魯塞爾運河沿岸的Kanal龐畢度中心，由來自歐洲3地的建築設計單位——布魯塞爾noAarchitecten、瑞士EM2N、倫敦Sergison Bates architects——組成的「Atelier Kanal」跨國團隊操刀，為當地一座建於1930年代的雪鐵龍（Citroën）老汽車工廠賦予新生。

雪鐵龍工廠本身是一座誕生於20世紀初期的標準現代主義建築，內部以高達21公尺的玻璃鋼骨結構為亮點，其壯觀如教堂穹頂，內部整合了維修廠、辦公室、餐廳等設施，美感與功能性兼具。工廠停止營運後，其建築由布魯塞爾首都大區於2015年收購，如今則作為Kanal龐畢度中心的腹地使用，轉型為一處複合式藝文場域。

Kanal龐畢度中心的建設計畫，論象徵意義，這座場館將是布魯塞爾第一座完全致力於現代和當代藝術的文化機構；論規模，其為近年歐洲規模最大的新建博物館開發案——無論何者，對布魯塞爾來說皆是城市發展的重要一頁。待2026年11月正式啟用，這座佔地達40,000平方公尺的工業建築，將搖身一變為5層樓展覽廳、表演與電影放映空間、工作坊共存的藝文場域，亦引進咖啡館、烘焙房、屋頂餐酒館等餐飲空間，為原先冰冷的工廠注入趣味、染上繽紛色彩。

開幕展集結20世紀藝術大師作品

開幕展覽將由館方與巴黎龐畢度中心共同策劃，以現代藝術為主軸，展出超過350件藝術作品，包含亨利‧馬諦斯（Henri Matisse）、索妮亞‧德洛內（Sonia Delaunay）、賈科梅蒂（Alberto Giacometti）與威弗雷多‧林（Wifredo Lam）等20世紀重要藝術家的作品，以及與布魯塞爾有所連結的當代藝術家之作。

建築視野、遊樂裝置豐富逛展體驗

此次Kanal龐畢度中心重啟，也象徵布魯塞爾2大機構長期合作的開端。館內一隅將成布魯塞爾建築、景觀設計與都市規劃檔案館CIVA館藏的新家，為觀眾帶來欣賞藝術的不同視角。雙方也將持續合作，將國際藝術和建築相關作品帶到布魯塞爾，活絡在地的藝文場景。

另有充滿玩趣的裝置豐富逛展體驗——曾獲透納獎（Turner Prize）肯定的英國藝術團體Assemble，將為Kanal龐畢度中心打造一座室內遊樂場——廣達700平方公尺的巨型裝置上，將佈滿山丘、火山地景，帶有遙遠星球的宇宙意象，用現實景觀塑造超現實的遊樂感受。

上海當代藝術博物館現正呈獻與香奈兒文化基金聯合策動的「新文化製作人」現場展覽《從邊緣開始收集》。從本文率先了解該專案實踐內容，並接續走進位於館內3樓的嘉柏麗香奈兒空間，一探17組參展藝術家及團隊、31件多媒材作品蘊含巧思。

由上海當代藝術博物館（Power Station of Art, PSA）與香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）攜手執行的「新文化製作人」專案，即日起至2026年10月8日選址館內3樓、方於2025年11月底正式向大眾開放的嘉柏麗香奈兒空間（Espace Gabrielle Chanel）設計中心（psD），帶來第四季「文本與藝術」主題大展《從邊緣開始收集》。繼前三季對手工藝、建築與劇場等不同領域的關注，本季展覽內容探索廣義而具體的文本，何以作為創作語言和思考模型，啟發當代藝術及多元文化實踐中的突破性敘事表達。

前情提要：「新文化製作人」主要在做什麼？

全案由上海當代藝術博物館與香奈兒文化基金於2021年共同發起，旨在為具有文化視野的探索者、創作者、實踐者、堅守者提供全方位展示舞台。第一季聚焦「手藝再興」主題，藉於2022年11月5日至2023年2月5日舉辦的雙展《狂人之丘》與《回到未來：穿越時代的屏障》，引起各界對中國手藝當下境遇與再興可能性的熱議。第二季面向「活性建築」主題，於2023年7月15日至10月8日以單展《影之道》探討中國南方的「陰影」，如何憑其複雜性與連續性不斷拓展建築空間的不穩定邊界、活化中國文化深厚的內在能量。第三季定調「劇場」主題，於2025年7月12日至10月8日構建一座持續發生的寫意劇場《正午、荒原、息流、瓦捨、廢墟、劇場》，從而消解戲劇、表演與展覽的傳統邊界。

