寶藏巖光節從2012年舉辦至今，每年皆以響應不同社會主題的策展方向進行定調。繼「邂逅那道光」、「創作像海洋，愛你像光」、「又在這裡，又在那裡」後，2019年春日，寶藏巖光節以「野景」為題，思考人類邁向看似通往文明的路上，其所遭遇到的野蠻困境，並反思其所抵達的當代生活光景。透過藝術家的創作語彙、藝文活動的串聯、與會者的參與互動、在地居民和學生的攜手合作，呈現現代社會裡文明與野生的矛盾想像，為寶藏巖這片野景帶來更有力量的亮光。

寶藏巖，這座聚落最原始的景緻構築在人們對於生存幸福的期待，這片景色像是野生的，生命在這裡有機地長著，人們努力生活著。這片野景的美麗，也因著人們對於美好遺產的珍視、文化景觀的理想、土地居住與人權的關懷、公平正義的寄託，而在大片景緻裡有過一段段狂野的捍衛。—策展人 李依樺

藝術無垠，漫步好景

從步入村落開始，藝術團體衍椼透過作品《眾裡尋他千百度》，帶著人們在聚落的巷弄裡散步，細數座落的路燈和腳前的風景。大自然的景色隨著工業文明的發展，逐漸被都市繁華所取代，在寶藏巖上光巷的房舍內，蕭聖健投影了一輪滿月，以極低科技的手法，讓作品《噪景》唱出鄉野田園的蟲鳴鳥叫。

對自然環境的關愛也反應在人嶼和奧爾加蒂亞戈（Olga Diego）的作品中，前者以回收廢棄物和塑膠製造了一座流瀉著螢光瀑布的假山水《涅槃》，而後者則以充氣電子裝置閃著亮光的塑膠打造人間《塑膠樂園》。

虛實交錯，移動風景

半樓廣場豎立的是李承亮利用球形水塔改造的舞台廣播系統《萬年站》，讓人們爬上如同登陸屋頂的太空站唱歌，做一場場撒野的夢，而一旁鐵皮屋頂投影的《失訊–夜》，是郭奕臣以作品中人們的陌生關係，回應李承亮自現代生活的疏離狀態所拓展的《萬年站》幻想場景，身後的防空洞也轉化成通往宇宙秘密基地的蟲洞。

人工智慧的發展讓真實的情感變得模糊，陳韻如和瀧健太郎（Kentaro Taki）則透過人臉追蹤和線上遊戲，演繹著當今社會遭遇的科技綁架。寶藏巖的最深處座落著許唐瑋的《虹光樹：果實星球》，這兩顆星球像是原始且充滿生命力的異野空間，與聚落入口磯崎道佳（Isozaki Michiyoshi）搭建的巨型透明帳篷遙望著。

另外，莊知恆為「2019台北藝術進駐」台灣籍駐村藝術家，使用擅長的舞台燈光設計結合寶藏巖的歷史脈絡，《晷跡》以「雷射光束」及「蓄光材料」刻抹一道道光痕，將進駐寶藏巖國際藝術村後所感知到的一切，呈現看似無序卻也尋常的生命軌跡。

明暗對比，點亮光景

這片富饒的野景交融著野生和文明的景緻意義，承載人們對於生活光景的期待。今年寶藏巖光節更與簡單生活節聯名合作，於3月30、31日和5月4、5日共同舉辦開閉幕派對、音樂演出和簡單市集，邀請到巴奈、美秀集團、柯智棠…等歌手於寶藏巖共襄盛舉，開幕當週也與Giloo紀實影音聯合放映，針對光節「野景」所延伸出的議題精選片單，於寶藏巖的防空洞播映。

另外，展期間的週末將有九場由漫才團體「魚蹦興業」為寶藏巖光節獨家創作的「野景－光之大笑漫才」表演。最後，4月20日在寶藏巖涼棚舉辦的野景食堂，邀請空場藝術聚落負責人黃偉倫、新竹周益記市定古蹟執行長李明俐與寶村家園的詹智雄擔任食堂主人，與民眾在共食的輕鬆氣氛中，暢聊寶藏巖和藝文環境的光景。「野景」作為本次光節主題，藉著不同領域的串聯，觸發實踐未來渴望的韌性連結，參與者們帶有野性卻堅守初心的精神，一同與寶藏巖點亮台北。

2019寶藏巖光節

展期：2019.3.30(五)-5.5(日)

參展藝術家：人嶼、李承亮、衍椼、莊知恆、許唐瑋、郭奕臣 、陳韻如 、蕭聖健、奧爾加蒂亞戈 、瀧健太郎、磯崎道佳、「輕量級」－跨校工作營、 萬福國小、微景設計 

藝術總監：李曉雯

策展人：李依樺

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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