MoCA《總是春光乍現》!探討演算法、視覺圖像中的偏見與歧視

總是春光乍現首圖

即便個人再有自覺,也難以完全消弭生活中各種偏見的發生,言行舉止中夾帶的任一符碼,在說者、聽者的耳裡與眼裡,可能因價值觀、信仰、文化背景等多種因素,產生截然不同的詮釋,而許多微歧視甚至只會被解讀為說者無心、聽者超譯,輕巧帶過。但你知道嗎?這現象不只出現在人際互動中,就連電腦都會有你意想不到的、各種顯露偏見的行為,而長居於台北、柏林兩座城市的新銳藝術家「致穎」,就以《總是春光乍現》為題,自2021年7月27日~9月19日在MooCA當代藝術館開展,運用表演式演說、影像裝置、圖像研究等創作形式,帶領觀眾探究演算法、視覺圖像中,所存在的偏見與刻板印象。

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致穎個展《總是春光乍現》於台北當代藝術館展出

探討隱藏於人工智慧、視覺圖像背後的偏見與刻板印象

《總是春光乍現》以近年蔚為風潮的臉部辨識技術開展,探討隱藏於人工智慧、數位圖像、意識形態中,關於種族文化的偏見與刻板印象。策展人李彥儀在闡述策劃概念時,以現代生活應用大量數據資料的現象切入,提到為了加快複雜、耗費人力的身份認證流程,臉部辨識系統成為重要的工具導入,它協助承認要求加入的數據群(你與我),並決定是否放行,而這背後的概念是:你必須先被識別,才得以進入;如果不被識別,你所被轉譯成的資料,則無從分析。這樣的情況下,「存在卻不被看見,因此該數據的要求不再重要」的情況便會產生,「忽視」就此萌發。

圖左_《功夫流感》、圖右《信息》
《總是春光乍現》展覽空間

「忽視」是如何影響個人生活?演算法的偏見又為何而生?

藝術家致穎與策展人李彥儀也在開幕導覽中分別分享,是哪個時刻,深刻感受到以種族為背景因素的「忽視」,正實質影響日常生活?一是偶然發現用戶遍佈全球的Snapchat,竟有無法辨識黑人臉部的問題,二是美國網球名將Serena Williams差點在產後喪命的驚險事件,經專家與學者思考討論後,讓大眾認知到黑人女性醫療數據不足、常面對「失格」健康照護的困境。

也許你難以想像,機器與資料庫也能產生這些「人性化」的謬誤,但若往回推敲,建立演算法與各種分析系統的終究是「人」,這麼一說是不是就通了?當數據庫的建構者帶有個人好惡,便會在過程中有意或無意地為電腦注入偏見。

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藝術家致穎

帶領觀眾察覺生活中那些隱隱感到「不對勁」的事

致穎將一切化為簡單的一句話:「每個人在日常生活中,都會感受到有些事情是不太對勁的」而這場展覽,就是希望帶領觀眾挖掘,這些不對勁到底是什麼?背後的脈絡為何?而李彥儀也提到,我們必須在建構數據庫的「包容性」之餘,同時直視社會歧視、警察暴力、司法不公在虛實混合環境中加劇的事實,那我們該如何識別圖像中的偏見,以建立更敏銳的識讀知覺?她認為,也許從圖像史開始解構技術的歧視性,會有所幫助。

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《總是春光乍現》展覽空間

《總是春光乍現》3件作品解析

讀完《總是春光乍現》的作品概念、展覽論述,不妨接著看致穎是如何運用表演式演說、影像裝置、圖像研究等手法,表現生活中不見其形體、卻能感受其力道的忽視、偏見與歧視。

《打光》

致穎在2016~2018年進行的研究中,發現了一款非洲獨有的Techno傳音手機,其在當地市占率高達4成的強勢地位,更引起他的好奇。為什麼這款手機在非洲這麼受歡迎?根本原因是它強大的美白功能,能解決多牌手機相機無法辨識深膚色臉孔的問題,另外,符合當地需求的雙卡設計也有影響。這項發現後來成為《打光》深入探究的標的,發展出由3條主要敘事構成的錄像作品:先是與多哥(Togo)專業攝影師探討如何透過打光技巧,來彌補攝影器材對深膚色曝光的不足;再與臺灣聯發科工程師對話,詢問如何打造廣受非洲民眾歡迎的相機演算法。

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致穎《打光》

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致穎《打光》

之所以取名為《打光》,不僅直指攝影術的打光技法,也巧妙玩了場文字遊戲,取中文不同於其他語言,在打光一詞中特有的動詞「打」字,與李小龍的形象做結合。因此,作品中可見一段70年代風格的李小龍功夫片,並穿插了利用臉部動態捕捉、語音辨識演算法所訓練出的李小龍動畫,作為影片講述者。

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致穎《打光》

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致穎《打光》運用臉部動態捕捉、語音辨識演算法訓練出李小龍動畫

