編舞家黃翊X周書毅首次同框對談！我們在做的事已經超越編舞

周書毅在創作中追求肉身極限，黃翊則展現強大的科技氣場，10 多年來幾乎從未同框，如今正為新作品如火如荼的衝刺，分秒都太寶貴，能相約一塊，兩人直呼「歷史性的一刻」。

黃翊新作《小螞蟻與機器人咖啡小酒館》演出過程中，有3位觀眾可以扮演「店員」，「他們要前半小時報到，換上制服、進行員工訓練，學習如何跟小庫卡一起泡咖啡以及製作餐點。」沉浸式體驗能有效抓住觀眾目光，讓藝術更加貼近日常；周書毅也有方法，回顧過往舞蹈旅行計畫，「那時就覺得在街上相遇是相對比較自然的事。」爾後曾有100天都在公園排練，「叔叔阿姨打拳我們跳舞，參與彼此日常之後，他們不會認為我們在這裡是做一件奇怪的事。」如今推出新作品《阿忠與我》，也是希望和社會產生更多互動與漣漪。

Q：新作品的核心概念是什麼呢？期待觀眾從中產生的反思與回饋又是什麼？

周書毅：今年TIFA首演的《阿忠與我》是我和資深劇場工作者鄭志忠的共創作品，他現在51歲，身體強度驚人，最近我們在排練，每天早上他都會兩手騰空倒立，我掉下來之後他都還沒掉下來，哈哈。我們是2018年認識的，當時是我主動與他聯繫，問他有沒有機會一起動一動，於是相約牯嶺街小劇場3樓暖身練習，跟他的身體互動過程中，發現我們兩個的「中心」完全不同，剛開始認識阿忠的身體重心時，我常常不小心就推倒他，或是我被他的重量壓住，因為對於彼此身體的差異還不了解。後來固定每月一約，直到一年後在驫舞劇場的邀約之下、與他合作身體即興，發現我們的身體已經沒有強弱、不平等的關係了，才出現共創的想法。我發現這個「忠」字很有趣，等於「中」和「心」，這世界究竟是以什麼為中心？如果阿忠是阿忠，而阿忠也象徵社會上某些邊緣族群，那我們跟這個中心的距離是什麼？這時候我就不一定是周書毅了，而是代表每個人，試圖提出反思。

黃翊 ：《小螞蟻與機器人咖啡小酒館》是機器人和人類一起在城市開咖啡小酒館的故事，希望有機會變成台灣第一個定目劇，而會有這個想法，也是因為發現每當《黃翊與庫卡》巡演時，各國的觀眾、策展人、劇院總監常詢問我，是否有改編為定目劇的可能性？定目劇是一個城市的文化指標，我認為台灣的時間點應該到了。定目劇的觀眾群不能太單一，結合餐飲的目的也是想讓更多人能容易地連結到他們的生活經驗，進而走進來，在熟悉的情境下感受表演藝術，像是作品中「微型花園」餐點製作橋段，店員和小庫卡會隨著音樂，慢慢地一起在盤子上面鋪土、造林、開花，小花園慢慢地長大，接著疊起兩張烘焙紙、在手中變成蝴蝶，隨著小花園被推出去，10多隻蝴蝶也一起飛出來，最後優雅散落，那樣的畫面就會讓人覺得，哇∼真的有辦法把一道菜變得這麼美，藉此讓觀眾思考，無論是你平常吃飯或做任何事情，都有空間在腦中建構出更豐富的可能。

Ｑ：表演藝術如何走向生活？

黃翊：假設家長今天想帶小孩去一個地方，希望不僅有遊樂園這個選項，如果看一場表演呢？在小螞蟻的親子場演出中，我會說「我最好的朋友是庫卡」，這時小朋友會發現「有一個人的朋友是機器人耶」，進而預先想像未來的樣貌；或者以配樂為例，我認為其實小朋友和大人聽的音樂是差不多的，所以選樂時並沒有特別往兒歌方向，而是以古典樂中相對較為甜美的胡桃鉗作為開場，後面再進入爵士與其他古典樂曲。如果現在是教條式地跟你說「藝術很重要」你一定會覺得「好煩喔，好像因為你覺得我不夠好，所以才要我去接觸藝術。」反而現在這些訊息都埋在很美的過程裡了。

