藝術無界、大美無聲，定義永恆之美：專訪梵克雅寶亞太區總裁 Julie Clody Medina

梵克雅寶（Van Cleef & Arpels）攜手台北故宮博物院與巴黎裝飾藝術博物館，推出《大美不言》特展，分別於2024年9月至12月在台北故宮博物院，以及2025年1月23日至4月20日在嘉義故宮博物院兩地舉行。這場展覽匯聚了三方典藏，展現橫跨古今東西的藝術珍品。梵克雅寶亞太區總裁 Julie Clody Medina 接受專訪，分享了這場展覽背後的策展理念，以及品牌如何平衡傳承與創新，持續書寫藝術與工藝的輝煌篇章。

作為世界珠寶藝術的先鋒，梵克雅寶長久以來以自然、詩意與創意作為品牌的核心，Julie Clody Medina指出，此次展覽的命名靈感源於道家哲學名句：「大美不言——此理念強調，自然界的美麗無需言語即可自證。自然是梵克雅寶的靈感源泉，這種普世的美感不僅跨越了文化與地域，也傳遞出對生命詩意的理解。」

創新為經，詩意為緯

展覽展示了超過260件來自不同時期的珍貴藏品，展品的陳列方式如同一場藝術尋寶之旅。Julie透露，每一次參觀展覽，觀者都能發現不同層次的細節，不僅讓人欣賞作品本身的精美，也感受到時間與工藝的深厚力量。

展覽分為五大主題展區，包括：「自然萬物」、「動靜有形」、「奇幻仙境」、「神祕莫測」及「五彩繽紛」，「每個展區的設計都將觀眾帶入一場沉浸式的藝術旅程，讓人重新感受時間與空間的交織。」她強調。梵克雅寶自創立以來，不斷推進珠寶設計與工藝的技術革新，Julie也特別提到了世家著名的Mystery SetTM 隱密式鑲嵌工藝，這項於1933年獲得專利認證的技術，至今已成為品牌標誌性的創新成果，當時首批作品於1937年巴黎現代生活藝術與技術國際展覽會上向公眾展示時，即備受讚譽。 

「創新對我們而言，不僅是技術上的突破，更是一種講述故事的方式，作品承載了對生活詩意與積極態度的詮釋。」Mystery SetTM隱密式鑲嵌工藝極為複雜，需要非凡的專業知識與技術水平，以一枚胸針為例，就需要珠寶工藝大師和Mystery SetTM隱密式鑲嵌寶石雕琢師平均 300小時的工時。

聚焦藝術，東西交流

於是，我們不禁好奇，世家如何透過創新與文化傳承贏得全球市場的青睞？Julie 回頭分享《大美不言》特展的幕後策展經過，「《大美不言》是梵克雅寶與台北故宮博物院及法國裝飾藝術博物館的三方合作結晶。在整個策展過程中，各館藏之間的交流非常深入，彼此分享了大量的珍藏與故事。」她認為，策展的核心是讓展品彼此對話，而非單純展示單一作品的價值，這種深度交流需要彼此極大的信任與尊重，「這是場橫跨7年的策展之旅，策展團隊在作品選擇上經過既細膩又反覆的討論，確保展品之間能夠產生共鳴。」

她補充，策展團隊從展品中發現了許多隱藏故事，某些設計靈感的來源，甚至可追溯到戰後的文化背景，這些探索不僅豐富了展覽的內容，也深化了參展各方對彼此藏品的理解。展場設計也成為一大亮點，透明的壓克力展示櫃與精心選擇的燈光，將觀眾的目光完全聚焦於展品本身。「我們希望展覽的場景設計能服務於藝術，而不是搶走焦點。每一件作品的擺放，無論它們來自不同的年代還是地域，都被這種設計巧妙地融合。」她說展覽中使用了多種顏色來體現不同主題，如自然的綠色、神祕的紫色等，旨在增強觀眾的沉浸感。

以教育邀請大眾觸及珠寶之美

談到品牌的長期策略，Julie特別提到了梵克雅寶2012年在巴黎芳登廣場成立的珠寶藝術學院（L'ÉCOLE des Arts Joailliers）。她表示，「我們創立這所學院的初衷，是希望讓更多人了解珠寶藝術，無論是否為梵克雅寶的顧客，教育不僅是傳承的核心，也是回饋社會的一部分。」2019年世家在香港K11 MUSEA設立全球第二所學院，L'ÉCOLE是全球首間將珠寶世界的神祕面紗向大眾揭開的學院，更遠赴東京、紐約及杜拜等城市舉行各類特備課程、講座、展覽，並發行書籍，將該學院的教育活動擴展至世界各地，以不同形式支持各類型的研究工作，亦設立以珠寶藝術書籍為館藏的專門圖書館。Julie透露，未來梵克雅寶將持續推動更多跨文化的教育計劃，吸引不同背景的觀眾參與。

