不只是音樂祭，聲波薩滿在此發聲！專訪策劃團隊立方計劃空間、恆成紙業

這場音樂祭不只有樂團演出，連文學家吳明益都在lineup上，究竟要做什麼？《聲波薩滿：立方論壇音樂祭》（以下簡稱聲波薩滿）將在11月23、30日和12月1日於恆成紙業、忠泰RS289兩個非典型空間登場，匯聚國內外40多組創作者跨界交會，以樂團、實驗聲響、講述式表演、行為藝術、短片到裝置等多元形式，帶來沉浸式的藝術體驗。

策劃團隊「立方計劃空間」（以下簡稱立方）的藝術總監鄭慧華、空間與企劃經理羅悅全分享，「聲波薩滿」這名稱原是副標，後來發現太有記憶點才成為主名。「薩滿」雖帶古老靈性的意象，活動卻並不著重神祕主義或身心靈式的聆聽體驗，而是重視透過實驗聲響與藝術帶來的感知擴展；加上深具現代性的「聲波」二字，兩個看似對立的概念結合，表達出音樂祭想突破二元討論框架的理念。自2010年成立15年來，聲音一直是立方的研究主軸之一，他們也持續探索各色展演型態的未來性。這也是副標定為「立方論壇音樂祭」的原因—他們期待音樂展演場域也能是思想交會的論壇，表演者不是演出完就離開，而能更多與彼此、與觀眾激盪。

從聲響文化看台灣音樂場景

1980年代末正值解嚴，羅悅全於輔仁大學創立「搖滾音樂研究社」，並與鄭慧華相識，剛好迎上「零與聲音解放組織」創立、1994年「破爛生活節」等重要時刻，台灣的音樂場景正蓬勃發展。兩人回憶，1990年代台灣劇場、文學、視覺藝術、獨立音樂等領域本混融並存。而後30年間，各藝術領域逐漸專業化、學院化，約莫2003年前後，隨藝術專門獎項設立，「聲音藝術」從視覺藝術領域衍生出來；音樂場景也愈加細分，噪音、電子音樂、搖滾（再細分為龐克、另類等）各自成群。「我們想談的是所有與聲響相關的創作，以及它如何形塑文化、影響人們生活的層面。」鄭慧華解釋，為了能在更全觀的視野下梳理整體脈絡，伴隨2014年北師美術館與高雄美術館《造音翻土－戰後台灣聲響文化的探索》展的策劃，他們著手發展更具包容性的「聲響文化」概念。

台灣90年代藝文領域的混種狀態是自然而然，類似卻又不同於現在的「跨領域」實踐——《聲波薩滿》正是想透過藝術交流尋求共鳴與連結。鄭慧華以電子音樂重鎮柏林為例，說明二戰後的德國以電子樂先驅Kraftwerk為代表，透過電子音樂想像未來、重建信心。聲響能量可凝聚人心，而在施普雷河畔的廢棄工業廠房、倉庫中，音樂實驗與各種藝文活動交織出連結緊密的社群。而談到現今台灣，展演空間已愈趨制式化，「人們對空間與音樂的想像，其實也被現代生活跟科技媒介局限在一個個同溫層裡面。」因此，這屆《聲波薩滿》以「穿越差異旅店」為題，希望跳脫這些隔閡與冷漠，「透過實體空間的交流重新模糊這些界線，讓創作者進入那些場域，獨有的空間氛圍再觸發他們不一樣的表現。」

