1990年生的王怡方，大學唸工業產品設計系，接著前往日本多摩美術大學攻讀陶瓷碩士，畢業後成立個人工作室。她的作品常加入她對於女性、時間與器物的思考。在她的世界裡，陶是一種能夠容納情緒與時間的容器，每一件作品都收納著過去的經驗與心情。

「以前做工業設計，會著迷大量生產的概念跟製法，現在反過來，用一小塊土，我花很多時間來形塑它，而不是想辦法做快、做多。」投身陶藝至今超過十年的王怡方，談起從工業設計轉向做陶的覺察，她說兩者雖然都是在「創造物品」，但她接觸陶藝的初心，其實是不想進行多餘的生產。

「我希望自己製作的是呈現有生命力的物件，代表我那個階段的所思所想，甚至是自己都無法再複製的。」王怡方期待自己能投注最大力量，將手中的土成形為物，將個人的意念集中投注於少量親手做的器物，這就是工業設計和陶之間的最大不同。

用土的質地表達那難以言說的一切

當年決定到日本學陶，王怡方最初在東京藝大、武藏野和多摩美術大學間搖擺。以陶來說，藝大較聚焦傳統工藝，武藏野的課程偏向器皿設計，多摩美的老師則擅長偏抽象的雕塑，「去日本後的確自己變得更跳脫，對於藝術的思考訓練，也多於技法。」王怡方回顧2015到2018年在多摩美的習陶經歷，「實作和上課的討論，都在撞擊思想。」

有意思的是，她認為透過日文上課、做陶，因為語言和文化，那個「介於有點懂又不太懂」的曖昧地帶—說不出來的、難以言述的，這些空間反而給她很大的啟發。

在日期間，她採訪數位女性，將交流的過程以陶作的質地表現出來，直到回臺，她也曾受邀至高雄哈瑪星原愛國婦人會館展覽，嘗試了邊與受訪者談話、邊捏陶的取材形式，「一直以來，都是透過陶來記錄一些我覺得不能忘記、或不想忘記的事物。我很好奇，能不能用土這個質地，去講述那些文字很難說出的東西？」」王怡方描述著捏陶與外界連結的那分初心。

又好比，她在2019 年去了德國柏林，恰好是6月4日在朋友的陶工作室遇上香港年輕人討論六四事件，王怡方利用當地黑土手捏盤，捏製了一個坦克造型的陶作煙灰缸，並將學運領袖王丹寫的《沒有煙抽的日子》刻在表面，「造型很手感，我就是想用這種既粗獷又可愛的感覺去記錄這個比較嚴肅的話題。」

釉上彩與題字是心靈的日記

之於王怡方，陶是日記，是創造、是連結，也有許多反思。王怡方今年舉辦於臺南「森初」的個展《山灰》，除了展出她近期的雕塑與茶道具，也涵蓋先前在芬蘭與葡萄牙駐村完成的作品，不僅造型樣態豐富多元，許多作品也都加入她標誌性的金色印記：最後在作品邊緣塗上金色釉上彩及題金字的過程，像下標和落款，這個展覽也像是王怡方對於觀眾表達她對於不同事物的探索與建構。

在芬蘭，王怡方摻入當地原土燒成石碑，刻上古老神話的詩句；或是一只茶則，題上讀見的非洲諺語：「唯有你深潛入河裡，才知道鱷魚的力量。」給泥條反覆上泥漿而燒成的圈狀擺飾則寫上俄文詩句：「生活如同雲朵，在頭腦中閃爍。」在陶的質地中，加入文字的能量，器具除了承載功能，還加入了感受與閱讀的想像。

這些異國的陌生語言，都是王怡方駐村時與陌生世界互動的見證，至於她怎麼選擇哪句話要放上作品？王怡方以最近看的演出《女先知》來回應：「重點不是唱了什麼，而是我們為了什麼而唱。」如同眼前這些陪著自己而生成的物，記錄她關注的人事，但非具有全然的目的性。

