只限一晚不眠的美好藝術體驗！自2016年起響應，邁入第四屆的「2019台北白晝之夜」，走過了北門、公館溫羅汀街區與中山北路後，今年主舞台則拓展至基隆河畔另一側－台北大直與內湖區，除了將延續白晝之夜三大特色「跨夜舉辦」、「免費參加」及「公民參與」外，多樣化的藝術裝置及演出安排，將在10月5號、6號讓大家能夠自由穿梭於城市空間之中近距離接觸藝術！(完整地圖攻略點我)

城市的雙面芭蕾魅力

宛如將台北化身成一夜限定的大型無牆美術館、城市舞台與街頭劇場，2019白晝之夜以「雙面芭蕾」為策展主題，並再度邀請胡朝聖擔任藝術總監，就像是看見城市的不同風貌，團隊希望民眾能夠透過限定活動，快速並重新探索具有兩面性、無法用單一特色來概括的城市面容，並藉由強調人在日常裡有著脈絡規則可依循的身體動作，類似芭蕾舞的韻律與操演特質，且持續性的發展構成「地方芭蕾」（place-ballet）的學說，透過藝術文化計畫滲透社區、影響在地居民，誘發民眾能主動參與。

選擇大直與內湖做為本次活動主舞台，胡朝聖表示今年不同於前三年在台北市內老城區的探索、翻轉與再認識，選定在發展不超過30年的大內（大直和內湖）特區，相對其他老區而言，新興開發區在文化發展上的軟硬資源相對匱乏，但其起步就有如一個機會無限的培養皿，可以賦予它更多的想像與實驗，尤其如何在這個以商業和科技產業作為區域經濟發展重點的副都心，要進行一場可以回應場域精神且為期長達10個月的城市藝術計畫，的確有其巨大的難度與挑戰；但也正因為如此，在文化資源上的先天劣勢也才有機會作為藝術家們豐富的想像延伸與對都市未來文化發展的創新實踐。

為了能全面對應大內區域特色，胡朝聖也將活動內容與作品依據四個分類作為參考與方法，以映射出區域內的現實處境以及未來場域內涵發展的可能性，分別為流變與無地方、日常考掘、重複操演、環境與身體。這樣的執行方法期待在一個地方感空缺與商業產業導向為主的新興區域，以藝術計畫回到最平凡的日常，在那些閒置土地、河濱公園、商場、公有土地、街道和辦公大樓間一點一滴的考掘發想，對照那些城市老區曾有的過往，凝視被大多數人忽略的環境細節與生活故事，以及當今社會所關注的環境生態問題等。

2019臺北白晝之夜作品亮點

今年活動將在10月5號晚間6點至6號清晨6點登場，以捷運大直站至西湖站之間各種第三空間場域為主要活動範圍，預計呈現22處夜間藝術裝置與45場活動。至於今年有哪些藝術家與亮點共襄盛舉？趕緊搶先看！

台灣藝術家高德亮《草原座標》，透過精準排列的光線與空間既有元素的媒合方式，以反抗當代生活中被幾何光學所主宰的生活經驗。隨著空氣緩緩上升，投射在綠意職務上的點點紅光，像是螢火蟲般在草叢隨意竄流，讓人的身體感官完全沉浸。

作品地點：洲子一號公園

澳洲藝術家阿曼達巴瑞（Amanda Parer）所領軍的巴瑞工作室（Parer Studio）團隊，將在美堤河濱公園帶來巨大白色兔子裝置作品《打攪》（Intrude）。充氣式、打著強烈白光的七公尺高兔子，像是侵入式般，卻又看來相對放鬆自在。入侵刻意引導出這種可愛的印象，並用強烈的視覺幽默，將你喚入作品的意境中，再揭露作品所傳達的嚴重環保議題。兔子是種屋裡大象式的大問題，可類比兔字對環境的衝擊，雖大卻容易忽略。

作品地點：美堤河濱公園

日本藝術家磯崎道佳的裝置作品《巨蛋計畫》，將以透明的塑膠膜搭建一座圓頂巨蛋，巨蛋內裝的各種拼貼、裝飾，則將透過工作坊的舉辦，邀請民眾一同參與製作，因此作品將承載許多人的觀點，他們用雙手裝飾自己眼前所見的風景，以全新的角度去觀看日常生活。

作品地點：台北萬豪酒店廣場

許家維《白色大樓—姊妹》，描述一對出生於白色大樓的姐妹，至今仍然居住在白色大樓內，Davy的專長是當代舞蹈，而姊姊Chantha專長是阿帕撒拉傳統舞蹈。藝術家邀請兩人在金邊的一棟新建大樓中表演。近幾年金邊快速發展，各式高樓平地而起，但老舊的白色大樓卻面臨即將被拆除的命運，這個拍攝場景反映了都市變遷的面貌。影片中，姊妹二人在建築工地中，透過兩種不同類型的舞蹈，進行一場肢體的對話。

