你沒想過與美術館的近距離接觸！臺北市立美術館（簡稱北美館）藝想迴廊全新年度計畫「接近 Closer」登場，由藝術家賴志盛操刀製作，邀請觀眾親臨想像的「池畔」巡遊，倚欄佇足高懸的棧道,以往下眺望的視角，俯覽北美館挑高大廳的一池光景。

賴志盛至今具有多次重要國際參展經歷，曾受邀參與愛知三年展（2016）、里昂雙年展（2015）與倫敦海沃美術館（2012）等大型展覽。獨特的創作語彙圍繞在人造場所、環境與人之間的關係，賴志盛擅長創造帶有場域屬性的非典型日常現實，以極簡的手法介入空間改造，提供觀者關注周遭環境，以及敏銳探索微觀感知經驗之機會。

當三樓高的白色布幕從北美館兩端垂下，近日不少參觀的人們必然有注意到，然而這並非什麼長期維修，而是賴志盛稍稍改造北美館空間的奇想巧思。此次空間計畫名為「接近 Closer」，賴志盛以「繞樑，接近光與風一些」的概念介入空間，將北美館大廳視為一個池子，沿著三樓迴廊的邊緣延伸製作高低不一的平台。靈感來自鳥禽於高處築巢，在特殊的位置打造生存空間；又或是教堂在樑柱或高牆上搭建通道，通往懸在高空的小空間，成為講道或祈福之所，提供人們精神的慰藉。而賴志盛構想的平台，則提供俯視大廳空間、也是光與風來源的視野；促使觀眾產生踮腳或跨越的動作，進而對這原本存在但卻長期不被注意的空間，產生嶄新的感受。

賴志盛以其在英國倫敦海沃美術館「無形，不可見的藝術」聯展中展出的「原寸素描」為基礎，然而在此並非以素描勾勒線條，而是進一步由觀眾接近橫樑或繞過柱子等移動的方式取代鉛筆，行走出建築空間的線性輪廓，以隱性的方式反向強調出建築本身，呈現藝術家獨樹一格的翻轉思考模式。

像是北美館新闢的迴廊，「接近」提供給大眾的視野不僅在平凡中找出不凡，更多了幾分刺激氛圍，當踏出原有的女兒牆空間，像是漂浮在空間中，用帶點超現實視角俯瞰北美館這池藝術泉水，上下迂迴的通道，附著於原有建築體之間，似有似無地製造出人與空間的新關係，裝置模糊了作品與建築體的界線，也以實體廊道映射出光與明暗、封閉與通透間的多種變化。 

藝想迴廊是位於北美館三樓獨特的空間，開放流動的場域特性有別於正式展間的白盒子空間，北美館館長林平指出：「藝想迴廊是一個為了觀眾而存在的空間,探討建築、空間、與人之間不同語言巧妙的相聚，提供民眾參觀美術館時沉澱、互動與交流的場所。觀眾在此不只與藝術相遇，也與自己相遇。」賴志盛的「接近」是一個具有挑戰性的計畫,聚焦於空間的存在性，並企圖重新喚醒觀眾探索周遭環境的能力。

接近 Closer

展期：2020/06/25 - 2021/06/06

地點：臺北市立美術館 三樓藝想迴廊

via 北美館

台北當代藝術館（當代館）是台灣第一座以「當代藝術」為主軸的美術館，值2026年迎接25週年之際，宣布將於2027年起閉館進行長達3年的整修。

宣布暫別觀眾和城市的同時，當代館公開2026年度重點計畫，今年將延續對社區日常風景的探索，並聚焦藝術團體的集體能量、新世代的數位感知、共創實驗、美術館的未來展望等，策劃4檔主題展、1檔街區藝術計畫，實驗策展場域MoCA Studio、MoCA Video也相繼迎來10檔展覽開幕。本篇盤點各展覽亮點！

