藝術無界、大美無聲，定義永恆之美：專訪梵克雅寶亞太區總裁 Julie Clody Medina

梵克雅寶（Van Cleef & Arpels）攜手台北故宮博物院與巴黎裝飾藝術博物館，推出《大美不言》特展，分別於2024年9月至12月在台北故宮博物院，以及2025年1月23日至4月20日在嘉義故宮博物院兩地舉行。這場展覽匯聚了三方典藏，展現橫跨古今東西的藝術珍品。梵克雅寶亞太區總裁 Julie Clody Medina 接受專訪，分享了這場展覽背後的策展理念，以及品牌如何平衡傳承與創新，持續書寫藝術與工藝的輝煌篇章。

作為世界珠寶藝術的先鋒，梵克雅寶長久以來以自然、詩意與創意作為品牌的核心，Julie Clody Medina指出，此次展覽的命名靈感源於道家哲學名句：「大美不言——此理念強調，自然界的美麗無需言語即可自證。自然是梵克雅寶的靈感源泉，這種普世的美感不僅跨越了文化與地域，也傳遞出對生命詩意的理解。」

創新為經，詩意為緯

展覽展示了超過260件來自不同時期的珍貴藏品，展品的陳列方式如同一場藝術尋寶之旅。Julie透露，每一次參觀展覽，觀者都能發現不同層次的細節，不僅讓人欣賞作品本身的精美，也感受到時間與工藝的深厚力量。

展覽分為五大主題展區，包括：「自然萬物」、「動靜有形」、「奇幻仙境」、「神祕莫測」及「五彩繽紛」，「每個展區的設計都將觀眾帶入一場沉浸式的藝術旅程，讓人重新感受時間與空間的交織。」她強調。梵克雅寶自創立以來，不斷推進珠寶設計與工藝的技術革新，Julie也特別提到了世家著名的Mystery SetTM 隱密式鑲嵌工藝，這項於1933年獲得專利認證的技術，至今已成為品牌標誌性的創新成果，當時首批作品於1937年巴黎現代生活藝術與技術國際展覽會上向公眾展示時，即備受讚譽。 

「創新對我們而言，不僅是技術上的突破，更是一種講述故事的方式，作品承載了對生活詩意與積極態度的詮釋。」Mystery SetTM隱密式鑲嵌工藝極為複雜，需要非凡的專業知識與技術水平，以一枚胸針為例，就需要珠寶工藝大師和Mystery SetTM隱密式鑲嵌寶石雕琢師平均 300小時的工時。

聚焦藝術，東西交流

於是，我們不禁好奇，世家如何透過創新與文化傳承贏得全球市場的青睞？Julie 回頭分享《大美不言》特展的幕後策展經過，「《大美不言》是梵克雅寶與台北故宮博物院及法國裝飾藝術博物館的三方合作結晶。在整個策展過程中，各館藏之間的交流非常深入，彼此分享了大量的珍藏與故事。」她認為，策展的核心是讓展品彼此對話，而非單純展示單一作品的價值，這種深度交流需要彼此極大的信任與尊重，「這是場橫跨7年的策展之旅，策展團隊在作品選擇上經過既細膩又反覆的討論，確保展品之間能夠產生共鳴。」

她補充，策展團隊從展品中發現了許多隱藏故事，某些設計靈感的來源，甚至可追溯到戰後的文化背景，這些探索不僅豐富了展覽的內容，也深化了參展各方對彼此藏品的理解。展場設計也成為一大亮點，透明的壓克力展示櫃與精心選擇的燈光，將觀眾的目光完全聚焦於展品本身。「我們希望展覽的場景設計能服務於藝術，而不是搶走焦點。每一件作品的擺放，無論它們來自不同的年代還是地域，都被這種設計巧妙地融合。」她說展覽中使用了多種顏色來體現不同主題，如自然的綠色、神祕的紫色等，旨在增強觀眾的沉浸感。