以火書寫人與自然的循環

延續芬蘭駐村所嘗試的野燒，她用電窯加入身邊取材的植物花草上釉並燻燒，「我很期待做出未知、意想不到的作品。將窯變燒毀的過程，用其他技術重新燒至滿意的狀態，我喜歡這樣混亂與秩序之間的平衡。」

王怡方捧著一只名為《燼》的花器，以猶如暗夜裡飄散點點火星的火痕釉色訴說著近日的實驗心得，接著轉身帶我們望向本有三件疊著燻燒後再也分不開的美麗花器，燻燒的無法預期與隨機性，讓她得到一件意想不到的作品而題上了《捨得》。一起入窯燻燒的松葉、茶葉、辣椒和松木樹枝也在展覽中同步展出，樹枝燒成了炭筆，王怡方再以此畫下一幅森字疊成有如水墨的山林，「木頭燒成炭，炭可以拿來煮飯，讓人們有能量，也可以煮水、泡茶，又可以拿來燒陶。」她藉由展覽《山灰》表達各種形態的燒成，彷彿就是人與自然互動出的生滅循環。

創作裡的循環實踐

關於循環，王怡方提到會把修坏時落下的碎土都搜集起來，「我會拿去做泥漿，繼續疊在其他雕塑上，一層一層，每次可能都是不一樣的土、不同的質地。」好比，她把泥漿裹上一只乾燥花圈，原本來自原住民部落祭典的花圈，當包裹的花圈被燒成灰，能從孔隙被抖出來，繼續疊上泥漿和釉，王怡方想像這拿在手上的永恆是花的骨骸，「透過這個燒製的技法，把很脆弱的物件，以永恆的狀態留存，我最後題上的金字就是Eternal。」

泥漿也被運用在製作生活道具時的模具灌漿，「我注漿注得比較薄，因此同樣的模，在乾燥的時候會收縮得不太一樣，我喜歡保留這種自由的感覺。」在技法上，王怡方擅於手捏和注漿，作陶過程實踐不浪費任何碎土的循環。

誠實地做，努力地做

聊到王怡方身為新生代的年輕工藝創作者的創作觀，她認為應該要「誠實地做、努力地做吧。」在AI 時代，比起如何製作，創作者更應該思考「為何」而做。有時候不偷懶地重複繁瑣工序，更能產出誠實的作品。

在這個時代，許多事物已經沒有標準答案，創作者也應該調整自己的，不要因為一些框架，而限制自己。舉例來說，當自己待在工作室時，工藝對我來說，是自我磨練的一種挑戰；而展覽時我則「需要」變成策展人與設計師。有時候我們「需要」去適應不同的環境，發展出多工專業，相信好的創作者，能夠在每次的挑戰中，在創作與生活的混亂與秩序間，找到平衡的風景。

文字 / 黃怜穎

攝影 / PJ Wang

關注臺南小店或是甜點的人，多少都會聽過神農街上的「海丘」，以及結束營業後改在西寧街老屋二樓復出的「沼澤」，先後兩家店的經營者「亨利Henri」正是黃郁婷。「很多人以為我是從甜點轉行到陶，事實剛好相反，我是為了做陶才去學甜點的。」兜兜轉轉了十年，黃郁婷如今專心於陶作，以本名的拼音縮寫「Hyt」為品牌，代表了直面創作的決心。

甜點與陶作的奇妙共通

年輕時，黃郁婷在東華大學藝術創意產業學系主修陶瓷，由於學系的指導偏向器物創作，使她從日常生活角度思考創作，而有以料理來訴說器物的想法。彼時，消費市場對於陶瓷文創品的接受度不高，黃郁婷沒把握自己可以純創作維生，便想用一種比較日常的角度切入市場。「再加上吃甜點對當時的我來說很療癒，便覺得如果把甜點當成媒介，品嚐之餘還可以欣賞裝盛的器物，人們便可以在輕鬆心情下接納作品。」