周書毅：說到小孩，今年忙完《阿忠與我》後，明年蠻想走入小學的，因為我在思考，要是孩子從小就看見阿忠叔叔這樣的身體狀態，或許就能扭轉社會許多刻板印象。像我們上次去永樂市場做宣傳，我推著阿忠表演，推一推小朋友就過來問：你為什麼坐在上面、我也要推推看。這兩年因為跟阿忠工作的關係，開始了解到所謂弱勢族群，不只是金錢上的弱勢這麼單純，一個社會或一個藝術家究竟能給予什麼樣的幫忙？

Q：馬不停蹄的你們，接下來有什麼計劃？

黃翊：我有一項幫助年輕舞者進入產業的「黃翊工作室+EDU計畫」，因為即便你再有才能，如果不知道如何寫企劃、編預算，別人其實也無法認識你；這是很重要的能力，但學校通常不會教，所以我就將自己的經驗錄成影片放上網，今年剛好滿3年，明顯感受到效益，因此有了「舞蹈之家」的計畫，在松菸以兩週一堂實體工作坊的形式，針對舞蹈藝術工作者進入產業所需技能進行輔導，有點像孵化器的概念，針對有潛力的藝術家進行長期的品牌扶植。每週我們將會開放一堂暖身課，讓Freelance專業舞者申請上課，不需任何費用，目的是讓他們能持續身體的訓練，他們在教室中會認識彼此，互動交流後自然將可能產生合作的想法，這很容易發生，因為我自己以前也是這樣，這時他們和我提案，再評估是否需要後續支援。

周書毅：我想要好好地去南部熱一下，從去年開始成為衛武營駐地藝術家後，發現高雄Freelancer很少，明顯感受南北失衡的現象，所以計劃7∼10月開設一週一次的工作坊，想把感受到的失衡困境轉化成創意的meeting，聚集台南、屏東等地的藝文專業者，至少做個四季，希望最後能製造一個平台給他們呈現。我的衛武營藝術家身份會到2022年，但其實想要再待更久，過去這10年我一直習慣移居創作，每做一個作品都是整個把房子退掉、然後住過去，我想這和自身性格有很大關係，好像我沒去那裡就創作不出來。經過這幾次南下高雄觀察，很想長住那裡碰撞一些新想法，而不是原封不動把在台北的計劃帶下去，也不急著做新作品，可以先從梳理高雄歷史開始，或者練一下台語，高雄也有很多像公園那樣的開放空間可以跳，先去跳了再說。

黃翊：我們兩個到現在這個階段，不再只有專注於個人創作，像書毅到高雄也是對環境進行一些改造，希望一切努力可以不要只停留在劇場和觀眾席之間，變成到劇場外更多一些，近年無論是盲人觀眾的口述影像、教育推廣、或接下來的計劃，都希望藝術可以真正幫助到更多的人。

周書毅：兜一圈又回到身障族群的「中心」問題，一場演出可能只有兩位聽障者，那開場前是否需要為他們準備額外服務？劇場和文化平權的距離是什麼？藝術如何和所有人都擁有對等關係，而不是你有、我沒有？

黃翊：許多較困難的社會議題從藝術的角度來切入推廣，最容易發揮成效，因為會接觸藝術的人，他的觀念、條件都會比較開放一些，包容性也比較大，藝術是一個相對友善的環境，大家接觸藝術，都是為了探索更理想的觀念與可能性，這就是藝術的力量。

周書毅：對，藝術的力量！就算是平常不會接觸藝術的人也沒關係，我們就邀他去咖啡廳或公園，也是可以看到我們喔，很容易找得到我們的（笑）！

Info｜

黃翊

黃翊工作室＋創立於2010年，2015年轉換為全職編制，為台灣第2個全職職業舞團，作品中可見高度科技研發比例，長年國際巡演，曾獲邀赴美加、歐陸、亞洲、澳洲近20國，為台灣唯一3度獲得國際表演藝術協會（ISPA）「年度最受矚目十大新作」肯定的團隊。

周書毅

編舞家、舞者。近年編創作品聚焦叩問生命的價值，反映個人或群體在不同社會脈絡下的狀態，提出「屬於亞洲的身體語彙」，並以劇場、非傳統劇場、舞蹈錄像等形式呈現；積極嘗試不同的創作方法，持續探索與其他創作媒材合作的可能。編創作品《Break & Break！無用之地》於2019年獲台新藝術獎表演藝術獎。

