結合美麗自然地景與藝術裝置，近來台灣各城鎮緊扣地方主題的藝術節遍地開花，為創作者提供展演舞台外，也成為地方展現自我的大好機會，活絡當地也一併帶動文化提升和觀光加值等效益。然而藝術節處處有，該怎麼藉由現代藝術揉合在地深厚文化，並梳理成一場令人回味無窮的地景藝術大展，自然是考驗策展團隊的功力。

台三線這條不喧雜也不高速的蜿蜒公路，在時間軌跡裡，文火養出既幽靜又內斂的豐饒。沿途風景中，香氣濃重的曬物，成為亮眼的記號，而隨著首屆「2019浪漫台三線藝術季」的開展，不如開著車子讓我們往內山駛去，緩緩走進每座小鎮，感受人文自然交織的難得風情。將台三線為經，穿龍圳水路與樟之細路為緯，串聯其中的新竹各鄉鎮，則化身「公路」戶外展場，在日光下的公路旁、山野裡、田坎上、圳川中，上演獨具風格的客家文化探訪。

用藝術切入走進小鎮裡的「客家文化」

到訪新竹北埔的這天，鄉民們正為了客家庄一年一度的收冬戲（又名平安戲）努力彩排，擁有170多年歷史的慈天宮廟埕廣場前人潮絡繹不絕，紅磚古厝搭配如迷宮般的屋宅小徑，在某個剎那好像身處現在的我們闖進過往的時空，在寄盼未來到來，也想回望昔日。在浪漫台三線藝術季催化下，山城北埔化身為藝術小鎮，並圍繞著「未來的昔日」主題，邀請15組國內外藝術家，回應在地不同時代脈絡、歷史風景、文化精神進行現地創作，將過往的旋律經驗，轉化成了未來的日常永恆。

之所以將「未來的昔日」作為精神主軸，策展人林怡華表示地方文化是由各種過往節奏交織而成，每個片段與每位人物都將為世代帶來不同的意象，此次沿著北埔生活信仰、水圳脈絡和自然體驗視角出發，採集北埔元素結合聲音、影像及生活物件，展現專屬北埔的客庄文化。過程中藝術家走進北埔客庄，用最殷實且綿密的方式與在地居民對話，並共同參與協作，以藝術拉近人與土地的緊密連結。至於有哪些藝術作品亮點，現在就跟著La Vie齊探索！

《街道敘事》

藝術家：西班牙雕塑家伊薩克·科達爾

地點：北埔老街巷弄

擁有諸多傳統歷史古蹟與廟宇的北埔，拐進蜿蜒的巷弄間，會發覺每個轉角都是不經意卻迷人的風景。而西班牙雕塑家伊薩克·科達爾（Isaac Cordal）正利用地域特性，以迷你人物雕塑創造具生活感的幽默場景，此回他在老街旁設置9座微型雕塑，與北埔在地巷弄內的舊有故事與氛圍對話；其中幾座微形雕塑的人形姿態，描繪一種等待不確定未來的疑惑感，串聯到國際氣候變遷等議題。

《北埔》

藝術家：阮義忠

地點：北埔慈天宮後方巷弄

北埔有著深厚文化底蘊和人文價值，台灣攝影師阮義忠曾在1980至1985年間13次造訪北埔，記錄下珍貴的紀實影像，捕捉人與在地的溫度，傳遞出攝影的生命深度。本攝影系列作品於北埔老屋紅磚牆上展出，帶領觀者穿越時空，比對今昔，感受30多年前竹縣北埔人文之美。

《北方的埔地》

藝術家：澎葉生x蔡宛璇

地點：姜阿新洋樓

北埔深具歷史意義和建築特色的縣定古蹟姜阿新洋樓，曾見證北埔繁榮興盛的茶產歲月，更是連結老北埔人猶存於記憶的漢人開拓史、與淺山原民族群的衝突，以及現代化規模茶葉生產企圖的一頁。由法籍旅台聲音藝術工作者澎葉生與台灣藝術家蔡宛璇共同合作的《北方的埔地》，則以聲音為主要媒介，取材自北埔周邊的聲景，像是大南坑和千段崎一帶的自然環境聲響山歌、在地北管子弟班樂聲、矮靈祭典、茶葉採收和製程等聲響，於洋樓的接待主廳中，撐開一個多點連結的時空。