黃郁婷決定了目標，於2014年畢業便赴往日本學甜點，再去法國短期考察，最後回到家鄉臺南創業，在神農街開了海丘。2019年她和朋友一起合租六十年老宅，在二樓開了甜點兼選物店「沼澤」，一隻手烤蛋糕，一隻手捏陶瓷，自己設計店內使用的器物—並且還生出第三隻手來策展，忙碌且充實地過了幾年。

「沒有選擇去甜點店上班，是因為害怕自己最後真的成為一名甜點師了。」黃郁婷噗哧笑了出來，說出她心裡長久的擔憂，害怕自己轉身投入甜點，在陶作上停滯了十年，可能技術會退步。「結果恰恰相反。」她說，甜點與陶作有奇妙的共通性，擀塔皮好像擀土板，轉動蛋糕轉台抹奶油就好像轉動拉坯機，而巧克力灌模則與石膏翻模的動作一模一樣；甚至，甜點不像陶土只需要注意溼度，奶油容易受室溫影響，操作時的速度與細緻度要求都必須更高，在十年的甜點訓練裡，她感覺自己的技巧沒有不見，反而比以前更好了。

注入地理與環境的想像

早期黃郁婷用陶的想法來思考甜點，也用甜點的角度來創作陶，展開呈薄片的烤布丁、方正堆砌的柚子塔、水滴狀的生乳酪，或是獻給奶油蛋糕的高台平盤、為閃電泡芙設計的躺平方盤……依照不同甜點的食用特性，如方便塗抹、切片、鏟起、襯托，來調整器皿的造型、釉色或使用化妝土，陶土釉彩對應砂糖麵粉，食與器交鋒產生多次有趣的對話，兩條不相干的創作路線被黃郁婷強硬交集，彷彿編成了麻花。

年輕時黃郁婷曾嚮往去念地理系，加上在花蓮念大學時修了海洋作家廖鴻基的課，影響她關注自然、海洋、生態議題，並在手臂刺了一串關於北極熊、大翅鯨的圖像。「大海像是我的老師。」談到環境給予她的想像，佔地球表面七成的大海，通過氣體、液體、固體的三態循環，創造出許多生命，海無比遼闊，無比包容，也無所不在。也因此，她常以地理系的命名，如《Kuroshio 黑潮》、《Mound 土丘》、《Icefloe 浮冰》、《Moss 苔》等，傳達與環境有關的創作意念。

一方面開店，一方面創作，黃郁婷認為斜槓並沒有不好。「正因為有主業，所以我不用太顧慮市場，當陶成為興趣或是副業時，儘管展覽的頻率沒有那麼高，卻可以確保每次都可以做自己想要的東西。」她說，「做我喜歡的樣子」很重要。

只是越來越忙碌的店務，剝奪了愈來愈多創作的時間。她嘆道：「我一直想保持創作中的狀態。」一直持續到甜點店的租約到期，員工另有規劃而離職，彷彿上天安排的巧妙時機，使她終於可以卸下責任，得到重整步調的喘息。

可簡可繁的化妝土技法

揮別甜點界，黃郁婷再度復出，卻是在臺中神岡。她與同是陶作家的王瑞竺合力成立空間，一樓名為「黑土mollisol」是活動兼策展空間，二樓隔為前後兩間，分別是陶工坊與甜點廚房，三樓則是放置電窯的燒製區。

新作坊開幕不久，她便與王瑞竺便舉行Open Studio 雙人聯展《日和水》，推出使用臺灣黃陶為基底，外覆黑色化妝土的黑土系列。

黃郁婷偏好造型與化妝土研究，使用粗糙如沙的美國雕塑土、或是在瓷土中混合熟料，燒出具有手感的質地，加上化妝土技法疊加，創造出如久置潮溼院落的盆，被青苔爬過的洗綠；沙丘受風凝成的形狀，那遠看滑順而細看卻粗獷的質地；並且刻意留下神秘刻痕，訴說所欲表達的概念。

