藝術無界、大美無聲，定義永恆之美：專訪梵克雅寶亞太區總裁 Julie Clody Medina

梵克雅寶（Van Cleef & Arpels）攜手台北故宮博物院與巴黎裝飾藝術博物館，推出《大美不言》特展，分別於2024年9月至12月在台北故宮博物院，以及2025年1月23日至4月20日在嘉義故宮博物院兩地舉行。這場展覽匯聚了三方典藏，展現橫跨古今東西的藝術珍品。梵克雅寶亞太區總裁 Julie Clody Medina 接受專訪，分享了這場展覽背後的策展理念，以及品牌如何平衡傳承與創新，持續書寫藝術與工藝的輝煌篇章。

作為世界珠寶藝術的先鋒，梵克雅寶長久以來以自然、詩意與創意作為品牌的核心，Julie Clody Medina指出，此次展覽的命名靈感源於道家哲學名句：「大美不言——此理念強調，自然界的美麗無需言語即可自證。自然是梵克雅寶的靈感源泉，這種普世的美感不僅跨越了文化與地域，也傳遞出對生命詩意的理解。」

創新為經，詩意為緯

展覽展示了超過260件來自不同時期的珍貴藏品，展品的陳列方式如同一場藝術尋寶之旅。Julie透露，每一次參觀展覽，觀者都能發現不同層次的細節，不僅讓人欣賞作品本身的精美，也感受到時間與工藝的深厚力量。

展覽分為五大主題展區，包括：「自然萬物」、「動靜有形」、「奇幻仙境」、「神祕莫測」及「五彩繽紛」，「每個展區的設計都將觀眾帶入一場沉浸式的藝術旅程，讓人重新感受時間與空間的交織。」她強調。梵克雅寶自創立以來，不斷推進珠寶設計與工藝的技術革新，Julie也特別提到了世家著名的Mystery SetTM 隱密式鑲嵌工藝，這項於1933年獲得專利認證的技術，至今已成為品牌標誌性的創新成果，當時首批作品於1937年巴黎現代生活藝術與技術國際展覽會上向公眾展示時，即備受讚譽。 

「創新對我們而言，不僅是技術上的突破，更是一種講述故事的方式，作品承載了對生活詩意與積極態度的詮釋。」Mystery SetTM隱密式鑲嵌工藝極為複雜，需要非凡的專業知識與技術水平，以一枚胸針為例，就需要珠寶工藝大師和Mystery SetTM隱密式鑲嵌寶石雕琢師平均 300小時的工時。

聚焦藝術，東西交流

於是，我們不禁好奇，世家如何透過創新與文化傳承贏得全球市場的青睞？Julie 回頭分享《大美不言》特展的幕後策展經過，「《大美不言》是梵克雅寶與台北故宮博物院及法國裝飾藝術博物館的三方合作結晶。在整個策展過程中，各館藏之間的交流非常深入，彼此分享了大量的珍藏與故事。」她認為，策展的核心是讓展品彼此對話，而非單純展示單一作品的價值，這種深度交流需要彼此極大的信任與尊重，「這是場橫跨7年的策展之旅，策展團隊在作品選擇上經過既細膩又反覆的討論，確保展品之間能夠產生共鳴。」

她補充，策展團隊從展品中發現了許多隱藏故事，某些設計靈感的來源，甚至可追溯到戰後的文化背景，這些探索不僅豐富了展覽的內容，也深化了參展各方對彼此藏品的理解。展場設計也成為一大亮點，透明的壓克力展示櫃與精心選擇的燈光，將觀眾的目光完全聚焦於展品本身。「我們希望展覽的場景設計能服務於藝術，而不是搶走焦點。每一件作品的擺放，無論它們來自不同的年代還是地域，都被這種設計巧妙地融合。」她說展覽中使用了多種顏色來體現不同主題，如自然的綠色、神祕的紫色等，旨在增強觀眾的沉浸感。