演出資訊｜

《阿忠與我》

04.23∼25｜兩廳院實驗劇場

08.13∼14｜台中國家歌劇院小劇場

09.04∼05｜衛武營國家藝術文化中心戲劇院

《小螞蟻與機器人咖啡小酒館》

05.07起每週演出 10 場，週六日下午為親子場，週五六日晚間為一般場｜松山文創園區東向製菸工廠2樓

文｜曾智怡

攝影｜林政億、譚震洋 

圖片提供｜周書毅、黃翊、衛武營國家藝術文化中心　

服裝提供｜PROJECTbyH

更多設計風格解析與精彩內容，皆在La Vie 2021/4月號《設計風格怎麼來？》 

現正於台北展出的「波特羅特展」，為拉丁美洲藝術家費爾南多・波特羅（Fernando Botero）首度在台舉辦的大型展覽。而本次展覽由波特羅基金會代表，同時也是波特羅的女兒Lina Botero策劃，她也親自與我們分享波特羅的藝術生涯故事，以及那些關於父親的回憶。

對「體積」充滿迷戀

1932年出生於哥倫比亞麥德林的波特羅，直到2023年離世前4天，仍持續在創作，一生對藝術充滿了熱愛。而貫穿波特羅作品核心的，是他對「體積（volume）」的迷戀，但他總說，自己對體積的著迷是與生俱來，且他從未真正理解這份執著究竟從何而來。

1952年，是波特羅人生中的重要轉折，當時他憑藉著獎金來到歐洲，進入皇家聖費爾南多美術學院學習繪畫。然而波特羅很快意識到，與其坐在教室裡，不如把時間花在臨摹大師的作品上。此後，他幾乎每天都前往普拉多美術館（Museo del Prado）臨摹Velázquez、Tintoretto、Titian等大師的畫作，這段經歷也對他的藝術養成至關重要。

某天，波特羅偶然看到書上有著Piero della Francesca的壁畫作品，那一刻，他深深意識到，藝術遠比自己想像的更加崇高。而這也促使波特羅前往佛羅倫斯，深入研究義大利文藝復興時期的作品。

藝術必先深植於本土

在歐洲待了兩三年，由於旅費耗盡，23歲的波特羅回到哥倫比亞，與妻子結婚後，兩人隨即前往墨西哥生活。Lina提到，當時的墨西哥是拉丁美洲藝術發展的重鎮，也是許多年輕藝術家心中的「朝聖之地」。彼時，多數拉丁美洲藝術家仍描繪與歐洲印象派畫家相似的風景，但墨西哥藝術家率先將目光轉向自己的文化根源，開始描繪這片土地的事物。這也讓年僅24歲的波特羅重新思考創作方向，並奠定了他一生遵循的信念——「藝術若要真正具有普世性，首先必須根植於在地（For art to be truly universal, it must first be local.）」。

在那之後，波特羅的創作核心便建立在自己童年與青少年時期的回憶之上。Lina說明，「在本次展覽中的『拉丁美洲』展區，可以看到那些存在於我父親記憶中的人物，後來都成了他作品中的主角；街道景象與日常生活的場景，也被他以個人風格轉化為屬於自己的世界。」

形塑獨特的「波特羅風格」

Lina補充，每一位藝術家在創作初期，都會受到許多不同事物的影響，也會不斷嘗試各種可能、直到找到真正屬於自己的藝術語言。而在墨西哥時期，也發生了一件對波特羅極為重要的事。某天深夜，他獨自在工作室畫一把曼陀林（mandolin），他先是畫出非常飽滿的外輪廓，接著畫了一個非常小的音孔。在那瞬間，他發覺曼陀林彷彿被放大許多，同時意識到，自己似乎發現了某種對未來創作極為重要的方向。而這是過去的藝術養分與創作經驗累積下來的結果，並逐漸形塑出我們今日所認識的波特羅風格。

「風格」是藝術家信念的總和

對波特羅而言，「風格」是一位藝術家能夠為自己所處時代做出的最大貢獻，因為「風格」正是藝術家信念的總和。Lina說明，真正的風格應該在最簡單的題材中也能夠被辨認出來，比如畢卡索和塞尚或波特羅畫的橘子，是完全不一樣的。因此在這次的「靜物」展區中，更能讓人一眼辨識出波特羅的風格。事實上，很多人都會問：「波特羅為什麼總是畫胖子？」但他總回答這輩子沒畫過任何胖子。因為他的創作，其實是將感官上的感受傳遞到形式上，是對飽滿、圓潤形體所展開的探索，且不只是人物，不論是物件、水果或動物，他都以相同的手法賦予它們雕塑般的分量感。