談到人們對於化妝土的誤解，她說：「很多人以為化妝土是簡單的東西，但其實化妝土的定義很廣，舉凡日本民藝常見的粉引或粉吹、朝鮮王朝代表的粉青沙器都是一種化妝土，它使器具表面可以有很強的變化性。」

如果用甜點來形容，化妝土便是蛋糕抹面或擠花，加入不同色粉，使用不同工具塗抹與刻畫，厚薄濃淡高低起伏，爬佈表面的微弱光影，不知不覺轉化情緒。

以陶探索生活的人

如今，她大部分時間都專注於陶作，甜點不再面向消費市場，只接受畫廊活動的餐會創作委託。全心投入陶作，近來她又師學雕塑技法，無論未來會朝向哪個類型走，希望以系列作品、自策個展的方式呈現，把創作理念更加聚焦且完整地傳達。

一路以來，黃郁婷在做陶裡學習，為理解器皿而去學甜點，為了理解茶道具，向董紜綺、謝小曼等茶老師習茶，不知不覺陶引領她發現新事物。「對我來說陶是生活中的探尋。」談到今年的新計劃，「我的夢想是到北極看北極熊真實的生活，今年剛好有機會可以達成，那裡有個小鎮可以看到北極熊！」

她手臂上的刺青，說了北極熊失去融冰成為熊天使的哀傷故事，不想美麗生物成了絕版幻想，她決定千里相會，再任性一回，而那未來是否會成為她陶作上的某種滋養？答案是肯定的。

文字 / 李佳芳

攝影 / 王士豪

2026米蘭－科爾蒂納冬季奧運將於明年2月6日至2月22日登場，近期於發表會上公開獎牌設計。如兩個半圓結合為一的獎牌，象徵著每位奧運與帕運運動員的旅程，以及那些一路陪伴他們的所有人。該獎牌由義大利國家印刷局與造幣廠（Istituto Poligrafico e Zecca dello Stato，簡稱IPZS）設計製作。

兩種不同質地，象徵幕前幕後的團結精神

2026米蘭冬奧獎牌的設計簡潔，以「兩半合而為一」為視覺意象，象徵米蘭與科爾蒂納兩座城市，以奧運精神彼此相連，也傳遞出對於團隊情感與團結世界的追求。

本屆賽事的品牌識別總監Raffaella Paniè表示：「我們以義大利人的奮鬥與熱情為靈感，設計出一枚『回歸本質』的獎牌。其表面的兩種不同質地，象徵奧運與帕運的故事不僅由運動員書寫，也因教練、隊友、家人與粉絲的參與而完整。」

義大利設計工藝的極致展現

2026米蘭冬奧獎牌由IPZS製作，獎牌兼具優雅設計與永續概念，採用無毒、可回收的環保塗層，並使用100%可再生能源進行生產。這些獎牌結合傳統工藝與當代技術，體現了義大利設計的優良品質，更凸顯出運動員作為賽事核心的理念。

兩位傳奇選手為獎牌設計揭幕

獎牌揭曉儀式由兩位義大利體壇傳奇領銜：曾奪下1金1銀奧運獎牌的游泳選手Federica Pellegrini，以及在帕運拿下14面獎牌，縱橫田徑、越野滑雪等項目的Francesca Porcellato。

而儀式主持人、義大利威尼托大區首長Luca Zaia表示：「這枚獎牌訴說每位運動員為達終點所付出的努力與堅持；同時，它也向那些在幕後默默付出的組織者、志工、技術人員、工匠，以及其他不可或缺的角色致敬。」他也補充：「2026米蘭冬奧是不僅僅促進體育與娛樂發展，更關乎義大利的基礎建設、觀光、宣傳與就業機會。獎牌只是個起點，我們已經看到夢想開始實現。」