《大美不言》特展將於2025年初移至嘉義展出，Julie表示，梵克雅寶未來將繼續深化品牌在藝術與文化領域的探索，「每一件作品背後，都有一段令人心馳神往的故事，而這些故事讓我們深切感受到藝術無遠弗屆的力量。」此次 《大美不言》特展不僅展示了藝術與文化的跨時代對話，同時提供了前所未有的沉浸式體驗連結觀眾，傳遞策展三方對於創新的熱情和智識，而梵克雅寶將繼續透過其獨特視角與匠心工藝，書寫更多關於美的故事。

Julie Clody Medina

於2024年5月1日受Van Cleef & Arpels梵克雅寶任命為亞太區總裁，擁有近20年的奢侈品產業經驗，熱衷於探索各地文化，足跡遍及巴黎、澳洲、中東和東南亞。她於2019年移居香港，出任大中華區、韓國、東南亞及澳洲零售總監，掌管和制訂零售策略，過去兩年則出任梵克雅寶港澳地區執行董事，成為引領世家推動亞太區實現穩健增長的不二人選。

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜Van Cleef & Arpels、《大美不言》典藏精粹特展}

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專注羊毛氈創作超過13年，藝術家Oksana Pero擅長融合刺繡、縫紉與羊毛纖維，揉塑出充滿靈性的奇幻生物，並於2019年創立品牌Soulbaubles。而其全球首場個展《The Alchemy of Wool》於2026年4月11日至4月26日在台北one little planet展出，本次展覽完整呈現自2015年至今的26件精選代表作。

作品呈現「正在呼吸」的生命質感

13年前，Oksana Pero告別繁雜的都市生活，選擇在俄羅斯南部一個由森林、丘陵與果園環繞的安靜村莊紮根，自學羊毛氈，並於2019年創立品牌「Soulbaubles」。她將針氈的精確控制、濕氈的隨機塑形，以及縫紉與刺繡的技法融合在一起，讓羊毛呈現出「正在呼吸」的生命質感。創作中，她使用祖母遺留下來的古董布料與絲線，將帶著家族溫度的時光，一針一線縫進每件作品裡。

Oksana不追求強烈的視覺衝擊。她希望這些作品像一種不需要開口說話的陪伴，能讓空間變得更暖、更柔軟。如果你願意靜下來注意它們，它們會「喚醒你心裡某個你早已忘記自己還在等待的東西」。

羊毛是擁有近乎無窮無盡的靈魂的存在

Oksana認為，羊毛不只是材料，而是擁有近乎無窮無盡的靈魂（near-boundless soul）的存在。在她所創造的微觀宇宙中，涵蓋了極其多樣的生物，從大型的森靈、獅、狼、狐、刺蝟、蛾、真菌菇類，到及僅7公分的小熊等，透過她的雙手將柔軟的天然纖維化為森靈，讓牠們在苔蘚與微光構成的寧靜世界中，找到自己的位置。

找回對生活裡細小事物的溫柔

而她形容這次在台北one little planet展出，「Tiny worlds finding their place on a little planet.」像是自己作品的一場溫柔回聲，在凝視作品的過程中，找回對生活裡細小事物的溫柔。

「The kind of presence you don't have to speak to, but somehow makes the room feel warmer, softer, less alone. And perhaps - just perhaps - I hope they awaken something tender in the person who looks at them. A memory of the forest. A forgotten dream. A wish you didn't know you still carried. 」—Oksan

個展精選26件毛氈作品

這次展出精選了Oksana Pero自2015年至今，涵蓋平面的羊毛畫作、立體雕塑與結合LED的複合媒材等，共26件毛氈作品。其中〈The Moth〉系列，在她腦海中構思並等待多年，是收到one little planet邀請後首次創作的全新系列，這些生靈每一隻都在寫實與夢幻之間細細塑形，感覺是活的，卻又像剛從另一個世界飛來。她希望能透過這些溫柔，喚醒觀者心中的童心、遺忘的夢，或是對森林的某段記憶。

還原創作過程中的工作桌面與窗景

值得一提的是，《The Alchemy of Wool》展覽期間還原Oksana創作過程中最重要的工作桌面與窗景，並首次公開展示親自縫製裝幀的手稿書（Sketchbook）。這本手工裝幀的手稿，是Oksana眾多手稿書中最為珍貴的一本，累積至少5年的靈感採集，除了設計草圖、插圖，以及對森林與家鄉山巒的文字隨筆與植物。

推出聯名限定公仔

另外，展覽亮點之一，是one little planet與soulbaubles聯名推出的限定公仔〈The Lion - Vinyl〉。這也是Oksana的第一個軟膠公仔，穿著精緻的手縫針織毛衣，結合其標誌性的特徵：溫柔垂眼，走進更多藏家的生活空間，讓原本屬於纖維的「靈魂」在不同媒介中繼續跳動。

The Alchemy of Wool - Oksana Pero 個展
展期：2026 年 4 月 11 日（六）至 4 月 26 日（日），每週三至週日 13:00-19:00
地點：one little planet｜台北市大安區東豐街 13 號