以教育邀請大眾觸及珠寶之美

談到品牌的長期策略，Julie特別提到了梵克雅寶2012年在巴黎芳登廣場成立的珠寶藝術學院（L'ÉCOLE des Arts Joailliers）。她表示，「我們創立這所學院的初衷，是希望讓更多人了解珠寶藝術，無論是否為梵克雅寶的顧客，教育不僅是傳承的核心，也是回饋社會的一部分。」2019年世家在香港K11 MUSEA設立全球第二所學院，L'ÉCOLE是全球首間將珠寶世界的神祕面紗向大眾揭開的學院，更遠赴東京、紐約及杜拜等城市舉行各類特備課程、講座、展覽，並發行書籍，將該學院的教育活動擴展至世界各地，以不同形式支持各類型的研究工作，亦設立以珠寶藝術書籍為館藏的專門圖書館。Julie透露，未來梵克雅寶將持續推動更多跨文化的教育計劃，吸引不同背景的觀眾參與。

《大美不言》特展將於2025年初移至嘉義展出，Julie表示，梵克雅寶未來將繼續深化品牌在藝術與文化領域的探索，「每一件作品背後，都有一段令人心馳神往的故事，而這些故事讓我們深切感受到藝術無遠弗屆的力量。」此次 《大美不言》特展不僅展示了藝術與文化的跨時代對話，同時提供了前所未有的沉浸式體驗連結觀眾，傳遞策展三方對於創新的熱情和智識，而梵克雅寶將繼續透過其獨特視角與匠心工藝，書寫更多關於美的故事。

Julie Clody Medina

於2024年5月1日受Van Cleef & Arpels梵克雅寶任命為亞太區總裁，擁有近20年的奢侈品產業經驗，熱衷於探索各地文化，足跡遍及巴黎、澳洲、中東和東南亞。她於2019年移居香港，出任大中華區、韓國、東南亞及澳洲零售總監，掌管和制訂零售策略，過去兩年則出任梵克雅寶港澳地區執行董事，成為引領世家推動亞太區實現穩健增長的不二人選。

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜Van Cleef & Arpels、《大美不言》典藏精粹特展}

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臺北市立美術館（北美館）自2026年5月9日至9月20日於一樓推出「共感：存在的節奏」，由館內策展人余思穎策劃，展出 11位/組臺灣與國際藝術家作品。展覽從當代博物學的概念出發，在自然、技術與行動實踐的層面上，探討人類應如何理解自身與物種、環境與世界的關係。

數位網路與人工智慧快速發展的時代，訊息流通的方式經歷多次轉變，自我、他者與環境的關係，逐漸轉為更有機的感知網絡。本展以「共感」為題，意指一種理解自己與他者彼此牽動、共同生成的能力。策展人余思穎表示，法國哲學家布魯諾．拉圖（Bruno Latour）曾以地質學的臨界區（Critical Zone）的概念，探究關於自然、技術與人類行動相互作用的地表環境，藉此重新思考人類與萬物共存的關係。

「臨界區」原指自樹冠至地下水層之間的地表薄層，在此空間中，空氣、水、土壤、岩石與各種生命持續相互作用，形成地球維持生命的條件。策展人進一步援引美國物理學家暨理論學者凱倫．巴拉德（Karen Barad）回應量子物理中的「量子糾纏」（entanglement）概念，指出萬物並非彼此獨立存在，而是在持續互動與相互作用中生成關係，提示「存在」或許更接近一種關係性的整體。人與微生物、多物種，甚至與土地、技術感知、生物與環境等，並非單向支配，而更像是共同構成彼此、相互依存的網絡。

本展從「人與非人共同演繹世界」（自然）、「擴增人類五感與時空觀」（技術）與成為「互利共生的行動者」（行動實踐）三個面向出發，引領觀者感知原本難以觸及的其他物種世界，並重新思考生命倫理與共生關係。展場則透過不同作品的感知經驗與觀看狀態，開啟對共享、互助與共存價值的想像。