作品地點：台北捷運劍南站周邊

舞蹈生態系創意團隊，是台灣第一個結合自然與藝術人文為理念的創作團隊，以劇場、跨領域展演、舞蹈影像等多元形式呈現。此次將帶領基河國宅社區排舞教室的媽媽們進行工作坊，並於白晝之夜當天一同演出《膠的傳奇現場》。

演出地點：台北萬豪酒店廣場

安娜琪舞蹈劇場於2015年開始著手計畫發展「日常語言」對於肢體的身體變化，走向群眾舞蹈的方向，將人人都可以跳舞的理念落實，並於2016年開始走入校園，展開與學校合作的聯演計畫。此次的白晝之夜將邀請安娜琪劇團帶領學生與素人超過百人進行一場全民舞動的開幕演出。

演出地點：台北美麗華百樂園水舞廣場

法國藝術家Antonin Fourneau作品《水燈塗鴉》，將數千盞LED燈鋪成的一面與水相連的光束牆，是互動式藝術作品。觀眾可以用筆刷或噴霧對光束牆面進行自己的創作。

作品地點：ATT 4 Recharge

Netflix首部華語原創影集《罪夢者》特別推出VR空間「罪夢室」，只要觀眾一戴上VR眼鏡，瞬間進入張孝全的主觀視角，化身主角阿全展開奇幻的逃獄旅程。

獨一無二的VR體驗空間「罪夢室」，是由Netflix與新生代藝術團體NAXS CORP 跨界合作，將《罪夢者》的故事作為藍本，讓民眾以男主角阿全（張孝全飾演）的視角，身歷其境地體驗劇中的主要場景，包含監獄、舞廳，甚至是夢境都精彩呈現，感受虛實難辨、如夢似幻的台灣幫派文化氛圍。

作品地點：美堤曲棍球場

超過45場表演活動 打造多人觀賞與一對一互動豐富類型

在表演活動部分，由安娜琪舞蹈劇場率領金山高中、金山國中、景興國中、正德國中、內壢高中等多所學校的學生與素人表演者，進行超過百人的舞蹈演出《42535網路裡的日常》，並作為2019臺北白晝之夜開幕節目；由失聲祭邀請多位臺灣聲音藝術家共同呈現《白晝失聲ＸDigilog：模組合成大對抗》、《白晝失聲－動態雕塑》、《白晝失聲－電影之後》，分別帶來以聲響進行的Battle，結合聲音與影像的音像藝術（Audio-Visual Art），並以聲音試圖延伸電影觀影後的想像力邊界；卡米地喜劇俱樂部、勇氣即興劇場、漫！！男塾、達康.come多個臺灣知名表演團隊，個別以脫口秀、即興劇和漫才等演出形式，帶來充滿歡笑的一系列「愛說笑」節目；《藝術相談所》邀請各領域藝術家及表演者，讓民眾能於摩天輪車廂內，乘著臺北夜景與藝術家面對面！

除了不同類型的表演活動，更安排《白晝論壇》，特別邀請臺北白晝之夜胡朝聖與法國在台協會文化暨學術交流處長柯柏睿（David Kibler），以及與舞蹈生態系創意團隊藝術總監彭筱茵、法國藝術家安東納·傅黑諾（Antonin Fourneau），分別進行兩場精彩深入的對談分享。另有與Giloo紀實影音共同打造的《GilooＸ白晝 夜夢電影院》，於ATT show box進行6小時不間斷的馬拉松紀錄電影播映！

2019台北白晝之夜 Nuit Blanche Taipei 

時間：10月5日（六）18:00～10月6日（日）6:00

地點：台北市大直、內湖區域

更多活動詳請可洽官網  https://www.nuitblanchetaipei.info/

文字整理：Ian Liu

via 白晝之夜

近年的影視作品中，復古未來主義（Retro-futurism）以懷舊而前衛的姿態反覆現身，它既描繪飛天汽車與銀白城市的烏托邦，也映照冷戰陰影下的焦慮與諷刺。而對漫威美術指導Kasra Farahani來說，這樣的世界構築不只關乎風格與美學，更是一場關於想像力的實驗——在矛盾的時間縫隙裡，為觀眾開啟一個帶有溫度與真實的科幻宇宙。

駕駛著飛天汽車、身穿太空服的人們在飄浮城市的高塔間穿梭；老舊的機器人端著銀色托盤，為顧客送上今日的膠囊餐點⋯⋯。在許多電影裡，我們似乎都曾見過這樣的「未來」。那是一個由金屬與夢想構築的世界，一切閃爍著科技的光澤，卻隱隱流露出懷舊的氣息，甚至帶有幾分荒謬的滑稽。這種看似矛盾的視覺語彙，其實正是復古未來主義最令人著迷的地方——它帶領人們回到那個相信「一切皆有可能」的時代，再次凝視那從未真正被實現的未來。