_{資料提供｜one little planet、文字整理｜Adela Cheng}

位於米蘭的 Prada 基金會（Fondazione Prada）向來是全球藝術愛好者的朝聖之地，即日起至11月9日，由當代最具影響力的藝術家之一 Mona Hatoum，在園區內由舊酒精蒸餾廠改造的儲槽空間，帶來了全新展覽計畫，從懸浮半空的玻璃網、鋪滿地面的紅色世界地圖，到會傾斜顫動的巨型金屬格架，亦是一場關於身體、疆界、秩序與不安的沉浸式展覽。

將工業遺址化為感知劇場

當世界局勢持續震盪，藝術是否還能提供一種重新理解現實的方法？

在米蘭Prada基金會的Mona Hatoum個展《Over, Under and In Between》中，答案似乎是一場必須以身體經過、以感官承受的空間提問。這項為Cisterna空間量身構思的場域特定計畫，透過裝置作品，圍繞「網」、「地圖」與「格網」三個核心意象展開，回應的是我們這個時代的動盪，以及人類存在本身的脆弱。

Cisterna空間前身是蒸餾廠儲槽所在的工業建築，帶有鮮明的垂直尺度與粗獷結構。Hatoum並未把它視為中性的展示場地，而是將三個展間轉化為感知逐步推進的場域，觀者在穿越作品的過程中，被一步步帶進不穩、壓迫、懸置與失衡的心理狀態。這也是Hatoum近年創作中始終鮮明的特質，她擅長把極簡而克制的形式，轉化為帶有危險感與身體壓力的存在。

1952年生於貝魯特、出身巴勒斯坦家庭的Mona Hatoum，長期以身體、位移、邊界、監控與權力結構等主題聞名。她的作品總帶著一種少見的張力，看似極簡，實際上卻從不只是形式問題，而是關於人如何被世界規訓、包覆、切分與觀看。

庇護與束縛，從「網」開始

展覽的第一個空間，由新作《Web》揭開序幕。這件作品以手工吹製的透明玻璃球與金屬線組成一張高懸半空的巨大網狀結構，像蜘蛛網，也像某種脆弱卻難以逃離的宇宙圖景。對Hatoum而言，「網」從來不只是單一象徵，它既可能是壓迫、困陷與束縛的羅網，也可能暗示庇護、親密與彼此相連的關係。正因如此，這件作品最迷人的地方，不在於材料的精巧，而在於它讓人同時感受到兩種相反的情緒，一方面被其透明、輕盈與微光吸引，另一方面又不自覺地意識到，自己正站在一種可能逐步收緊的結構之下。

由三萬顆紅色玻璃球構成、隨時可能失衡的世界地圖

中央展間中的《Map (red)》則把視角拉向全球尺度。作品由超過三萬顆半透明紅色玻璃球鋪陳於地面，形成一幅僅保留陸塊輪廓的世界地圖。沒有清楚的國界，也沒有固定的基底，每一顆玻璃球都處在可被擾動的位置上，使整件作品呈現出一種鬆動、危險、隨時可能失衡的狀態。

Hatoum選擇以Gall-Peters投影製作這幅地圖，透露其觀看立場。這幅作品不只是對世界的描繪，也是一個關於權力如何塑造世界認知的提醒。當地圖不再是穩固的知識圖像，而是由無數脆弱的玻璃球組成時，觀者面對的便不只是地理概念，而是整個世界秩序本身的可變與不安。

如呼吸的建築，也像顫動的身體

第三個空間中的《all of a quiver》，則可說是整場展覽最具身體感的一刻。這件大型動態裝置由九層開放式立方結構堆疊而成，像建築鷹架，也像一副被抽空外殼的骨架。它在機械裝置驅動下緩慢傾斜、下沉、顫動，再重新站回直立狀態。整個過程並不劇烈，卻讓人清楚感受到所謂的穩定，其實只是一種暫時維持的平衡。

這件作品也凸顯Hatoum一貫的方法，她擷取立方、格網、模組與重複等極簡語彙，卻不讓它停留在理性而抽象的層次，而是讓結構本身帶上近乎疲憊、搖晃、脆弱的人體感。觀看它時，彷彿不是在看一件雕塑，而是在看一種時代狀態的縮影。

世界不曾穩固，我們都活在某種不安中？

為了讓觀者能更深入了解作品背後的脈絡，Prada 基金會同步出版了《Quaderni》系列專書，邀請地理學者、建築師與心理學家共同撰文，從多元視角剖析 Hatoum 的創作世界 。

在 Mona Hatoum 的視角下，世界不再是堅實、可控的，而是一個充滿動態變數的感官空間。《Over, Under and In Between》所提示的，也許不是如何找到穩定，而是如何承認，人始終活在上方、下方，以及所有尚未被命名的中間地帶。

Mona Hatoum《Over, Under and In Between》
地點：Fondazione Prada, Milan, Cisterna
展期：即日起至11月9日