以教育邀請大眾觸及珠寶之美

談到品牌的長期策略，Julie特別提到了梵克雅寶2012年在巴黎芳登廣場成立的珠寶藝術學院（L'ÉCOLE des Arts Joailliers）。她表示，「我們創立這所學院的初衷，是希望讓更多人了解珠寶藝術，無論是否為梵克雅寶的顧客，教育不僅是傳承的核心，也是回饋社會的一部分。」2019年世家在香港K11 MUSEA設立全球第二所學院，L'ÉCOLE是全球首間將珠寶世界的神祕面紗向大眾揭開的學院，更遠赴東京、紐約及杜拜等城市舉行各類特備課程、講座、展覽，並發行書籍，將該學院的教育活動擴展至世界各地，以不同形式支持各類型的研究工作，亦設立以珠寶藝術書籍為館藏的專門圖書館。Julie透露，未來梵克雅寶將持續推動更多跨文化的教育計劃，吸引不同背景的觀眾參與。

《大美不言》特展將於2025年初移至嘉義展出，Julie表示，梵克雅寶未來將繼續深化品牌在藝術與文化領域的探索，「每一件作品背後，都有一段令人心馳神往的故事，而這些故事讓我們深切感受到藝術無遠弗屆的力量。」此次 《大美不言》特展不僅展示了藝術與文化的跨時代對話，同時提供了前所未有的沉浸式體驗連結觀眾，傳遞策展三方對於創新的熱情和智識，而梵克雅寶將繼續透過其獨特視角與匠心工藝，書寫更多關於美的故事。

Julie Clody Medina

於2024年5月1日受Van Cleef & Arpels梵克雅寶任命為亞太區總裁，擁有近20年的奢侈品產業經驗，熱衷於探索各地文化，足跡遍及巴黎、澳洲、中東和東南亞。她於2019年移居香港，出任大中華區、韓國、東南亞及澳洲零售總監，掌管和制訂零售策略，過去兩年則出任梵克雅寶港澳地區執行董事，成為引領世家推動亞太區實現穩健增長的不二人選。

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜Van Cleef & Arpels、《大美不言》典藏精粹特展}

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現正於桃園橫山書法藝術館（書藝館）舉辦的「躲貓貓：王意淳書法創作展」，是藝術家王意淳從與家貓相處的日常出發，以「躲貓貓」為題，將生活中的「躲」與「找」轉化為書法創作，邀請觀眾展開一場彼此尋找的觀看遊戲。

此次的展覽，是書藝館首次以全棟展出的規模，舉辦新世代的書法個展，也是王意淳生涯首次大型個展。展覽緣起於書藝館第二屆「橫山書藝獎」，該獎為獎勵傑出的書法展覽，透過社會各界公開提名已舉辦之展覽，經兩組專家學者成立初審及決審小組，分別進行評審後，由「慢行：王意淳書法展」勝出。

跳脫書法創作的既定印象

王意淳從得獎展覽「慢行：王意淳書法展」出發，將書法進一步延伸到她與家貓的日常相處關係。此次展覽也試圖跳脫書法創作的傳統既定印象，書寫內容橫跨經典、新詩與日常語彙，並融入現代空間之中。本展展出王意淳近年來創作共65組件作品，尺寸無論是小品或是大字書法，皆不斷挑戰藝術家體力與控制力，並持續追求線條的精緻度，發展屬於自身的書寫面貌。

走入藝術家書法靈感的日常

展覽大量運用情境式展場設計，重現藝術家創作時的靈感環境。王意淳特別與「一攬芳華」及「裏山」團隊合作，以獲獎展覽中將書法與景色結合的概念出發，在進入主展場的廊道設立展覽專屬的植栽造景，並將書法作品與造景相互映照。同時，在展場一角藉由大片玻璃窗借景，搭設平台，讓觀眾能在其上感受由書法作品營造的戶外景色，體驗書法與周邊環境連動的氛圍。策展團隊希望能邀請觀眾先在這種沉浸式空間中，暫時放緩當代生活的速度，感受慢下來的體驗，再以「慢」的心境，走入藝術家書法靈感的日常。

書寫與貓共處的日常

而日常生活是王意淳重要的創作理念來源，家中的貓咪更是她生活中不可或缺的存在。本次展覽也特別與「春池玻璃」合作，以貓砂為靈感結合書法，進行展場現地製作，呈現王意淳的日常點滴。