忠於自己的核心價值

Lina分享，1960年代波特羅在紐約時，當時的主流是抽象畫與普普藝術，他卻與趨勢背道而馳，結果沒有人注意他的作品，藝評也對他也非常嚴厲。然而，波特羅始終忠於自己的藝術信念、不盲從追求當時的潮流。直到MoMA的一位策展人看到他畫的《12歲的蒙娜麗莎》，決定讓這幅畫在MoMA展出後，才開始有人與他接觸，也讓波特羅迎來了職業生涯的轉捩點。

藝術應該是屬於每一個人

身為策展人的Lina表示，「這是我們第一次來台灣，我希望可以選擇最為顯著、最可以代表我父親70年創作歷程的主題，因此作為他的根源的『拉丁美洲』展區格外重要。」而像是「靜物」、「鬥牛」等主題，也都是構成波特羅創作的不同面向。她也提到，先前在韓國展出時，突破了近25萬的觀展人數紀錄，這也證明了不同的畫作能直接與觀者對話，同時呼應波特羅的想法「藝術應該是屬於每個人，不是只有少數菁英份子可以欣賞的。」

延伸閱讀：《圓潤的魔法 波特羅特展》登台！集結「圓滾滾藝術家」油畫、素描、水彩與立體雕塑作品，一探獨特膨脹美學

幽默是走進藝術的一扇門

Lina補充，父親是個非常幽默的人。「他認為，幽默就像是一扇為觀者打開的門，讓人們得以走進藝術作品之中。他同時也把幽默當成一種工具，因為在1930到40年代的拉丁美洲有非常多獨裁者，而他會利用藝術去批判這些獨裁者、政治家或諷刺教會。」對Lina而言，看見這麼多人喜愛父親的作品，令她感到十分欣慰，也讓她更加確信，將這些作品帶給下一代是他們肩負的重大責任。「我也曾和畢卡索的後裔討論到這點，我們都認為，持續與新世代展開對話非常重要。」

不只是藝術創作，談起父親，Lina分享了許多回憶。她說，「我從小和兩個兄弟一起長大，但父親從來沒有把我當作『只是個女孩子而已』，他對我們所有人都是一視同仁的，他讓我覺得自己是個強大的女性。」

為父親策劃80歲回顧展

Lina過去曾在電視廣播界工作，之後投入室內設計領域。2012年，她受邀於墨西哥為波特羅策劃80歲生日回顧展。「和我父親共事是一件非常美妙的事，因為我們有非常緊密的關係，同時也互相信任。他相信我能把他作品所要展現出來的樣子，以及著重的重點表現出來。」

波特羅非常喜歡獨自作畫，Lina成為少數被允許進去他工作室的人。「在我父親生命的最後一年，我每天都陪他去工作室。看他作畫是一件非常神奇的事，只要待在工作室，他就像突然變回了年輕人，甚至不再需要拐杖。」

用想像力灌溉童年回憶

最後，Lina笑著說，對父親印象最深刻的，還是那些童年回憶。「我們成長過程中有著許多關於父親的美好記憶，因為當時我父親完全沒有錢，但他會用他的想像力來彌補資源上的匱乏。」她回憶，當時父母離婚後，每到星期五都會和父親共進晚餐，父親總會買最普通的罐頭番茄湯，但會特地去買玻璃眼球放進湯裡，並告訴孩子：「今天喝的是眼球湯。」年幼的他們當然深信不疑，「小時候，你會相信你父親對你說的每一件事。那真的是一段非常不可思議的時光。我的父親有說不完的精彩故事，而我最珍貴的童年回憶，也正是來自他為我們編織的那些奇妙故事。我父親留給我最好的禮物就是這些回憶。」

《圓潤的魔法 波特羅特展》
日期：2026.6.19-10.11
地點：國立中正紀念堂1展廳

曾任Marimekko專屬織品設計師，並長年與SOU・SOU合作的脇阪克二，以鮮明而溫柔的圖案風格，成為日本最具代表性的圖案設計師之一。而脇阪克二最初只帶著5幅畫、滿腔熱情，獨自踏上前往芬蘭的列車。他相信，只要能踏進Marimekko，就有機會證明自己的設計。這趟冒險旅程，最終讓他成為Marimekko第一位日本籍專屬織品設計師。