跨域就要玩出不一樣的東西

空間搭起人們的聯繫，跨領域交流也打開場域的潛能。首屆《聲波薩滿》選定4大不同性質場域，這次則聚斂在兩地—現代雅緻的忠泰RS289與另類野性的恆成紙業。羅悅全提到這些異質空間對觀眾總是別具魅力，並笑稱恆成紙業二度開放的倉庫正像「柏林工業風」，「恆成紙業怎麼聽都不像發生音樂祭的地方，所以有無限的想像空間。」恆成紙業負責人鄭宗杰在9年前回台接班後，一直苦思這夕陽產業能有什麼可能性，他在2021年林冠名個展《散落物memento》開幕派對邀請DJ，發現紙張撤在一旁的倉庫吸收迴響的聲感意外好，正適合音樂展演。他坦言跟《聲波薩滿》的合作並非什麼宏大願景，就是單純「交朋友」一起做好玩的事。「這也為恆成加了分，我們協助文化產出，同時也獲得外界的一些認可，被更多地push、鼓勵繼續嘗試下去。」

在恆成，前次有林強迷幻的電音饗宴，這次文學家吳明益將與樂團裝咖人帶來演說式表演。當吳明益親身在恆成場勘時被空間觸動，靈感似乎遏止不住。鄭慧華笑說，「當我們拋給你東西，然後你開始想可以做出哪些不同的事，這是我們最快樂的地方。」隨著徐嘉駿、Melting Part也加入共製，這屆《聲波薩滿》的節目更趨多元。表演形式也有所拓展，在錄像作品放映外，更邀請平常在劇場、美術館及現地空間的行為藝術、舞蹈等創作者參與，這有賴於今年加入立方、擁有相關背景的區秀詒。她說：「跨領域並非要讓所有元素融為一體，而是讓不同創作者聚在一起，透過彼此的差異性產生化學反應，激發出各種嶄新的能量。」

冷與熱，一場須親身沉浸的藝術對話

國際合作方面，立方攜手盧森堡卡西諾當代藝術館與印尼音樂廠牌Yes No Wave Music，彷彿將極冷與極熱的元素並置。卡西諾藝術總監Kevin Muhlen曾深深被《聲波薩滿》的能量驚豔，這次更主動引薦3組歐美、北歐藝術家。羅悅全形容，他們展現簡約精確的性格，以純粹形式追求音樂的純淨境界；而近來在國際特別耀眼的印尼聲響藝術，則帶著熱帶風土般的豐富氣息，讓人想起台灣1990年代的生猛。「如今他們能用網路掌握最新知識與技術，同時也善用自己在地很『土』的方式演繹音樂，反而玩出不同味道，這種生猛能量在台灣已慢慢少見了。」

此外，立方在忠泰RS289策劃小而精緻的市集，也與恆成內容品牌「野点nodate」合作共製，從刺青師到詹記麻辣火鍋都將現身恆成現場。羅悅全指出，現代人雖能便捷地接觸廣泛的音樂資訊，卻因資訊龐雜而流於表面。「單純透過網路接觸這些音樂類型其實缺乏身體感，太快速的接受容易讓音樂的脈絡、感知變得斷裂，我認為你必須在現場中，才能真正知道音樂究竟是什麼。」《聲波薩滿》正是這樣一個平台，如同現今代稱論壇的英文「Symposium」，溯回希臘語源的「飲酒會」——在伴隨音樂與表演的開放氛圍下，思想與藝術的對話或許正在發生。

立方計劃空間

於2010年4月成立，致力推廣當代藝術、人文思維，並連結國際與在地網絡。作為台北南區的重要藝文場所，提供展覽、講座、交流和資料庫功能。截至2024年，立方已舉辦超過70檔展演、百餘場講座及表演，並透過多元媒體發表研究成果。曾與200多位藝術家及多個國內外機構合作。其策劃的《造音翻土》展覽獲2015年台新藝術獎年度大獎，專書亦獲2016年金鼎獎最佳編輯獎。

鄭宗杰

恆成紙業三代負責人。大學念建築，海外工作十幾年後，9年前父親過世回家接手，打開各種觸角，想找出紙張媒材於當代的可能突破點，更讓品牌直接作為橋樑，串聯其他產業。

跨越國籍的聲響對話

❶ 三牲獻藝（台灣）

Q1：聲音在你們的音樂創作中扮演什麼角色？
聲音是創作的核心素材和操作對象。我們的背景和風格都很不同，但都被文化內容，特別是台灣廟宇文化所牽引，過往更多在收集這些素材，上張專輯《八仙》開始加入更多故事性、人聲元素。現階段我們想更加強故事性，但核心始終是廟宇文化與電子音樂的結合。