太空夢、霓虹雨與超級英雄

復古未來主義的美學最早可追溯至20世紀初期的科幻小說與視覺藝術。當時人們見證了飛機、收音機與電視的誕生，對於未來的想像前所未有地樂觀而宏大；進入冷戰時期後，太空競賽更將這股科技信仰推向巔峰，從包浩斯建築到家電廣告，設計語言開始被「太空時代」的形象徹底占據，金屬、流線、圓頂與閃亮的銀白色，成為象徵進步與希望的符號。

然而，隨著80年代個人電腦的普及、冷戰的陰影與能源危機的延續，人們不再仰望太空，而是轉向螢幕與數位世界，也讓過去那些關於科技烏托邦的願景顯得天真而遙遠。在這樣的時代背景下，復古未來主義的概念逐漸興起，成為人們重新理解「過去如何想像未來」的一種文化視角，也成為日後許多電影與設計取材的靈感來源。

雖然復古未來主義起源於對未來的樂觀想像，但當這份願景顯得過於理想化，許多創作者也開始以它構築出一種帶著憂鬱與諷刺的「未來幻象」。在電影《銀翼殺手》（1982）中，日式霓虹、工業廢墟與陰雨都市，交織出一個被科技與記憶腐蝕的世界，人工智慧與複製人的出現，引領觀眾反思人性與存在的界線；而在《巴西》（1985）裡，被管線纏繞的大樓與無處不在的監控看似是荒誕的寓言，實際上卻是對早期科技信仰的深刻反諷。這些作品共同揭示了復古未來主義的另一面——它並非單純的懷舊，而是一面映照人類焦慮與理想的鏡子。

在近10年的影視作品中，復古未來主義也再度崛起。無論是《明日世界》（2015）的懷舊太空城設計、《銀翼殺手2049》（2017）對原作的視覺復刻與延伸，還是《小行星城》與影集《明天會更好！》（2023）中幽默荒誕的科幻敘事，都展現了復古與未來並行的奇異錯置。而隨著漫威電影宇宙的擴張，這樣的風格也被重新詮釋於超級英雄的世界之中。從《星際異攻隊》（2014）的70年代太空歌劇氛圍，到《洛基》（2021）中結合粗獷主義與中世紀現代風格的「時間變異管理局」（TVA），再到今年７月上映的《驚奇４超人：第一步》，皆帶領觀眾投入復古未來主義的無限想像。

《洛基》：一個凍結於過去與未來之間的時空

「我認為復古未來主義的迷人之處，在於那種單純而真誠的驚奇與敬畏感。」Kasra Farahani接受La Vie專訪時說道。作為《洛基》與《驚奇4超人：第一步》的美術指導，Kasra過去也曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》與《阿凡達》等多部作品的製作；他擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象的世界觀化為具體的空間。

在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中，他以混凝土牆面、暗橘色燈光與泛著金屬光澤的控制面板，打造出同時屬於過去與未來的矛盾空間。這些元素融合了粗獷主義與中世紀現代主義，靈感來自建築師Marcel Breuer、Pier Luigi Nervi與Paul Rudolph的結構語彙，以及經典科幻電影《2001：太空漫遊》中對未來秩序的想像，構築出一種彷彿停滯於太空時代的氛圍。

「就像大學或政府機關，在興建或整修時常獲得大量經費，但完成後的數十年間卻幾乎不再改變，整個環境彷彿被凍結在那個時代的瞬間。」Kasra如此形容他對TVA世界觀的思考。從色彩、家具到牆面的材質，機構裡的一切都停留在一個過去的未來之中，就連影集經典角色「Miss Minutes」，也延續了這份時代錯置的幽默：她以50年代美國汽車產業公共宣傳片（PSA）的擬人動畫風格登場，溫柔卻略帶詭異的語調、鮮明的色彩與手繪質感，讓「人工智慧」的形象多了一層懷舊。「在我看來，構築世界觀最重要的原則就是一致性。要思考的是，在那個時空中的人，會如何想像『未來』？」他補充道。

《驚奇4超人：第一步》：一座科幻摩天樓裡的小木屋

如果說《洛基》探索的是時間與秩序的荒謬，那麼《驚奇4超人：第一步》則將復古未來主義推向另一個高峰。這一次，Kasra為一個靈感來自60年代的平行宇宙「地球－828」建構世界：紐約上空飛著汽車，街道閃烁著銀藍光芒，整座城市既現代又帶著古典的浪漫氣息。電影的核心場景「巴克斯特大樓」更是這種氣質的縮影。