首檔主題展《凹陷： 我們的團體生活》：看台灣當代藝術團體的聚與散

當代館於2025年推出豪華朗機工個展《宇宙寫生》，引起廣大迴響；2026年延續探討藝術團體共創的脈絡，於1月底推出本年度首檔大展《凹陷： 我們的團體生活》，展覽回顧2000年後台灣當代藝術團體的生成、消散，及其留下的影響。

取「凹陷」一詞作為展名，不僅隱喻藝術團體在台灣藝術史中，短暫卻閃爍的存在狀態，也揭示了個人創作的光芒，時常是奠基於團體生活，藉此探討藝術家在團體／個人、局內／局外等向度之間的流動狀態，並延伸討論當代社會中疏離與親密的雙面性，透過作品讓那些隱而未顯的集體生活經驗得以被重新看見。

《凹陷： 我們的團體生活》

展期｜2026.01.31－05.03

策展人｜簡子傑

參展藝術家｜江忠倫、走路草農／藝團、林純用、涂維政、崔廣宇、郭柏彥 x 李珮瑜、陳以軒、劉秋兒、賴志盛 x 廖建忠 x 國家氧、謝牧岐、蘇育賢、讓豬仔飛

新世代藝術家齊聚，探討當代生存的想像與掙扎

2021年，當代館啟動「青年藝術計畫」，持續為年輕藝術工作者提供實踐與發聲的舞台，今年有2檔展覽即將在5月登場。首先是《Young Folks：世界是一片感知的膜》，其聚焦新世代藝術家如何透過影像與數位技術，及多元媒材的碰撞，回應個人文化經驗與對生命、宇宙的想像。

《Young Folks：世界是一片感知的膜》

展期｜2026.05.23－08.30

策展人｜朱峯誼

參展藝術家｜洪瑞謙、黃紫瑜、黃育晨、黃珮琪、黎家寶、練柏宏

另一檔《記憶的囚徒困境》則探討現代人閱聽世界時的掙扎——如今影像、資料與敘事被高度技術化，且資訊海量繁雜，人們如何在不確定中選擇保存與遺忘？

《記憶的囚徒困境》

展期｜2026.05.23－08.30

策展人｜王叡栩

參展藝術家｜丁常恩、大衛·克拉爾布特 、王芳寧、田子平、李國漢、張庭甄、蔡昱廷、鄭兆恩

當代館團隊策劃！暫別前獻給觀眾與城市的情書

年末壓軸主題展《我們將再見的地方》（暫名），由當代館展覽組策劃，從館內工作者的視角出發，以3個面向回應館舍在整修前夕的變動，並號召觀眾一同想像當代館的未來。 這是一份留給未來的備忘錄，也是一場在暫別之前，當代館向觀眾與城市敞開的溫柔對話。

《我們將再見的地方》（暫名）

展期｜2026.09.19－12.31

策展人｜台北當代藝術館展覽組

參展藝術家｜王詠翔、李奧森、林南宏、林盈潔、陳亮融、黎寧駿等（暫定）

同樣於年末登場的《在場．未完待續》（暫名），則由當代館志工參與創作，在策展人張美陵的帶領之下，將平時在館舍中的觀察與感受，轉化為具體的藝術呈現。比起成果，本展更著重於陪伴、勞動與情感累積的過程，藉此回應藝術與社會參與如何交織出公共價值，並凸顯美術館作為公共文化場域的角色。

MoCA Studio《在場．未完待續》

展期｜2026.11.28－12.31

策展人｜張美陵

參展藝術家｜當代館志工團隊等

街區藝術計畫：探索城市縫隙

每年，當代館都會與社區鄰里合作「街區藝術計畫」，2026年以《是誰躲起來了？》為題，從捉迷藏般的趣味視角切入，引導觀眾在日常風景中，找尋那些悄然躲藏的生命蹤跡。此外，當代館與建成國中的館校合作成果，也將隨街區藝術計畫發表，其由藝術家崔廣宇帶領學生用手機進行影像創作，挖掘平凡日常中令人驚喜的生活副本，回應今日短影音與手機紀錄成為日常表達方式的時代景象。