展覽也展出藝術家為期一年的〈喵計畫〉創作，透過影像和裝置，呈現以「字」為日記的行動紀錄。本作靈感來自王意淳家貓「芋泥」的叫聲，在各種日常現成物材料上創作「喵」字。現場同時有「眠豆腐」團隊製作貓窩造型的「喵豆腐」，供觀眾如貓一般蜷坐其中，藉由一日又一日的「喵」字圖像和聲音，進入一個有貓陪伴日子。

從大字書寫到小品對話

對王意淳而言，書法是一場自我對話的揀選，也是透過筆墨將心中話語視覺化的過程。這次她特別挑戰高於自身身形，彷彿「藏身於作品背後」的大字創作。經過縝密的前置規劃與精準落筆，建構每一筆畫的方向與節奏。

巨大的尺幅將書寫轉化為動態的身體語言，體現書寫者在筆墨之間的步伐與律動，像是一場獨角演出。作品內文中有她對創作歷程的體悟、自我勉勵的心聲，透過筆跡被具體召喚於觀者眼前。現場也有〈有字場〉書法立體雕塑作品，讓線條成為實體，留白成為空間縫隙，產生書寫的新維度。

探索與自我的相遇

展區最後以「背光處」為題，用小品書法裡輕鬆幽默的文句與觀眾的對話，使書寫呈現更直面內心的樣貌，將自己安放於書法的庇蔭之中。在躲與不躲之間，為自己做選擇，也重新思考生活前行的方向。

躲貓貓：王意淳書法創作展
展覽期間｜2026年5月8日至8月3日 (09：30-17：00 每週二休館。)
展覽地點｜橫山書法藝術館(桃園市大園區大仁路100號)

_{資料提供｜橫山書法藝術館、文字整理｜Adela Cheng}

由臺北市立美術館策劃之台灣館「鬱卒的平面：李亦凡」，在2026第61屆威尼斯國際美術雙年展於義大利威尼斯普里奇歐尼宮（Palazzo delle Prigioni）展出，展期為2026年5月9日至11月22日，其中5月7日至5月9日開幕當週的下午將舉辦多場公眾活動。

藝術家李亦凡 × 策展人Raphael Fonseca

本屆由臺灣新媒體藝術家李亦凡代表參展，並由來自Culturgest（葡萄牙里斯本與波爾圖）視覺藝術策展人哈法艾爾・馮希卡（Raphael  Fonseca）策劃，兩位皆成長於網路技術逐步萌芽的世代，透過跨地域、跨文化的對話，回應數位時代中影像、科技與人類經驗之間的複雜關係。

李亦凡創作橫跨繪畫、動畫、遊戲引擎與生成式影像等媒介，持續在資訊過載的時代中，探討影像如何形塑人類的感知、敘事方式與自我理解。他以黑色幽默與反諷語境的敘事風格，結合跳接式的影像節奏及摻雜著教學影片的獨白語調，開發一套獨有的操偶系統進行影像表演，引導觀眾重新審視當今人們觀看行為的本質，進而挖掘影像生產背後的權力邏輯，思考個體如何定位自身。

以「鬱卒的平面（Screen Melancholy）」為題

本屆台灣館以「鬱卒的平面（Screen Melancholy）」為題，一方面延續藝術史中「鬱卒」的概念，回應當代數位環境中不斷變動所引發的焦慮與情緒。展名最初以葡萄牙語「Melancolia de tela」構思，指涉人們長時間與螢幕共處所生成的憂鬱現象；隨著轉譯為英語「Screen Melancholy」與中文「鬱卒的平面」，在不同語境中展開多層且詩意的對話。

另一方面，展名所指涉的「平面」，既可指螢幕與數位介面形塑的扁平觀看方式所引發的鬱卒感，亦可暗喻早已存在於人們內在的鬱卒狀態，被投射於不同介面之中，進而揭示科技如何影響當今人們的感知情緒與日常觀看經驗。與此同時，呼應本屆威尼斯雙年展策展主題「小調」（In Minor Keys），聚焦於內斂而複雜的情感狀態，喚起人性的本質與主觀知覺。