「我認為『未來感』最明顯地體現在誇張的室內尺度，以及戲劇性、曲線感強烈的表面與輪廓；但在材質上，我選擇保留那些在當時的普通住宅裡也隨處可見的熟悉元素。」他將這座超級英雄總部重新想像為「頂樓裡的小木屋」，以木質牆面、中央壁爐與下沉式談話區構築出家的溫度，讓觀眾在科幻的未來裡仍能感受到生活的真實。

「我們希望這裡更像『家』，而不只是炫目的豪宅。」Kasra進一步說明，為了營造這份親切感，他選用了中世紀現代主義常見的自然元素，如天然石板、暖色木料與植栽，並搭配金色與黃銅細節，與外部銀白的城市形成鮮明對比。其中最具象徵性的空間之一，莫過於4超人每週共享家庭晚餐的廚房：半球形烤肉架、自動蛋糕轉盤，以及在燈光下閃爍的金屬桌面，都彷彿重現了1964年紐約世博會的未來願景，讓觀眾回到那個充滿希望的年代。

「這是一個關於樂觀與烏托邦的故事，讓我們得以從那些常見的反烏托邦題材中暫時抽離。」

對Kasra而言，美術設計的首要任務是服務於敘事，並支撐每一場戲的情感意圖。「無論借鑑何種美學靈感，只要『故事』是核心考量，最終的設計就會自然成為該故事獨有的風格。」

從《洛基》到《驚奇4超人：第一步》，復古未來主義不再只是懷舊的表象，而是一種以「想像」為核心的創作語言。「我不確定它是不是一種潮流，但它確實捕捉了一個充滿創新的黃金時期。」他認為60年代後大眾文化逐漸轉向悲觀，未來常被描繪為冷酷、荒蕪，甚至被機器統治的世界；而復古未來主義之所以迷人，或許正在於那份帶著浪漫與希望的無限想像。

「我很想創造一個設定在1920年代的『未來』，或一個發生在西元3000年的世界——這兩種想像都充滿挑戰，卻也令人極度興奮，不是嗎？」

Kasra Farahani

伊朗裔美術指導與設計師，現居於洛杉磯。早年學習工業設計，曾於多個設計領域工作，後轉入電影產業。曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》、《阿凡達》等多部作品，並擔任《洛基》與《驚奇4超人：第一步》美術指導，擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象世界觀化為具體場景。

從城市街道到山林越野，跑步是一種跨越世代和文化的共同本能，努力往前奔跑揮汗的姿態，更在某些時刻達到鼓舞人心的能量。以此為想像，英國藝術家Julian Opie的全新LED影像裝置作品《Marathon. Women.》，則讓銀座GINZA SIX的挑空中庭化身為「懸浮空中的跑道」！

作品極具辨識度的Julian Opie，其極簡線條搭配鮮明色彩，強烈簡約風格讓人看過後就印象深刻；其作品靈感來自生活四面八方，從古典肖像畫、埃及象形文字、日本浮世繪，到公共指標與道路標誌等，經由他之手，都能被轉化一件件簡潔明快的視覺創作。

在空中展開一場無止境的馬拉松

本次《Marathon. Women.》同樣依循Julian Opie的視覺語彙，以英國國家田徑代表隊選手為靈感的影像裝置，只見7位女性跑者化為擁有鮮豔色彩與簡潔線條的人物形象，並各自以不同的顏色與速度，在彷彿漂浮於半空中的長方形螢幕上不斷奔馳，形成一場沒有終點的賽跑。

《Marathon. Women.》從人類最原始的肢體動作「奔跑」出發，之所以聚焦此項主題，Julian Opie表示是自己過往在公園拍攝城市行走者時，被跑者穿越鏡頭時自然且富節奏的擺動吸引；當時，他便心想若能將跑者在奔馳的速度、姿勢與細節，提煉為極簡的線條與色彩，應該會是相當有趣的創作。

Julian Opie認為「跑」這個動作深深扎根在人們的本能裡，而GINZA SIX開放挑高的中庭空間，更能將這份動態能量放大，擴散至整個空間；為了讓人們能切實感受跑步的速度感，他選擇讓作品動起來，以長 10 公尺、寬 8 公尺、高 1 公尺左右的 LED 螢幕箱體作為主要架構，搭配有著紅、藍、黃、綠等不同顏色的跑者人物，帶來強烈的躍動感與沉浸式體驗。

裝置作品充分運用 GINZA SIX 中庭的建築特性，當從不同樓層和角度觀賞時，人們的目光很快便能被螢幕上，有著不同色彩的跑者時所吸引，並開始追著某個特定顏色看，在心中默默為目光鎖定的跑者加油打氣，進而對作品產生共鳴互動與新鮮感受。

《Marathon. Women.》預計將一路展出至2026年秋天，有機會造訪銀座的人，不妨走進GINZA SIX，近距離欣賞這場永無止境的空中賽跑。

資料來源｜GINZA SIX