訪問時，發現陳彥安的全身曬得黝黑，像連續去了一個月的海上衝浪一樣。事實上，他的確親近大海，但並非玩樂，而是為了工作。他的工作是擔任「2020基隆潮藝術」的策展人。

陳彥安原本從事設計。2013年和夥伴共同創立設計品牌，但工作一陣子後，他開始思考，在產品設計的領域之外，自己的專業是否能有更多的影響力？是否能對社會對人有更多實質上的幫助？

為了解惑，他於2015年前往荷蘭恩荷芬設計學院（Design Academy Eindhoven）主修社會設計，學習用另一種角度思考，並在過程中接觸了策展。「策展其實也是一種設計。傳遞訊息不見得要靠消費，也可以是體驗。而策展對我來說，就是給大家這樣一種體驗。」他說。

2017年，他自薦成為荷蘭艾恩霍芬考古學博物館（Erfgoedhuis）首位跨國策展人，將館藏的科學繪圖重製成立體物件，訴說物件細節蘊含的故事，告訴大眾看似嚴肅的考古機構，一直從事的其實是很有意義和趣味的工作，一週內便吸引兩萬人參觀。

打造反映地域日常的藝術祭品牌

「藝術的創作應該要有更不一樣更自由的姿態，這是做為地區型藝術季可以供給創作者的養分，也是進入美術館型藝術殿堂前，藝術家可以練習向環境與人學習的機會。」宜東文化執行長羅健毓表示，基隆潮藝術已經在當地舉辦多年，基隆文化局一直希望能有清晰的定位，去年（2019）由宜東文化承辦，透過共同討論後確立潮藝術的個性，不需要去仿效美術館或雙年展，而是一個面向大眾、擁抱整座城市的慶典，又推出「海上美術館」等亮點展區，引起不少關注，才讓這塊藝術季品牌開始變得鮮明。

宜東文化邀請具有相同想法，甫自荷蘭返台的陳彥安，成為「2020基隆潮藝術」的策展人。

「潮藝術的品牌一旦形塑，就能成為全台獨具特色的親海藝術平台，不一定需要靠有名的學術策展人、或知名藝術家來拉抬。基隆可以更有信心，透過每年的潮藝術，凝聚更多能掌握地域關係、充滿能量與創意的創作者來發揮。」羅健毓說。

去年已經讓大家眼睛一亮，今年必須更進一步強化和地方的關係──這不僅是文化局的期待，也是宜東文化真正想做到的事。不要從它地移植作品，而是讓整場展覽由地方「長」出來。也因為如此，羅健毓認為陳彥安是策展人的不二人選：一方面他重視實用層面的設計背景與旅歐資源，和長期耕耘台灣當代藝術領域的羅健毓，剛好可以互補；另一方面，除了琢磨策展論述與紙上談兵，陳彥安更看重親自「下海」和藝術家一起工作。被曬黑的肌膚也是這麼來的，藝術家進駐當地多久，他也跟著進駐多久。

▲ 宜東文化執行長羅健毓（左）和「2020基隆潮藝術」策展人陳彥安（右）。羅健毓誇讚陳彥安是「非典型的策展人」，不是學院派出身的他，以很「街頭」的方式全程參與籌備過程中，與藝術家、在地單位的互動溝通也有很多討論的空間，很彈性。陳彥安笑說和當地人搏感情真的不簡單，只能靠一次次的拜訪來讓當地人信任並開啟合作。（攝影◎楊峻翔）

創作，從認識當地開始

然而，「走入地方」乍聽浪漫，卻不是容易的事。比起台灣近年其它的大地藝術祭，多發生在離生活圈有一段距離的曠野或廣場，「2020基隆潮藝術」的展區正濱漁港，幾乎和在地每日的生活與工作範圍貼合，再加上漁港周邊土地的管轄權屬於漁會與產發處，想去「別人家裡辦活動」，大量的溝通和搏感情，便成為重要的功課。

於是陳彥安和宜東文化團隊陪著藝術家，先從里長開始，透過介紹，逐一拜訪周圍的工廠和居民。一次吃閉門羹，就再去兩趟、三趟，努力聊天，讓對方知道他們真心想辦好展覽。像這次為了在阿根納造船廠，製作全台最大的船型光雕作品，造訪了旁邊的船廠，起初對方忙於工作不願理會，最後老闆卻分享非常多船廠的故事和知識。「很多這種資料是沒有的，必須靠當地耆老口述，我們才會知道。」羅健毓說。

另一位墨西哥籍藝術家Lua Rivera，對海膽有興趣，便帶他一起去水產養殖所、海科館，又拜訪80幾歲的海女阿嬤，了解當地人採集海膽的方式。陳彥安笑道，儘管一般認為「靠海吃飯」的人們比較「悍」，但相處之後，會發現他們很真性情，同時也為自己的工作驕傲。至於「走入地方」雖然辛苦，但在荷蘭受的也是這樣的訓練，所以也不覺得苦了。「更何況，」他說，「很多事情你只有真的做了才知道。」

▶2020「基隆潮藝術」彩虹泡泡、阿根納造船廠光雕等15組作品亮點

居民也有感，才算成功

藝術家從基隆汲取靈感，並使用在地物件創作，使「2020基隆潮藝術」像一面鏡子，讓外界看見基隆，也讓當地居民看見自己。

例如藝術家楊水源，觀察到在地人習慣自行改造五金，包括魚鉤、漁網的鐵鍊等，遂打造一台名為「正濱五金」的攤車，陳列這些大智慧小物件，還搭配放送如電台廣播一般，關於物件的訪問。另一位創作者陳穎亭，蒐集工作手套，利用鐵鏽染的方式，將各種工具接觸手套的部位染色，凸顯每日的勞動狀態。曾奪下臺北美術獎首獎的王煜松，則利用港邊空地，將海港回收而來的保麗龍箱等，堆疊成如基隆地貌般幾何丘陵，讓來訪的人們以不同的姿態感受城市的聚散。呼應本屆主題「海的一日」所想表述的概念：從白晝到入夜，基隆港邊都有樸實而美麗的畫面值得發掘。

「這是一個當地人可以有感的展覽。我們希望作品down to earth，當地人看到，會覺得這和自己的生命經驗有關。」比起做一檔「漂亮」大展，陳彥安和宜東文化更在意是否連結在地。讓藝術走進生活，發現平日所做的事也有詩意的一面，聽起來磅礡的海洋藝術祭，其真諦或許便存在於這樣微小的日常反饋也不一定。

2020 基隆潮藝術：海的一日

展覽時間｜2020 / 9 / 25 (五) ─ 2020 / 10 / 11 (日)

展覽地點｜正濱漁港周邊、阿根納造船廠、校官眷舍　

指導單位｜文化部

主辦單位｜基隆市政府、基隆市文化局

執行單位｜宜東文化創意有限公司

策展人｜陳彥安

參展藝術家｜丁建中、于安如、王煜松、木罐子設計製作、步里赫森、星濱山共創工作室、陳穎亭、楊水源、詹喬鈞、Lua Rivera、MargotG uillemot、Martens & Visser

特別邀請｜吳天章

FB「基隆潮藝術」

文／歐陽辰柔 

攝影／張藝霖 、楊峻翔

圖片提供／宜東文化

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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