展場普里奇歐尼宮轉化為動力舞台

展覽的同名作品是李亦凡以遊戲引擎做為影像生產方式的第三件全新創作，他亦將此發展成他創作歷程中前所未見的獨特場域特定作品。延續其獨角敘事，並反思影像生產工具在「軟體即服務」（Software as a Service）的體制下，他加入對於展覽場域的歷史與建築脈絡的回應，將展場普里奇歐尼宮轉化為一個動力舞台，當觀者置身在這個前身為監獄的建築中，目中所見影片中的場景轉移與眼前現實的景象形成鏡像呼應，觀者與片中人偶般的角色彷彿一同感受「真實」與「虛擬」的界線消融，受困於不斷迴旋的觀看狀態，體驗自我映照的影像敘事。

虛構與實體的感官體驗在空間中共存

本次展覽將空間納為整體的一件式影像結合複媒的裝置，也是臺北市立美術館在自1995年起在普宮舉辦展覽以來首次的嘗試。展間中錯落大尺度的特製雕塑，手掌、腳、頭、局部的腿與手臂等碎化的肢體，呼應著來自影像中的角色，使虛構與實體的感官體驗在空間中並置共存。合為一個整體的雕塑、影像與聲音並非為了製造心理暗示，而是邀請觀眾以自身的步調，體驗藝術家嘗試提出的在數位時代所帶來的情緒、知識錯位與感知疲態，連結著展名所帶有核心思考：「在資訊無窮、生命有限的狀態中，人們如何以『鬱卒』作為回應世界的方式？」，也展現出藝術家持續深化在「眼球世代」中，個人如何與影像互動、感知與自我建構之層層關係的探索。

觀者自己在觀看，也正在被觀看

李亦凡表示：「我希望帶領觀眾進入一個虛實共存的空間，讓人同時感覺自己在觀看，也正在被觀看。在資訊過載的時代，我開始思考，這些看似私密的焦慮，是否能透過黑色幽默暫時化解恐懼被吞噬的狀態。作品並非以說教或標語的方式呈現，而是嘗試從古典影像技術出發，在舊有技術的邏輯中尋找新媒介的痕跡。我藉由一個虛擬的身體進行轉述，帶入私密的慾望與恐懼，回應千禧世代與科技之間複雜而矛盾的關係。對我而言，這是一種誠實的表述，呈現出我與許多人共同經驗的真實感受。

逐漸模糊「真實」與「數位」之間的界線

策展人哈法艾爾・馮希卡也指出：「資訊在眼前流動的節奏，深深形塑了我的思考方式。李亦凡以荒誕幽默的方式，將日常生活中的平凡與焦慮編織為一種詩性的創作語言，在被科技重塑的世界中，重新檢視我們的身份。作品為觀眾留下廣闊的提問空間，不僅關於『真實』與『數位』之間模糊的界線，更重要的是：究竟何謂『人』？如拉丁諺語所言：『生命短暫，藝術恆久』（vita brevis, ars longa），人生苦短，而資訊無窮，在這個歷史性時刻，人工智慧充斥著我們的生活，不斷提醒著我們這一點。」

以「鬱卒」的狀態，回應這個世界

從對電腦動畫的講解，延伸至虛擬影像中生成表面細節的法線貼圖（normal mapping）等影像技術探討，李亦凡所關注的影像愈發趨向即時生成與無限複製，甚至加入時下流行的自拍文化。展覽中，他將許多臺灣人所熟悉，且長期存在的恐懼與不確定性的感受轉化為幽默，真誠地呈現個人的焦慮如何在這座島嶼上與他人產生共鳴。展覽暗示我們每個人在數位時代下，都兼具囚徒、操控者與人偶的三重身分，面對二十一世紀的後虛構與數位自戀的時代中，他並未提供解決方案或道德化的回應，而是引領觀眾重新以「鬱卒」的狀態，回應這個世界，反思人們該如何重新理解世界與自身的位置。

2026「第61屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館 「鬱卒的平面：李亦凡」
展期：2026年5月9日至11月22日
2026年5月09日至9月30日，每週二至週日上午11 時至下午7時
2026年10月1日至11月22日，每週二至週日上午10時至下午6時
週一休館， 5/11、11/16特別開放
地點：義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy）
主題網頁：www.taiwaninvenice.org/2026