蘇打綠休團之後，阿福似乎更忙了。他先創立「助星計畫」，攜手家扶中心，教導苦無資源的藝術潛力股；接著廣邀超過200位本土藝術家和金獎主持陣容，在華山車站打造「台北城外文化藝術季X達斯克巨人樂園」，吸引大人小孩走出家門，感受藝文魅力；2018年初，他又擔任台北燈節藝術統籌，與在地藝術家共同完成最接地氣的燈區。繼華山車站、台北燈節之後，阿福的夢也越做越大，現在，他想要藉由「Wow Taiwan！」計畫，將藝文帶向全世界！

讓不可能變可能

台北燈節之後，阿福體會到台北這城市的藝術風氣愈臻成熟；傳統的花燈，結合現代科技互動和表演藝術，燈節不再只是走馬看花，也成了當代藝術的新舞台。

一直思考著如何把這樣的表演藝術人才、裝置藝術人才能夠讓世界看見，阿福做了策展企劃後，便帶著企劃內容以及「台北城外文化藝術季X達斯克巨人樂園」、台北燈節的活動紀錄，協同其他3名夥伴，自掏腰包飛向紐約。在短短3天之內，拜會超過20位素昧平生的藝術家、策展人，爭取機會舉辦台灣秀展。

「我覺得現在年輕人很悶，這股『悶』來自於對自己和自己的城市沒自信。而紐約是藝術最高殿堂，到那裡表演聽起來很ㄎㄧㄤ；但我們要打破這股悶，就要讓不可能變可能。」阿福比喻道：「這就好像有人國中時跟爸媽說自己要去打NBA，大家覺得『怎麼可能』，後來他真的到紐約打NBA了。所以這個計畫，對外是讓世界看到台灣這塊寶島；對內則是想讓大家相信自己，不要再悶下去了。」

幸運的是，拜會過程中，紐約市立大學美術館國際策展人巴特爾（Chaolun Baatar）對這項計畫十分激賞，正在為紐約尋找新刺激的他，更親自來台灣送上邀請函，希望能請阿福的策展團隊負責展覽內容、館方負責媒體宣傳，在9月時舉辦一場別開生面的當代藝術特展。

「9月的紐約其實非常熱鬧，除了聯合國大會之外，還有紐約時裝周、美國網球公開賽等等，我們希望藉這個超高曝光度的好時機，以藝術裝置、展演、快閃活動，讓大家認識我們。」說著這些計畫時，阿福眼中閃著興奮的神采。

極限島嶼之中的蝴蝶效應

然而，在向別人介紹成長的這塊土地之前，阿福深思，過去跟外國人提起的，不外乎夜市、廟會、小籠包、珍奶等，但這次阿福想要以新的角度詮釋台灣文化。而他找到的切點是：蝴蝶。

「團隊花了近2個月討論後，發現台灣的精髓在於『包容』，這種多元、包容的土壤，也讓台灣產生了很多『極限』。」阿福解釋，「像是我們有超過380個品種的蝴蝶、有許多原住民族；島嶼這麼小，長榮海運卻曾是全球最大貨櫃船公司；世界盃時，超過半數球員穿台灣紡織廠的衣服；如果沒有台灣的晶圓，就沒有iPhone。」

「所以我想以蝴蝶為切點讓大家知道，這一座孤島，在海平面上誕生這麼多文化；而在海平面下，它的地殼是跟世界連在一起的。就跟島上的蝴蝶一樣，我們奮力揮動翅膀，想對世界造成影響。」阿福說道，「另外一層含意則是，蝴蝶在短時間綻放極大的美麗，就像這座極限島嶼在短短歷史中，創造這麼多的奇蹟。」

也因此，「Wow Taiwan！」邀請循環經濟品牌REnato lab，以手機電路板等廢棄物，製成蝴蝶意象的大型裝置藝術，一來讓大家理解策展理念，二來也讓大家感受循環經濟的重要性；接著展演則以濃縮音樂劇的形式，邀請太陽馬戲團成員張逸軍老師為導演、仙草影像團隊製作以蝴蝶為主視覺的影像動畫，結合原住民女孩純淨的歌聲、仁山仁海藝想堂的舞蹈表演團、國際級魔術師簡銘宣，在短短5分鐘的時間內，讓觀眾從自然、文化到經濟發展，了解這座「極限之島」；最後的快閃活動，則預計以LGBT、全球暖化、文化永續等5個議題，在華盛頓廣場公園、時代廣場等5個地點快閃，讓世界看見年輕人的活力在國際議題上依舊發光發熱。

