2020基隆潮藝術的策展美學！窺探如何打造讓當地人有感的海洋祭典

訪問時，發現陳彥安的全身曬得黝黑，像連續去了一個月的海上衝浪一樣。事實上，他的確親近大海，但並非玩樂，而是為了工作。他的工作是擔任「2020基隆潮藝術」的策展人。

陳彥安原本從事設計。2013年和夥伴共同創立設計品牌，但工作一陣子後，他開始思考，在產品設計的領域之外，自己的專業是否能有更多的影響力？是否能對社會對人有更多實質上的幫助？

為了解惑，他於2015年前往荷蘭恩荷芬設計學院（Design Academy Eindhoven）主修社會設計，學習用另一種角度思考，並在過程中接觸了策展。「策展其實也是一種設計。傳遞訊息不見得要靠消費，也可以是體驗。而策展對我來說，就是給大家這樣一種體驗。」他說。

2017年，他自薦成為荷蘭艾恩霍芬考古學博物館（Erfgoedhuis）首位跨國策展人，將館藏的科學繪圖重製成立體物件，訴說物件細節蘊含的故事，告訴大眾看似嚴肅的考古機構，一直從事的其實是很有意義和趣味的工作，一週內便吸引兩萬人參觀。

打造反映地域日常的藝術祭品牌

「藝術的創作應該要有更不一樣更自由的姿態，這是做為地區型藝術季可以供給創作者的養分，也是進入美術館型藝術殿堂前，藝術家可以練習向環境與人學習的機會。」宜東文化執行長羅健毓表示，基隆潮藝術已經在當地舉辦多年，基隆文化局一直希望能有清晰的定位，去年（2019）由宜東文化承辦，透過共同討論後確立潮藝術的個性，不需要去仿效美術館或雙年展，而是一個面向大眾、擁抱整座城市的慶典，又推出「海上美術館」等亮點展區，引起不少關注，才讓這塊藝術季品牌開始變得鮮明。

宜東文化邀請具有相同想法，甫自荷蘭返台的陳彥安，成為「2020基隆潮藝術」的策展人。

「潮藝術的品牌一旦形塑，就能成為全台獨具特色的親海藝術平台，不一定需要靠有名的學術策展人、或知名藝術家來拉抬。基隆可以更有信心，透過每年的潮藝術，凝聚更多能掌握地域關係、充滿能量與創意的創作者來發揮。」羅健毓說。

去年已經讓大家眼睛一亮，今年必須更進一步強化和地方的關係──這不僅是文化局的期待，也是宜東文化真正想做到的事。不要從它地移植作品，而是讓整場展覽由地方「長」出來。也因為如此，羅健毓認為陳彥安是策展人的不二人選：一方面他重視實用層面的設計背景與旅歐資源，和長期耕耘台灣當代藝術領域的羅健毓，剛好可以互補；另一方面，除了琢磨策展論述與紙上談兵，陳彥安更看重親自「下海」和藝術家一起工作。被曬黑的肌膚也是這麼來的，藝術家進駐當地多久，他也跟著進駐多久。

▲ 宜東文化執行長羅健毓（左）和「2020基隆潮藝術」策展人陳彥安（右）。羅健毓誇讚陳彥安是「非典型的策展人」，不是學院派出身的他，以很「街頭」的方式全程參與籌備過程中，與藝術家、在地單位的互動溝通也有很多討論的空間，很彈性。陳彥安笑說和當地人搏感情真的不簡單，只能靠一次次的拜訪來讓當地人信任並開啟合作。（攝影◎楊峻翔）

創作，從認識當地開始

然而，「走入地方」乍聽浪漫，卻不是容易的事。比起台灣近年其它的大地藝術祭，多發生在離生活圈有一段距離的曠野或廣場，「2020基隆潮藝術」的展區正濱漁港，幾乎和在地每日的生活與工作範圍貼合，再加上漁港周邊土地的管轄權屬於漁會與產發處，想去「別人家裡辦活動」，大量的溝通和搏感情，便成為重要的功課。