Q2：今年的主題是「穿越差異旅店」，你覺得藝術能幫我們跨越哪些差異？
我們並不刻意去穿越差異，都有自己的堅持，但也學會了不去過度干涉彼此，主要透過工作流程將不同元素整合在一起，回到企劃、文本上討論，避免在風格上產生衝突。年紀大了後，創作態度更成熟了，懂得在「完美」和「夠好」之間找平衡。

Q3：能不能稍微透露一下這次的表演內容？
近期新計畫「天地無用」與今年離世的成員Fish（黃凱宇）有關。現在少了一人，正調整工作流程，我們會選擇過去4張專輯中代表性的6首曲目重新製作，用AI重建無法取得的原始分軌檔。Fish的風格直接、有力道、帶有機械感，講究音色和音頻的表現，這次會向Fish靠攏，也會強調現場即興演出元素，是對Fish的致敬，也是對他離世的消化過程。

三牲獻藝

全新形態的電子音樂演出團體，融合風土採集、電子音樂與台灣廟宇音樂元素的跨界計畫。由知名音樂製作人柯智豪、兩位重量級電子音樂製作人鄭各均（Sonic Deadhorse）和黃凱宇（fish.the），以及視覺藝術家邱智群組成。自2014年首次公演以來多次入圍金曲獎，參與重要演出如台北雙年展和2024巴黎文化奧運台灣館。2024年初黃凱宇驟逝後，團隊面臨重大變革，正以「天地無用」計畫探索未來方向。

❷ Nataša Grujović ＋ Steve Moore（盧森堡＋美國）

Q1：聲音在你們的音樂創作中扮演什麼角色？
聲響的特性（振動和泛音列）是音樂的基礎要素，音樂就是為了表達這些單純的能量現象而誕生的。所以，聲響在音樂中的角色是最根本的。不過，一旦音樂形成了，無論是一般意義上的還是個人藝術層面的，「聲響」

Q2：今年的主題是「穿越差異旅店」，你覺得藝術能幫我們跨越哪些差異？
便可用更抽象的方式被重新運用。比如說，它可以作為噪音，或者探索它們在音樂廳這樣聲學空間中的表現。我認為，藝術最需要跨越的「差異」，就是「自我」和「他者」之間的差異。無論是創作還是欣賞藝術，都是在做這件事。這個主題讓我想到的是，藝術就像是在自己和別人之間搭一座橋。讓我想到人們一起聽音樂時，不論是什麼語言、文化或年齡背景，那種自然而然、共通的音樂體驗。

Q3：能不能稍微透露一下這次的表演內容？
我們的表演將包括過去兩年中創作的作品，還有一些即興演出會根據我們在音樂祭現場的氛圍調整。與觀眾和其他藝術家分享作品一向非常有啟發性，感受他們反饋的能量，並觀察我們自己對這次經驗的反應，進而產生一種不斷回饋的循環。

Nataša Grujović＋Steve Moore

實驗樂團始於2022年，最初為致敬盧森堡藝術家Steve Kaspar。2023年，他們創作原創作品《事件水平線》（Event Horizon），在盧森堡卡西諾藝術館和Kulturfabrik演出。雖運用合成器和數位處理電子音樂元素，但雙人組的音樂能量更多來自手風琴和長號的共鳴創造和聲場，融合旋律元素。音樂涵蓋靈性爵士樂、儀式性嗡音及西方古典傳統，展現獨特的音樂風格。