《砍下一棵油桐樹》

藝術家：黃博志

地點：興城製材廠（北埔郵局旁）

談及客家文化代表，有不少人會直覺與油桐花聯想想，然而油桐其實是非常強勢的外來種植物，甚至會破壞原有林地的生態平衡。藝術家黃博志藉著《砍下一棵油桐樹》重新檢視油桐樹對這片土地的意義，他將作品吊掛在歇業中的製材廠「興城製材工廠」空地上。

在當地建築公社勞動合作社與興城製材廠的協力下，從砍下油桐樹開始，到利用廠房內外既有結構、空間，吊掛起油桐，種種環節都拋出油桐樹在文化、地域、製材，以及對建築公社、興城製材廠，和對我們的真實意義。

《Arc Zero》

藝術家：詹姆士·塔普斯科特

地點：秀巒山公園山徑

環繞北埔小鎮的秀巒山，在地理及精神上保衛擁護著北埔居民，象徵安居的棲息之地。澳洲藝術家詹姆士·塔普斯科特（James Tapscott）透過簡潔的圓環線條，讓作品《零限通道》 （Arc Zero）結合光與水霧裝置，營造如夢似幻的視覺效果，也讓其在自然環境中彷彿時空隧道入口的奇境。

《蝶道》

藝術家：陳勇昌

地點：南外社區蝴蝶橋

南坑村南外社區以「蝴蝶」作為社區精神意象，由村民團結自力營造的生態池，從撿石砌石作步道搭隘寮，以古法整理小南坑溪，並於兩岸遍植蝴蝶蜜源植物，讓蝴蝶可以安心棲息。藝術家陳勇昌汲取在地意象創作《蝶道》，以竹片編織蝴蝶造型的屏幕，設置在生態池橋上方，不僅柔化橋體剛硬的視覺感受，也為登橋民眾遮陽，提供更愜意的觀覽溪流、池中蓮花與翩翩蝴蝶的休憩場域。

《北埔嗅吸之間》

藝術家：蕃薯伯x捕息工作室

地點：南埔番薯伯竹語茶盧

屬於北埔的味道是什麼？《北埔嗅吸之間》在藝術創作者林宛縈所率領的捕息工作室，透過田野調查，向當地住民收集散落在各個時空中的氣味故事，並透過與南埔「竹語茶蘆」創作者蕃薯伯之指導、共製過程，在昔日用於保存食糧的穀倉中創造「嗅吸空間」，兒所蒐集而來的氣味，可能是菜餚裡爆香的肉燥、市場裡瀰漫的梅干味，又或者是知名的膨風茶味，在一呼一吸之間，嗅出廣闊無邊的北埔土地風景。

《時線》

藝術家：劉致宏

地點：南埔100分橋旁堤防

時鐘上的時針與分針、每日交會成一直線並分割成兩個半圓四十四次，出生新竹的藝術家劉致宏希望以「1與0」的符號扣合與百分橋的環境關係互相呼應，以及日/夜、今/昔、時/分等對比共存；順著路走、沿著河岸一字排開的燈光裝置，夜裡將重疊在同一個圓心、如時光隧道般地呈現時間的前進與循環。

本次藝術季活動除將北埔規劃成藝術小鎮外，另一亮點則為配合北埔慈天宮年底修復計畫，以修復作為觀照角度，打造地方信仰中心與公共展演交匯的參觀體驗，疊印出時空轉換的實驗場所。活動期間包含藝術創作，更有主題導覽、藝文導讀、夜訪藝術小旅行、線上遊程等精彩活動，讓大家看見不一樣的北埔故事。

浪漫台三線藝術季｜北埔藝術小鎮「未來的昔日」

時間：2019.10.19- 12.15

地點：新竹縣北埔鄉周邊

更多體驗活動詳情可見官網 https://www.romantic3.tw

 文字｜Ian Liu

圖片提供｜山治計畫

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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