當代館2026街區藝術計畫《是誰躲起來了？》

展期｜2026.09.25－11.22

策展人｜賴佩君

參展藝術家｜邱翊琪、詹昱筑、林育正、陳依慧、呂妙盈、施姵伃（暫定）

MoCA Studio：聚焦國內外具開創性的實驗藝術創作

為推動具開創性的當代藝術創作，當代館打造「MoCA Studio 當代實驗展場」作為國內外藝術家創作發表的平台。今年2月由印尼藝術家Natasha Tontey個展《陽剛神秘崩解，第二章：她筆下的怪物》打頭陣，展覽以錄像藝術為主線。

Natasha Tontey個展《陽剛神秘崩解，第二章：她筆下的怪物》

展期｜2026.02.07－04.19

4月由蔡咅璟個展《七日談》接力，其以浣熊之死為起點，結合繪畫、影像與陶藝，探討城市中動物界於自然、文明之間的生存狀態。

蔡咅璟個展《七日談》

展期｜2026.04.25－07.05

7月則迎來《野草不服管》群展，展覽從植物的「越界」與「蔓生」出發，藉藝術描繪在邊界收緊的時代中，那些細微卻連綿的生命抵抗。

《野草不服管》群展

展期｜2026.07.11－09.20

策展人｜陳斯吟

參展藝術家｜蘇詠寶、梁祐寧、陳郁文、石孟鑫、吳瑋庭

MoCA Video：讓我們把時間交給影像

當代館的「MoCA Video當代影像聚場」為推動影像藝術創作而生，今年將有多檔精彩展演於館舍廣場電視牆輪番展出，其中台灣創作者們將帶來《24/7 全年無休—錄像游擊隊個展》揭示消費社會中的視覺權力，模糊藝術與廣告之間的界線；《見鏡非鏡—江定思個展》以書信形式連結不同地域，探討記憶與理智的建構；《叢前叢前—黃怡嘉個展》以幽默而荒謬的影像語彙，回應當代人面對身分、焦慮與生命課題的共同經驗。

MoCA Video《24/7 全年無休—錄像游擊隊個展》

展期｜2026.01.03－03.01

MoCA Video《見鏡非鏡—江定思個展》

展期｜2026.03.07－05.03

MoCA Video《叢前叢前—黃怡嘉個展》

展期｜2026.09.12－11.08

另有多檔精彩的跨國合作呈現，包含與哥倫比亞波哥大現代美術館聯手帶來的《We Flickered In and Out of History》，以地質與歷史交錯的影像敘事，回望邊界、主權與被遺忘的時間層次；《境未竟》由香港策展人李曉婷策劃，將風景、歷史與個人經驗轉化為感知碎片。此外，當代館也與「2026關渡國際動畫節」串聯，齊步推動國內外的動畫創作與影像視野。

MoCA Video《We Flickered In and Out of History》

展期｜2026.05.09－07.05

MoCA Video《境未竟》

展期｜2026.07.11－09.06

策展人｜李曉婷

《2026關渡國際動畫節 X 台北當代藝術館－藝術串聯計劃》

展期｜2026.11.14－12.13

白，是色彩的盡頭，也是萬象的起點。而紙在東西方藝術史中，一直是自由的創作場域，它被書寫、被描繪、被剪裁、被撕折、被雕塑，經由無數文化反覆試驗，成為最能容納精神深度的材質之一。以白為題、以紙為材，《白境—紙的三人展》現正於台北藝廊Bluerider ART展開。

《白境—紙的三人展》集結安格拉·格拉札（Angela Glajcar）、湯嘉欣、曹吉岡之作，看背景橫跨東西方、壯中青3代藝術家，如何善用不同紙質的特性，揉以各自獨特的創作視野，透過傳統山水畫技法、手撕紙、刺紙等技巧，展現紙的柔韌、質樸與包容性。