❸ Senyawa（印尼）

Q1：聲音在你們的音樂創作中扮演什麼角色？
聲音頻率是我們作品中傳遞能量和訊息的主要媒介。對我們來說，這些聲音頻率透過我們身體的延伸來傳遞，也就是自製樂器和人體發出的聲音。所以我們不稱之為聲音藝術，而只是聲音頻率。

Q2：今年的主題是「穿越差異旅店」，你覺得藝術能幫我們跨越哪些差異？
藝術的目的在於提供不同的東西，不論是觀點、心態，還是風格。

Q3：能不能稍微透露一下這次的表演內容？
我們將表演最新作品《Vajranala》，重新詮釋帕翁寺（又稱Brojonalan寺，婆羅浮屠寺廟群之一）所在地的爪哇神話和佛教教義。創作期間，我們同時打造一座由4,100塊雕刻紅磚構成的紀念碑，周圍環繞著26塊雕刻安山岩，作為象徵21世紀的未來遺跡。作品包含5個篇章，重新詮釋關於天空知識、人類故事和大地的3個傳說，提供一些理解從古至今人類權力和知識傳承的不同觀點。

Senyawa

融合部落、原始聲音與工業音樂的實驗性組合。成員Rully Shabara擅長融合印尼各地語言進行人聲即興，Wukir Suryadi則自製結合現代和原始元素的樂器。十多年來，他們不斷開拓新的音樂領域，曾參與全球多個著名音樂節、獲多項大獎，並與眾多知名音樂人合作。疫情期間，他們創新地與全球40多間唱片廠牌合作發行新專輯《Alkisah》，被《紐約時報》譽為「未來國際音樂產業的創新合作模式」。

2024聲波薩滿：立方論壇音樂祭

場域❶ 恆成紙業｜2024 .11.23

場域❷ 忠泰 RS289｜2024.11.30 、12.1

購票資訊➔https://www.accupass.com/go/sonicshaman2024

官方網站➔https://sonicshaman.live

_{文｜吳哲夫　攝影｜林政億、林軒朗、Art Bicnick、Reza Darwin、Swandi Ranadila
圖片提供｜三牲獻藝、立方計劃空間、朱頭皮、無相、裝咖人、Asep Nayak、Ásta Fanney、Irfan Muhammad、Kamal Sabran、Sigurðardóttir、Dankwart、Kadapat、Senyawa}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/11月號《走入藝術的無形脈動》

在綠美圖流動而通透的屋頂花園「文化之森」，迎來一座乘載著越南移民記憶的「無界花園」，其源自越南藝術家阮英俊（Tuấn Mami）長期執行的「越南移民花園計畫」，由藝術家與臺中在地越南社群好友一同孵化，將無花果、檸檬草、蝶豆花等數十種與越南生活及飲食文化密切相關的植物，帶到文化之森，構築一座由移民生活輪廓和遷徙記憶構築的花園。

本計畫預計持續至2027年底，現場除植栽將持續生長，也將透過社群聚會、故事分享及「種子圖書館」等系列活動，讓綠美圖進一步成為臺中在地越南社群的連結場域。

文化之森：連結藝術與文學、社群與環境的屋頂花園

綠美圖是台灣第一座「美術館與圖書館共構」的文化機構，為此建築團隊SANAA在設計場館時，在兩館的交界地帶，透過許多「融合空間」呼應綠美圖的「跨域共構」精神。其中又以館內的半戶外屋頂花園「文化之森」為代表，SANAA透過環形天橋連接美術館與圖書館，整體以金屬擴張網構築柔和、通透的場域氛圍，既柔和銜接文學與藝術之域，也消弭綠美圖與中央公園的界線，將建築與環境融為一體。

如今由越南藝術家阮英俊（Tuấn Mami）策劃的「越南移民花園計畫──無界花園」來到文化之森，讓這座花園不僅是藝術裝置，也是活的文獻檔案，更成為一座社會性平台，回應臺中作為東南亞移民重要聚居地的在地脈絡，展現當代藝術關照多元文化「共生」的可能。