>> 延伸閱讀：香奈兒當代藝術圖書館上海揭幕！坂本一成操刀「Espace Gabrielle Chanel」：5萬冊跨域館藏，更設劇場及設計中心

本季則著眼「文本與藝術」主題，再以單展《從邊緣開始收集》溯游新聞報導與虛構文學間，並經跨學科的創作實踐開展一場關乎文本性的當代藝術探究。兩位新一屆新文化製作人李雅倫、錢夢妮，遂從上述兩種文本出發，詮釋文本與藝術、個體與世界的關係。在她們看來，新聞、文學、影像、建築乃至更廣義當代藝術創作，皆可憑藉敏銳感知，從生活邊緣收集脆弱、柔軟和詼諧，也同時由不同角度反映或抵抗某種隱形的結構性暴力；如果將散落的「不可言說」與「不被言說」之物蒐集起來，便能連接自我與世界，正如透過閱讀新聞跳出資訊繭房、透過閱讀文學脫出個人經驗。

走進現場：裝填31件展品的「載物袋」，邀觀者思考主客體關係

展覽採美國作家娥蘇拉勒瑰恩（Ursula Le Guin）筆下的「載物袋」形式組織作品——拒絕宏大敘事的統領，轉而積攢日常碎片，藉以和觀眾共同思考敘事主體與客體之間的權力關係。特別為本展搭建的木質環形展架，圍合成一個具褶皺、形如載物袋的橢圓空間，將原來設計中心的白立方一分為內裡和邊緣兩部分。展架內側牆面選用柔軟的毛氈包裹，並裝填31件來自當代藝術、建築及文學等領域的作品。整體布展則始於邊緣，以散置手法在展架外圍牆面分別呈現一篇深度新聞報導與一篇小說的文本。各參展作品的創作方法且與新聞報導和虛構文學的敘事方式互有隱蔽呼應：一邊從現實世界選取素材，再現、分析、改編；一邊從主觀感受出發，流露、抒發、表達。

精彩展品一覽

▍劉任

展覽入口處，劉任利用草紙形塑的立體作品《關鍵時刻》和平面作品《2個單詞》，分別再現生活物件和新聞詞彙，揭露個體面對現實困境時的出神狀態。

▍楊露子

楊露子從文字、圖表、裝置（下圖為裝置）3個層次展開對記憶和意識的探索，記錄自己兒時曾策劃、執行並放棄專案項目的過程。

▍唐藝窈

唐藝窈拍攝工廠廢墟內餘下的生活用品，在裝置《庇護，停留》中使用廢舊建築板材與彎折的鐵片，捕捉被遺落的日常痕跡。

▍孫海霆

孫海霆藉類型學（Typology）式的鏡頭收集北京最常見的住宅板樓，審視同質化日常景觀中的個體生活。

▍張子彥

張子彥的《渡》、《掃》，經由影像聚焦聚光燈外的建築清潔和維護工作。

▍張可睿

張可睿的《敷面膜的人也是複製人》系列畫作超越現實語境，每張畫都可被視作通向一篇小說的入口。

▍李文嘉

李文嘉的《唱歌的杯子》同樣在展場中造出異境，NPC（非玩家角色）通過影像裝置提出問題，討論個體如何跳脫心理上的沉湎和孤寂。

▍鍾雲舒

鍾雲舒的雕塑將字母、詞語、符號、日用品、現成品串聯重組，再藉元素間的張力質疑既定的秩序與邊界。

▍鍾笛鳴

鍾笛鳴將裝置作品設定在「需要遠眺」或「費力才能看到」的狀態，與鄭源（另位參展藝術家）的影像中幾乎沒有交流但又同處一室的友人們共享相似精神面貌。

▍任莉莉、劉符潔

任莉莉的《落日如灼傷》、劉符潔的《通道》和《樹蔭間透過光的果實》，各採紫銅板、鋼和鋁為材，為日常生活中被遺忘的瞬間和不起眼的物件構建新敘事。

▍沙丘研究所

文化小組沙丘研究所的「沙丘辭典」計畫，以收集、編寫詞條為切角，提供專業術語一種既基於個人、卻又富開放性的重新闡釋。

▍方書君工作室、一介建築

方書君工作室和一介建築的建築實踐項目均圍繞建築師身處的場域展開，透過微型改造和社區行動，介入城市或鄉村的公共生活，以進一步連結社會。

展期內，一系列公共活動預計圍繞「文本與藝術」雙主線展開。開幕圓桌匯集對文本有深刻個人經驗的藝術家、電影人、建築師、寫作者，共同探討文本轉化為藝術形式的多重路徑。特別對話則以小說《刀痕》為引，叩問虛構文學在面對複雜社會矛盾時所激發的共鳴。與此同時，兩位策展人李雅倫、錢夢妮與參展藝術家亦將持續帶來多元教育活動，引領觀者「從邊緣開始收集」，深入藝術創作與文本實踐的第一現場，打撈那些被忽視的聲音與記憶。

上海當代藝術博物館X香奈兒文化基金《從邊緣開始收集》

• 時間：即日起至2026年10月8日11:00-19:00（18:00停止入場），週一休館
• 地點：上海當代藝術博物館嘉柏麗香奈兒空間（上海市黃浦區苗江路678號3樓）

^{資料提供｜上海當代藝術博物館          文字整理｜Ning Chi}