為下一代創造新的嚮往

阿福更表示，這次的紐約策展活動只是「Wow Taiwan！」的開始，未來他更計畫將「Wow Taiwan！」帶到世界的每一個角落。「我們也蠻不要臉的，之前還跟紐約市立大學美術館策展人說，我們要把東西帶進現代藝術博物館（MOMA）！」阿福笑道。

「這樣的計畫聽起來很瘋狂，但是我希望長久下來，可以形成一個管道，把更多藝術家送到國際上，」訪問最後，阿福這麼說道，「仔細想想，我小時候看到體育選手在奧運拿到銀牌、在籃球比賽得過冠軍、雲門在國際受到肯定、我高三時聽到五月天第一張專輯，就覺得我要玩樂團，後來才又接觸到伍佰、亂彈阿翔、閃靈、濁水溪公社⋯⋯，那時候我對這個世界是很嚮往的。但是現在卻不是這樣，我們只看到政治鬥爭、經濟蕭條、年輕人買不起房、音樂人發了片也不賺錢⋯⋯，所以我覺得，我們這個世代也應該要留下些東西，要創造一些話題跟創舉，讓下一代看到這世界的美好。」擁抱瘋狂的夢，做著踏實的事，阿福從照顧團員的蘇打綠團長，成為照顧藝術家的策展人；現在，他也邀請大家加入這場藝文慢革命， 讓世界看見我們，讓島嶼看見自己。

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圖片提供／華山站貨場

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會（Fondation Louis Vuitton），匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品，從加州時期以泳池為題的一系列作品，到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫，展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置，並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作，也同時回顧David Hockney早期的代表性作品，帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示：「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽，連我現在正在創作的畫作也會展出，我想這一定會非常精彩。」

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來，David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年，他的創作生涯豐富且多產，無論媒材或技法皆持續創新，從未停下腳步。

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言，並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕，像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯，以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像（泳池與兩個人像）》等作品，以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

1980至1990年代，David Hockney轉而描繪自然景觀，並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分，則聚焦David Hockney近25年回到英國，於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期，他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主，像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》，以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等，都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間，他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色，透過科技筆觸描繪生活的希望，持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時，他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像，並以傳統畫框裝裱數位畫作，產生時空交錯的視覺效果。

來到展覽的尾聲，則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品，其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發，畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外，David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像，為這場規模空前的回顧之旅收尾。

David Hockney 25

展覽日期｜2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點｜Fondation Louis Vuitton

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手合作，推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡（Ana Karkar）在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識，幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中，她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世，情緒張力飽滿，洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力，帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境，穿越現實與幻想的邊界。

狂想般的視覺語言，包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分，引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識，像是種反叛，挑戰人們對情色與親密的既定想像；也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界，而是如花般層層綻放，在關係中不斷展開、變形與再生。

在卡卡的藝術宇宙裡，身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器，神聖又脆弱，蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚，引領觀者在幻象與現實之間，重新凝視身體與存在的關係，想像蛻變的可能。

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品，持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence〉畫中濃綠與青藍色調，喚起水與生命誕生的意象，與火的元素形成對比，象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象，神秘而無法被定義；她內心彷彿燃燒著渴望，只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

另一邊，〈Scales〉畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞，形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇，白與紫的色彩對比空靈而神秘，營造近乎神話般的場景。

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響，也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中，糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象，強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒（Egon Schiele）；激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙，則呼應了克林姆（Gustav Klimt）的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演，從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪（Brian De Palma）到達利歐·阿基多（Dario Argento），以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂，都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」，延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格，根植於卡卡的生活背景，她出生並成長於舊金山，從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後，曾進入Louis Vuitton總部工作，於影像製作和數位媒體部門任職7年，現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷，皆深深影響她的創作。

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為，「卡卡畫的不是單純的身體，而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變，還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角，創造了一個心理空間，在那裡，身體不再是固定的，而是不斷變化、彼此交織，充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream》

展期｜2025.05.07－07.12

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）