越南移民花園計畫，記載社群的遷徙記憶

阮英俊長期關注移民議題，以田野調查與社群協作為創作方法，思考人與人、人與環境的互動關係。他長期發展的「越南移民花園」計畫，自2021年於臺北關渡美術館啟動，陸續在臺灣、德國、美國、日本各地城市發展。

此計畫在臺灣的發展，可追溯至阮英俊與越南新住民范氏夢女士的相遇。她曾協助一名在臺過世的越南移工骨灰送返家鄉，在家中庭院安葬，並注意到庭院中長著一顆高大的無花果樹。返臺後，范氏夢女士在自家屋頂種下無花果樹、悉心照料，並將其視為承載這段生命記憶的象徵，希望藉此保存這段跨越臺灣與越南的生命記憶。

這株無花果也隨「越南移民花園」計畫從關渡、嘉義一路分株、移植至臺中，其果實與葉片多年來成為社群共享的資源，這次再移植到臺中，讓一段個人的生命經驗隨著植物生長，延伸為跨越不同城市與社群的遷徙記憶。

32座「浮島」在文化之森落地生根

在田調過程中，阮英俊也發現在臺越南人如新住民、移工等，常在陽臺、屋頂與工廠角落種植家鄉的食用植物，以熟悉的味道紓解鄉愁。受此啟發，他與在臺越南社群朋友們合作，把無花果、檸檬草、魚腥草、蝶豆花、羅勒、斑蘭葉……帶到文化之森，將這數十種與越南生活及飲食文化密切相關的瓜果、蔬菜、香草與藥草，種植在32座植栽土丘所構成的錯落「浮島」上，打造一座植根於越南飲食文化與傳統醫藥、也喚起熟悉記憶的「無界花園」。

花園不設單一中心與固定動線，觀眾可自由穿梭於植栽之間，空間意象正呼應移民者的生命狀態：在流動中落腳、在分散中連結、在異地重新扎根。而在此舉辦的定期聚會，則提供社群成員分享種子、植物與故事的空間，讓綠美圖一隅成為臺中越南社群新的連結之所。

從栽種植物到交換故事，打造持續生長的「活檔案」

本計畫同步規劃「種子圖書館」，以種子連結植物故事，並延伸至植物簡介、食譜與藥草等。從一株植物如何栽種、如何入菜，到如何隨人移動至另一個地方，這些散落於日常中的知識與記憶，透過社群參與逐步匯集，使花園不只是展示植物的藝術裝置，也成為一份隨人與植物持續更新的「活態檔案」。

展期間也將推出2大系列活動：「無界花園實驗室」從植物與生活經驗出發，規劃種子泥土球工作坊、越南料理與風味故事分享、香草水果調飲、植物香氛手作等活動；「多元文化對話行動」則透過電影播映、議題講座、兒童說故事等形式，邀請觀眾從觀看植物走向實際參與，開啟跨文化交流。

臺中市立美術館新展「搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河」於8月29日正式登場，展期至10月25日止，展覽聚焦對臺灣戰後城市地景與視覺文化帶來重要影響的跨域創作者——王水河，向大眾多面向展示他獨樹一格的設計風格。本次展場結合呈現VR裝置、字體設計師對談等當代詮釋，希望透過藝術檔案與當代詮釋並行，帶領觀眾重新認識王水河。

本次展覽是中美館自成立以來持續投入中部藝術家研究與檔案建置工作，首次透過展覽形式呈現的階段性重要成果。歷時一年多的研究，爬梳設計手稿、老照片與報章雜誌等超過千件文獻資料，並進行數位化工作，也針對王水河長子、已故建築師王文芳完成多次深入訪談，逐步拼整出這位橫跨多重領域創作者的完整樣貌。