生命演化所呈現的繁茂形態與生態關係，映現人與非人共同演繹世界的多重面向。盧明德《生態圖鑑》透過多樣物種圖像符號，包括具生命初始寓意的蛋、隱含演化意象的貝殼、象徵死亡與遺骸的動物頭骨，以及動物肢體、皮毛等局部身體意象的複合與並置，以虛實交錯的擬態哲學觀，探討數位時代中自然真實與虛假之間的關係。瑟琳．克拉內《接地雜訊》系列，藝術家並置黑白膠捲拍攝的森林地貌、電子顯微鏡下的微觀圖像，藉由不同尺度的影像轉換，拓展肉眼觀看的視角，開啟對既有森林地景的新感知。

蔡咅璟《山麻雀之歌》連結傳說與當代的保育行動，透過燒製曾文溪水庫淤泥為人工鳥巢，尋找人與動物共生的契機，影像紀錄文化記憶與當代行動，呈現環境變遷下人類與動物的互助關係。桑佳．鮑梅爾將創作視為身體、生物與環境共同演進的過程，以《活體藝術品》等三件作品，透過培養菌落、知識研究與行動創作等方式，使不可見的微生物被人所感知與想像，探索人體內外由多物種共構的生態關係，開啟界定人類主體性的重新理解。

科技、演算法與網際網路所生成的影像，正在重塑人們對世界的理解，並進一步影響其思考方式。吳其育+陳普《零點溫室》以跨洋運輸植物的「沃德箱」為靈感。這種可承載微型生態系統的容器，曾促成19世紀的蕨類與蘭花熱潮，也讓中國茶樹得以移植至印度。作品進一步延伸思考由生成式人工智慧資料庫主導的未來，如同人類過往藉由移植物種對自然進行收藏，以另一種形式延續人類對自然的想像。

陽春麵研究舍《潛像描繪儀》探討人工智慧如何透過雜訊、隨機性與資料運算生成影像，作品模擬18世紀側面描繪儀裝置的運作，對照影像從手工描繪、機械標準化到演算法生成的歷史轉變，呈現人工智慧如何以真實世界為基礎，持續產生難以預測的視覺結果，探問人類對創造力與影像真實性的認知邊界。

NOIZ Architects《待機休眠中》（Lazy House）為布料、張拉結構與感測系統構成的建築軟雕塑，作品透過電腦演算與參數設定，感應觀眾的注視，並產生相應的形變與回饋，邀請觀者於雕塑物件與空間的律動中感受人與環境的互動關係。

透過行動實踐，我們得以理解過往與當下的連結，並意識到事物關係在時空中並非恆定，而是在流動中形構其節奏。山城知佳子《土之民》三頻道錄像，以沖繩與濟州島的歷史為背景，敘述在地之民因候鳥落下的「詩句種子」自泥沼中甦醒，並在墜入時空洞底後目睹過往的戰爭殘影，作品透過影像、低語與環境聲響推動敘事，使觀者思考人與土地，如何共同承載那些尚未消散的歷史記憶。

希朵．史戴爾《使命完成: Belanciege》結合錄影與資料分析的講述表演錄像，從品牌如何挪用特定社會處境下的文化符碼與街頭文化，轉化為時尚美學的過程，揭示品味與身份如何被品牌私有化，並進一步指出當代消費文化、社群媒體與演算法機制，如何共同介入人們對階級、認同與政治現實的想像。

彭弘智《面對面》曾於多國雙年展與三年展展出，並為北美館典藏作品。藝術家以犬的第一視角記錄動物日常活動，並將影像螢幕嵌入動物雕塑頭部之中，觀者需貼近並模仿其姿態，方能進入觀看位置，作品透過身體姿態與觀看方式的轉換，引導觀者想像動物的感知經驗，進而思考人與動物相互依存的關係。