當紙化為空間，昇華為精神哲思

回歸紙的本質——白、光、纖維、呼吸，《白境—紙的三人展》以最克制的方式，將紙的輕盈與思想的重量推向極致。在此，紙在3位參展藝術家手中，不再只是被書寫的平面媒材，而有了深度、化為空間，更成為一種純淨的精神狀態。步入展場，你將能看見紙的柔韌、纖細、破碎與重生，也能感受紙的纖維、質地與留白如何幻化為一種「思想語法」，在藝術家的巧手和巧思催化下，成為沈潛、記憶與精神的隱喻。

探索不同紙材與藝術技法的碰撞

從徽紙、工業紙、韓紙到綿紙，3位藝術家利用不同紙材的特性，揉以自身獨特手法——如安格拉·格拉札紙雕中的「撕裂」、湯嘉欣的新興「刺孔」方法、曹吉岡的傳統山水三遠法之「層疊」，為紙賦予饒富意趣的結構、光影與質地，不僅展現材質的柔韌與靜謐之美，也共築了紙的「形而上之境」，讓紙成為能量、安定與張力的交會點。

安格拉·格拉札｜紙雕的撕裂與重構

來自德國的格拉札，擅長透過手工撕紙，將特殊德國重磅工業紙轉化為雕塑性的構圖。她的作品充滿力量與矛盾，利用撕裂的邊緣、層疊的結構，探索「破壞」與「重生」的哲學，藉此映射人類生存的脆弱性，也暗示了個體如何在創傷中尋找新的平衡與力量。

格拉札創作時，每一次撕裂都是一種意圖、一種記憶的痕跡。她用這些不規則的形態重塑新的秩序，呈現出超越物理形式的精神象徵。她讓白色與光影成為詩意的空間書寫者，讓破碎變成秩序，讓脆弱變成堅強，使紙在斷裂中獲得新的深度與呼吸。

湯嘉欣｜反覆「刺紙」是精神沈澱的過程

作為《白境》展覽中最年輕的藝術家，來自中國的湯嘉欣以獨特的「刺紙」技藝帶來新穎的藝術表達。她使用厚綿紙，以細針挑起紙張纖維，在極微小的穿刺過程中建立冥想般的創作節奏。在不斷重複同一動作的創作過程中，藝術家賦予紙張極高的細膩度，同時也讓「脆弱」成為一種有力的表現。她的作品宛如一張被雕刻的時間之網，使反覆變成節奏，每一個微小的刺孔，都蘊含著時間的累積、精神的沈澱，以及對脆弱與堅韌並存的詮釋。

曹吉岡｜傳統山水與當代結構結合

從中國傳統水墨，到改良源自西方文藝復興的「坦培拉蛋彩畫」技法，畫出溫潤如玉的東方山水——中國藝術家曹吉岡描繪大自然之作，始終在東西方的藝術語言之間找尋平衡。在《白境》展覽中，曹吉岡以安徽百年宣紙為媒材創作，他將中國傳統山水畫中的「三遠法」（高遠、深遠、平遠）與當代藝術的結構美學結合，讓紙張從平面延展至立體層次。

曹吉岡將宣紙剪裁、疊加、拼接，運用抽象的、理性的、幾何化的符號圖形，來詮釋感知的、美學的、模糊易變的「三遠」式空間觀念，即「高遠的突兀」、「深遠的重疊」、「平遠的沖淡」。一系列3張作品中運用了多種不同白色的宣紙，盡量保留紙張在製作過程中自然留下的不規則邊緣，使之成為畫面中的主要造型元素，充分尊重紙材本身的表現力，將人為的介入降到最低。

《白境—紙的三人展》是一場關於白、關於紙纖維、關於呼吸的展覽，邀請觀者用最細微的層次閱讀紙，讀它的脆弱、重量、色光與寧靜。3位藝術家以各自的語言，把紙從日常的頁面，推向無聲的哲思之境。這裡的白，是時間的白、思想的白，也是靈魂在世界中為自己打開的一道光。

《白境—紙的三人展》

地點｜Bluerider ART 台北·敦化

地址｜台北市大安區敦化南路二段 77 號 

開放時間｜週二至週日 10:00－18:30