認識自學出身的王水河

王水河（1925-2019）為自學出身，未受過美術學院的訓練，年輕時於戲院繪製電影看板起家，從實務中累積創作與設計的經驗。戰後於臺中成立「水河畫房」，業務由電影看板、廣告設計與商家招牌開始，逐步延伸至字體、平面、家具、燈具、建築與室內設計等多元領域，也培育了400餘名學徒，讓其摩登的設計風格流動於臺中地區，是形塑臺中走向現代摩登都會的重要創作者之一，後來業務版圖更延伸至全臺，在不同城市都有他的作品。

根基於前期藝術檔案的研究，本展邀請國立臺南藝術大學藝術史與文化資產學系助理教授許遠達進行策劃，許遠達指出，展名「阿哥哥」是對1960年代西方流行文化在臺灣的時代印記，當時美軍駐臺，西洋流行音樂與舞蹈文化隨之傳入並蔚為風潮，這也是王水河跨領域創作的重要背景。

5大子題重現水河時代

展覽以5個子題展開：從現代性視覺設計為核心出發的「摩登時代：字體、廣告與視覺設計」、展現自學雕塑創作的「純藝術之路」、以多元材質與物件展現整體設計思維的「摩登室內風：室內設計、家具與燈具設計」、融合現代幾何造形和摩登建築設計風格的「水河現代建築群」與透過生活物件與自塑像來認識王水河的「日子中的水河師」，從不同面向呈現王水河橫跨純藝術與不同設計範疇的創作，以及他如何參與並形塑戰後臺灣的摩登時代。

字體與造型的前衛探索

「摩登時代：字體、廣告與視覺設計」展現王水河因應不同對象量身訂做的字體變形能力，其文字線條與筆畫修飾，涵括幾何、飽滿與圓弧等設計語彙，在電腦排版尚未普及的年代，他擅長以繪畫與造形思維發展字體風格，並依商業、醫療、娛樂或公共場所的功能，亦或看板比例的需求，調整字體帶來的氛圍，讓文字成為空間性格的一部分，許多臺中街區招牌看板皆出自其手，為都會風景帶來濃厚的摩登氣息，獲業界尊稱「水河師」。

本展區亮點以牆面裝置呈現三種具代表性的王水河字體，並搭配不同材質：「水河圓體」以木頭呈現圓潤溫和之特質；「水河體」以王水河經常使用的材質之一壓克力還原招牌質感；「水河隸書體」則以金屬回應隸書源自金石文字的歷史厚度。除了三種代表字體，展區亦設有商標復刻牆，展出源益飼料、京王飯店等深植當時臺中人記憶的代表商標，同步陳列等比例放大商標與原始設計手稿，讓觀眾看見其從草稿到定稿反覆斟酌的創作痕跡。

雕塑的創作實踐

「純藝術之路」展區聚焦王水河在雕塑與繪畫領域的藝術積累。他自1947年為父親打造塑像為始，踏入雕塑自學之路，後結識林之助、張星建、張深切、蒲添生、陳夏雨、顏水龍等藝文界好友，逐步摸索寫實雕塑與現代造型的可能。這次展出中美館典藏品〈慈母〉是王水河於1971年喉癌手術後，懷念親情重返雕塑創作之第一件滿意的作品，刻畫母親樣貌，凝結時間與情感的重量。

〈裸女群像〉展陳於以南夜舞廳室內裝潢為設計構想的展臺上，展現其自學雕塑、刻畫人體線條之美。〈游氏胸像〉是王水河開發生漆材質雕塑的起點，刻劃已開業超過半世紀的台灣大飯店創辦人樣貌，此次為首度公開展出。本展區亦回望1957年置於臺中公園的雕塑〈芭蕾雙姝〉，此作以線條呈現舞者姿態，卻因被誤解帶有風俗意象遭致移除，如今僅能透過珍貴老照片回望，是王水河雕塑創作中一段令人惋惜的歷史見證。

帶你重返「南夜舞廳」

「摩登室內風：室內設計、家具與燈具設計」集中呈現王水河跨域創作能力，他的創作並不局限於單一物件或建築，而是從空間、材質、家具、燈飾，一路延伸至商標與平面視覺，形成彼此呼應的整體設計思維。