周東彥/狠劇場《變動的連結》是一場需與他人共同完成的集體延展實境（XR），觀者從非敘事的空間中展開探索，隨著虛擬線條在角色之間生成，無形的關係變得清晰可見，個體經驗轉化為群體感知的流動，最終呈現由眾人共構、以線條交織而生的「我們」之形態。

共感：存在的節奏
展期：2026.05.09-2026.09.20
地點：臺北市立美術館 1A、1B展覽室 

參展藝術家（依英文姓氏排列）：桑佳．鮑梅爾（奧地利）、周東彥/狠劇場、瑟琳．克拉內（法國）、盧明德、NOIZ  Architects（日本）、彭弘智、陽春麵研究舍、希朵‧史戴爾（德國）、蔡咅璟、吳其育+陳普、山城知佳子（日本）

2026北美館X-site計畫由「做白工作室」作品《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲得首獎，即日起至7月26日展出。本作結合鏡面、涼亭、山形3大元素，以「掀起地表」為核心意象，利用鋼板和懸索結構，在北美館廣場創造出一片完全穿透、不靠柱和牆支撐的自由場域，邀訪客在此停留、感知和參與，讓藝術之旅在入館前就啟程。

把「經過」轉化成一種參與行動

「廣場」如城市裡的留白，為人們提供歇息之處，也在訪客抵達目的地之前，有片過渡地帶得以轉換情緒——但除了「經過」，我們還可以從廣場中獲得什麼樣的感知體驗？臺北市立美術館（北美館）邁入第13屆的「X-site計畫」，正是從這道提問出發，以館前廣場為基地，每年透過公開徵件，邀不同創意團隊透過建築、藝術、設計等方式介入，為人們開啟體驗北美館廣場的新路徑。

在北美館廣場掀起一座鏡面小山

2026 X-site計畫首獎得主——做白工作室，是以「創造有意義的空白」為核心概念的跨領域設計團隊，這次他們透過對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深入研究，將《鏡・亭・山》視為一種介入環境、重構人與廣場關係的行動實踐。

做白工作室以鋼板和懸索結構為主要材料，在廣場創造一片不靠樑柱和牆支撐的穿透場域，且作品未錨定於既有地坪，巧妙形成地表被「掀起」的視覺效果。像這樣透明而公開的結構，不僅讓訪客得以一覽作品結構組件之間的相互關係，也為人們在廣場上的停留時光注入更多遊逛、探索的趣味。

「鏡・亭・山」各有何涵義？

《鏡・亭・山》具有3種不同層面的解讀意涵，各個層面都讓「經過」成為一種參與：「鏡」反射空間下的動態互動，更在特定角度中映照出周遭自然、北美館建築等環境現況；「亭」意指傳統上遮蔽或供人停留的空間，也代表「從地表拉起的結構」所形成的新空間；「山」則可連結至雙向掀起的屋頂與地板共同構成的休憩空間，訪客可在此歇息，也能自由穿梭其中。

聲音裝置、蛇紋磚片藏彩蛋

本作更有由環境發想延伸的「可觸碰發聲互動裝置」與「蛇紋磚板片」。團隊將抵抗風浮力的鋼纜，進一步結合為互動裝置，其猶如樂器中被繃緊的琴弦，當「弦」被觸碰時，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，包含展間中的低聲交談、觀者行走於建築內的腳步聲，揭露潛藏在美術館之中、平時不易被察覺的細微聲音。

而對於蛇紋磚板片，團隊表示：「塞尚晚年反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是一種追索真理的實踐。此次作品屋頂上的蛇紋磚板片，便是以此為靈感，並將自第1屆X-site舉辦以來的廣場衛星空拍圖作為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。」北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域的重要視覺特徵，也承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。

《鏡・亭・山》展出期間，亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等，邀請觀眾在人與環境、內與外之間，與環境共同感受那片「有意義的空白」。

2026 X-site《鏡・亭・山：相看兩不厭》

展期｜2026.05.16－07.26

地點｜臺北市立美術館 戶外廣場