於是陳彥安和宜東文化團隊陪著藝術家，先從里長開始，透過介紹，逐一拜訪周圍的工廠和居民。一次吃閉門羹，就再去兩趟、三趟，努力聊天，讓對方知道他們真心想辦好展覽。像這次為了在阿根納造船廠，製作全台最大的船型光雕作品，造訪了旁邊的船廠，起初對方忙於工作不願理會，最後老闆卻分享非常多船廠的故事和知識。「很多這種資料是沒有的，必須靠當地耆老口述，我們才會知道。」羅健毓說。

另一位墨西哥籍藝術家Lua Rivera，對海膽有興趣，便帶他一起去水產養殖所、海科館，又拜訪80幾歲的海女阿嬤，了解當地人採集海膽的方式。陳彥安笑道，儘管一般認為「靠海吃飯」的人們比較「悍」，但相處之後，會發現他們很真性情，同時也為自己的工作驕傲。至於「走入地方」雖然辛苦，但在荷蘭受的也是這樣的訓練，所以也不覺得苦了。「更何況，」他說，「很多事情你只有真的做了才知道。」

▶2020「基隆潮藝術」彩虹泡泡、阿根納造船廠光雕等15組作品亮點

居民也有感，才算成功

藝術家從基隆汲取靈感，並使用在地物件創作，使「2020基隆潮藝術」像一面鏡子，讓外界看見基隆，也讓當地居民看見自己。

例如藝術家楊水源，觀察到在地人習慣自行改造五金，包括魚鉤、漁網的鐵鍊等，遂打造一台名為「正濱五金」的攤車，陳列這些大智慧小物件，還搭配放送如電台廣播一般，關於物件的訪問。另一位創作者陳穎亭，蒐集工作手套，利用鐵鏽染的方式，將各種工具接觸手套的部位染色，凸顯每日的勞動狀態。曾奪下臺北美術獎首獎的王煜松，則利用港邊空地，將海港回收而來的保麗龍箱等，堆疊成如基隆地貌般幾何丘陵，讓來訪的人們以不同的姿態感受城市的聚散。呼應本屆主題「海的一日」所想表述的概念：從白晝到入夜，基隆港邊都有樸實而美麗的畫面值得發掘。

「這是一個當地人可以有感的展覽。我們希望作品down to earth，當地人看到，會覺得這和自己的生命經驗有關。」比起做一檔「漂亮」大展，陳彥安和宜東文化更在意是否連結在地。讓藝術走進生活，發現平日所做的事也有詩意的一面，聽起來磅礡的海洋藝術祭，其真諦或許便存在於這樣微小的日常反饋也不一定。

2020 基隆潮藝術：海的一日

展覽時間｜2020 / 9 / 25 (五) ─ 2020 / 10 / 11 (日)

展覽地點｜正濱漁港周邊、阿根納造船廠、校官眷舍　

指導單位｜文化部

主辦單位｜基隆市政府、基隆市文化局

執行單位｜宜東文化創意有限公司

策展人｜陳彥安

參展藝術家｜丁建中、于安如、王煜松、木罐子設計製作、步里赫森、星濱山共創工作室、陳穎亭、楊水源、詹喬鈞、Lua Rivera、MargotG uillemot、Martens & Visser

特別邀請｜吳天章

FB「基隆潮藝術」

文／歐陽辰柔 

攝影／張藝霖 、楊峻翔

圖片提供／宜東文化

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

Longchamp x Caroline Hélain首發膠囊系列重磅登場！延續2026秋冬系列品牌創意團隊所發想的「Creative Curiosity」概念，此次全新聯名服飾、配件及包袋特別攜手比利時藝術家Caroline Hélain，以9幅採用手裁布料層疊而成的岩礦地景，激發人們的探索欲與創意好奇心。隨本篇認識這位創作遊走於具象與抽象之間詩意地帶的當代視覺藝術家，同場看該系列從T恤、絲巾、托特包到旅行包等「自然系」單品設計亮點。

永續與創新，無疑是當代設計兩項不容忽視的重中之重。向來秉持真誠活力與樂觀精神的Longchamp，自1948年憑製作皮革煙斗起家至今，已然發展成為產品涵蓋旅行配件、包袋、服飾、眼鏡及鞋履等豐富類型的全方位生活風格品牌。2026年，Longchamp進一步將其社會責任與環境承諾制度化，透過取得B Corp™企業認證，嶄露不懈推動永續生產的決心。