Marimekko在一九五一年創立於芬蘭，以獨創的織品設計與繽紛的色彩風格而聞名。至六〇年代初期，Marimekko已吸引了全球設計師的目光，如今創立超過七十五年，更是躍升為廣受各世代喜愛的經典生活風格品牌。

脇阪克二與Marimekko的邂逅始於高三那年。當時的Marimekko雖然在設計界頗有名氣，但尚未進軍日本，因此只有內行人才知道這個品牌。某天，脇阪克二拜訪了一位設計師朋友的工作室，對方向他分享了在芬蘭買到的Marimekko商品。那是一件由織品設計師安妮卡．里瑪拉（Annika Rimala）打造的印花洋裝，洋裝造型極為簡約，只用一絲線條劃分雙色來營造對比，俐落無比的設計令脇阪克二震撼得說不出話來。

儘管造型非常簡單，色彩與設計卻大膽得令人驚豔。如此美麗而新穎的織品設計，在日本前所未見。相較之下，日本市面上那些圖案繁複、令人眼花撩亂的織品，簡直就像騙錢的玩意兒……！

從此，「Marimekko」的品牌名稱就如同一道咒語，在脇阪克二的腦海中縈繞不去。他開始遍覽織品雜誌，依靠零星資訊得知創辦人是一位叫做阿爾米．拉蒂亞（Armi Ratia）的女士，且公司裡擁有多位專業設計師。他的興趣因此愈來愈濃厚。

他下定決心──如果要出國磨練，我只去Marimekko。

在心中立誓後，脇阪克二再也按捺不住了。他迅速收拾行李，將自己繪製的五幅畫裝進旅行箱，隻身搭乘西伯利亞鐵路前往芬蘭。這是他第一次出國，不僅沒錢、語言不通，在當地也沒有任何親友，僅憑著滿腔「自我挑戰」的熱情，便登門早訪了於赫爾辛基的Marimekko總公司。

然而，面對這位突如其來的亞洲青年，總公司的工作人員實在難掩困惑。儘管脇阪克二努力透過肢體語言與生澀的英語表達自己的想法，仍然吃了一頓閉門羹。但他此次造訪原本就是抱著姑且一試的心態，假設行不通，也打算先找個地方洗碗打工再思索下一步。就在脇阪克二做好心裡準備時，隔天阿爾米．拉蒂亞居然通知他進公司，還說了令他意想不到的話。原來，她看過了他呈交的畫作。

「你的畫很有趣。我想試用你一個月，你可以隨心所欲地創作。」

於是，脇阪克二展開了為期一個月的試用期。儘管他對芬蘭語一竅不通，試用期也沒有薪水可領，但他心中卻洋溢著能在夢寐以求的Marimekko從事設計的喜悅與希望。

我要放手一搏，徹底發揮畢生所學。

對創作根深蒂固的渴望，以及在日本被長期壓抑的強烈表現欲一口氣爆發，令脇阪克二在短短一個月內創作出多達二十種設計。那些自由奔放、充滿生命力的織品，讓阿爾米．拉蒂亞讚不絕口。她決定將其中幾款納入Marimekko的產線，並且正式聘請脇阪克二為Marimekko的專屬設計師。那一年，脇阪克二二十四歲，日本第一位Marimekko專屬織品設計師就此誕生。

脇阪克二在試用期創作的織品皆以日文命名，例如「YUME」（夢境）、「HANA」（花朵）、「OKA」（山丘）。儘管距今已過五十年，它們仍是廣受大眾喜愛的Marimekko代表作。

本文內容節錄自La Vie出版書籍《創作就是做自己：脇阪克二從Marimekko到SOU・SOU的設計思考》

出版日期｜2026/07/02

作者｜脇阪克二

曾在Marimekko擔任設計師，長年與 SOU・SOU 合作，脇阪克二以鮮明且溫柔的圖案風格，成為日本最具代表性的圖案設計師之一。

對脇阪克二而言，圖案不只是設計，更是與生活對話的方式。從京都的街景、四季變化，到旅行途中遇見的風景與人們，他將那些日常裡微小卻深刻的感受，轉化成一塊布、一個紋樣、一種陪伴生活的設計。

本書收錄其多年創作與代表作品，並完整分享他的創作思考、圖案哲學，以及對「設計與生活」的理解。

✹ 更多新書資訊 ⭢ La Vie 圖書