王水河的室內設計以多元材質與現代幾何造型見長，其中最為人所知的作品之一「南夜舞廳」（前身為南夜咖啡室Coffee　Honolulu）於1962年擴建為四層樓建築，各層分別以酒吧、歌廳、舞廳呈現不同主題，大膽結合表演舞臺、演奏臺與舞池，以椰子樹、草裙舞女郎、渦旋曲線與女體浮雕營造熱情的南島意象，呼應當時盛行的夏威夷風情。從建築外觀、室內壁飾到桌椅燈具，乃至杯墊、火柴盒皆納入整體設計，堪稱1960年代最摩登的休閒空間代表之作。

沉浸體驗摩登風格

本展復刻了南夜舞廳的大型霓虹招牌，王水河設計的商標字體將再次被點亮，並與新媒體藝術家楊子慕合作重建虛擬影像，觀眾可透過VR互動裝置沉浸式體驗南夜舞廳當時的華麗風貌，展區亦同步呈現王水河以多元媒材及前衛造型設計的燈飾、椅件等家具，包含珍貴的原件及復刻版，讓觀眾從實體物件感受王水河整體性的設計思維。

從建築版圖到日常生活的美學實踐

「水河現代建築群」展區呈現王水河橫跨全臺的建築設計，包含其一生中留下的珍貴建築手稿，俐落的幾何圖形、曲角、直線的造型與抽象韻律橫飾帶，構成鮮明的「王水河風格」。從東海戲院的波浪造型外觀，到與長子王文芳共同成立「水河建築事務所」後承接的飯店、百貨、教堂等大型案件，王水河總能將建築外觀、立面材質到商標、招牌、菜單等視覺細節整合為一套完整語彙。除了手稿，展場中也設置了西北飯店、華士飯店與敬華飯店等專區，重現經典的建築立面與室內設計，勾起一代人的回憶，見證他如何在前衛造形與在地思考之間取得平衡，也讓其設計悄然融入臺灣戰後城市的摩登記憶。

展覽最終以「日子中的水河師」作結，回到藝術家最貼近生活的一面。王水河對摩登美學的追求不僅止於設計案，也滲透日常。他每隔幾年就會重新改造家裡空間，利用大片鏡牆讓室內看起來更寬敞，燈具、桌子、收納盒等生活器物也多為親手製作。1971年罹患喉癌並接受手術後，更親自設計製作兼具功能與美感的發聲輔具，將畢生對造型的執著延伸至生命中的每個角落。本展區也展出他不同人生階段的自塑像，並首度公開王水河珍貴的手工作品集復刻版，讓觀眾從日常器物、自我形塑的文獻資料中，進一步理解他的創作生涯，由王水河來親自介紹王水河。

親身走入王水河的設計宇宙

展覽期間規劃有可於展間內體驗的「角落任務」教具，設計參考取自王水河的作品，另推出由深耕中城區的蘇睿弼老師帶領走讀活動「1980年代的城中之舞」、由字體設計團隊justfont以認識字體為主題進行的書寫工作坊「筆尖中的字體趣味」，以及由市民錄音導覽的「早安綠之美」等推廣活動。近期更將推出「王水河設計地圖」網站，涵蓋豐富的藝術檔案研究成果與數條以王水河設計項目為主題規劃的臺中旅遊路線。中美館盼透過展覽與系列活動，讓藝術檔案從研究成果延伸為大眾可親近、可探索的城市文化資源，也讓觀眾在王水河的創作中重新看見臺中現代生活與視覺文化的發展軌跡。

搖擺阿哥哥－時代跨域者王水河
展覽期間：2026年8月29日至10月25日
展覽地點：臺中市立美術館｜展覽室D、E
售票資訊：免費參觀
開放時間：每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00，國定假日照常開放

_{資料提供｜臺中市立美術館、文字整理｜Adela Cheng}