與此同時，針對自家商品設計與時下藝術脈動的結合，Longchamp亦不遺餘力；舉凡數度攜手多元藝術家推出聯名系列、連年攜各式挑戰工藝邊界的創意家具進軍米蘭設計週，比比皆是實例。本季，品牌懷抱感性與好奇心，首度與比利時視覺藝術家Caroline Hélain展開合作，轉化藝術家所縫製細膩且富有層次的獨特地景為服裝與皮件圖樣，從而以滿含詩意的跨領域對話再次印證：作為Longchamp成立70餘年來的創作核心，廣義「藝術」及其多元表現形式始終扮演品牌旗下一切設計的關鍵角色，深度聯繫著創意團隊對長遠未來的嚮往心情，以及品牌受眾對嶄新視野的開放態度。

▼ Longchamp日前落地台北的2026秋冬系列發表會，於現場構築一座沉浸式畫廊展陳單品

在藝術與實驗之間——認識藝術家Caroline Hélain：

以手裁布料為基礎，描繪光影下別具生命力的自然形態

視覺藝術家Caroline Hélain現居比利時布魯塞爾，兼於布魯塞爾藝術學院進行研究工作，藉交流與實驗持續拓展藝術視野。大都汲取靈感自植物與自然景觀，其作品發跡於手工裁剪和塑形的布料，並經不同材質與色調層層拼接構成，各細節組成脈絡可謂遊走在觀察與記憶、具象與抽象地帶。尤其擅長以細膩視角感知周遭的她，且多運用風景、材質與視覺感官的連結，重新詮釋記憶中的景象；從色彩相互映襯的節奏、線條交織產生的律動、各層布料擁有的共鳴，乃至自由縫製所勾勒出的線條語彙，全是成就Caroline Hélain標誌性風格的有形與無形符碼。除從事個人創作外，她也通過工作室及文化機構舉辦的工作坊，分享自身於縫紉和刺繡領域的專業知識與實務經驗。

針對此次聯名，Caroline Hélain表示，「我的藝術創作存在於具象與抽象之間。與Longchamp的合作，讓我有機會將作品中的自然景致化為可穿戴作品。我所描繪的地平線能隨身形流動，以環繞整體輪廓，這對我而言別具深刻意義。」細賞她精心打造的系列單品，時有一座沙丘、一片峭壁，抑或一道天際線浮現，恰似幀幀被解構後重新拼湊的風景畫。

專屬創作躍然多元單品，邀你穿戴探索未知風景

Caroline Hélain共為Longchamp 2026冬季系列構思9幅專屬地景，各幅作品一方面以細緻的織紋肌理和色彩層次堆疊與品牌單品本身線條有所呼應的柔和意象，另方面而言亦借力於Longchamp精湛製衣與鞣革手法的二度演繹，躍然服飾配件之上。

首先，Daylong系列皮革包袋善用多層次拼接再現藝術家的地景創作，並由Longchamp工坊匠人悉心縫製，盡展品牌工藝底蘊。包型部分提供迷你包與旅行包兩種，邀人們踏上探索未知風景的旅程。

再者，鮮明的色彩構圖同步渡上毛衣與長洋裝，使多款服飾彷彿點綴流動壁畫般自帶生命力。其中最具代表性與辨識度的無袖背心，揉合皮革與初剪羊毛圈紗材質，描繪沙丘和模糊天際線交會的壯麗景觀，實踐藝術與工藝的精妙平衡。

最後，Longchamp遊牧風格衣櫥內所收藏的絲巾、喀什米爾方巾、口袋飾以地景圖樣的T恤，和Le Pliage系列棉質帆布托特包等單品，無一不讓人一眼即識Caroline Hélain的創作。色彩部分選用橄欖綠、薊花紫、焦糖褐與芭蕾粉等富有礦石質地的大地色為主調，帶出自然沉靜的秋冬氛圍。

「每一季，我都熱衷於發掘不同領域的創意人才。我初次看到Caroline Hélain的作品時，不僅被她細膩的藝術感知所吸引，也深深著迷於她精湛的創作技法。這兩種特質恰好呼應Longchamp一直以來重視的創意探索精神與工藝底蘊，因此便順理成章地促成此次合作。」——Longchamp創意總監Sophie Delafontaine