《功夫流感》

作品名稱來自美國總統川普(Donald Trump)在2020年競選演說中所創造的詞彙,「功夫流感」一詞隨後透過社群媒體迅速傳播,加深了西方世界因COVID-19疫情擴散,而對亞裔族群持有的偏見,如同「東亞病夫」一般成為帶有生理缺陷的種族想像。致穎在《功夫流感》中,採用表演式錄像手法,嘗試解構病毒、功夫—亞洲人刻板印象與影像的關聯性,並延伸探討了臺灣自身的種族歧視問題。

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致穎《功夫流感》

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展場中呈現《功夫流感》的螢幕裝置

《信息》

作品呈現2組共8個被演算法屏蔽的字彙,尤其在疫情越趨嚴重時,中國主流社群平臺便開始封鎖與疫情相關的字彙如「口罩」、「封城」、「病毒」等,藝術家將這些字詞組以人工模擬數位圖像輸出的方式,橫向繪於圖紙上。

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致穎《信息》

《信息》01
致穎《信息》

《信息》02

最後,來說說展覽的命名靈感,其取自義大利名導安東尼奧尼(Michelangelo Antonioni)作品《Blow-up》的中文譯名《春光乍現》,不僅汲取電影中探討拍攝者、被攝者間權力關係的想法,也以此開展,更廣泛地從器物、攝影技術、圖像史等概念進行思辨,從致穎的作品中,也可看見藝術家在觀察並反芻之後,以自身角度進行重新演繹的結果。有趣的是,展覽所探討的議題嚴肅,處理起來甚至有些棘手,但致穎卻在其中摻了些幽默,讓觀者領會到詼諧語調也能傳遞正經訊息,反過來說,凛然倒不見得誠懇,追根究底,重要的還是訊息的本質。

|致穎

目前居住於德國柏林和臺灣臺北,為「復興漢工作室」成員之一。常遊走於不同國家之間,作品亦受到不同文化和社會內涵所影響。致穎的創作不限定於任何單一媒材,諸如裝置、素描或是影像等,藉由不同的創作形式,試圖探究人類的生存狀態和所處環境間的關聯,以及藝術生產如何扭轉人類日常生活等種種課題。致穎曾參與許多國際性展覽計劃,如「2012台灣美術雙年展」、「2014上海雙年展:社會工廠」等,《總是春光乍現》個展則作為榮獲2019年「西班牙LOOP錄像藝術獎」後的計畫成果發表。

|總是春光乍現 展覽資訊

展期:2021年7月27日~9月19日

地點:台北當代藝術館實驗展場MoCA Studio

資料|台北當代藝術館MoCA

圖片|台北當代藝術館MoCA、izzie pang

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用藝術視角拆解作物「從土地到餐桌」的過程!黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生

廚房那瓶清透的橄欖油,或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香,理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇,這我們習慣從超市貨架取下的食品,在抵達日常之前,經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉?

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場,蹲點尋找答案,並將收穫集結為個展《丘之粼粼》,其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場,枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來,將分散於自然、勞動與資本之間的片段,重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中,一場關於制度和價值的反思,正靜靜展開。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)
黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑,黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開,她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費,從市場、貿易、產業、生產勞動,延伸至消費、包裝與剩餘物,探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年,黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」,那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀,反思現代人追求廉價和效率,方便與實用至上的生活方式。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:臺北市立美術館)

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》,她將視線推向食品生產鏈的上游,進一步回到食品生產的源頭,從橄欖園到工業流水線,追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中,成為我們熟悉的形式。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園,追溯橄欖成為日常食物之前,所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實,諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構,讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場,使觀者得以從橄欖油出發,看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品,橄欖並未發生根本性的改變,改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

變的不是橄欖,而是⋯⋯?

橄欖在大地中歷經熟成與採收,進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統;來到TKG+台北生產階段中,也被賦予了不同的價值與意義。然而,有趣的是,從果實到成品,橄欖其實沒有發生根本性的改變,改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)
黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場,先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響,像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像,被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外,掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡,經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換,在展場中成為了身體化的觀看空間,重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉,經由藝術家的選擇,成為展覽中的視覺主體,使被生產過程排除在外的痕跡,重新進入觀看。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)
黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來,物件的藝術身份便不再僅由其自身決定,展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐,將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品,讓它脫離原有的使用脈絡,同時保留材質、功能、價格,以及生產、消費與丟棄等社會痕跡,成為承載勞動與資本關係的具體物件。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

對黃麗音而言,現成物的創作並非單純的拼湊,也不是對既存現實的再現,而是一種「組構」:藝術家透過選擇與配置,將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間,使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑,當物件從原有的使用脈絡中被抽離,生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場,使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後,貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣,但我們觀看它們的方式,已經有所不同。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期|2026.09.19-11.14

地點|TKG+ (台北市內湖區瑞光路548巷15號B1)

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在台北,秋季是屬於藝術的季節。「2026台北藝術週」將於10月24日至11月2日登場,這段期間,各家美術館、畫廊等藝文機構將祭出特展響應,從北到南、由東至西,在城市間編織出一張得以映射內心、療癒精神的藝術之網。本篇編輯精選10場展覽,不妨趁此親訪觀展。

《露水幻夢》Benjamin Spiers X 曾建穎雙人展

📍TAO ART

《露水幻夢》由來自英國的Benjamin Spiers(班傑明.斯皮爾斯)與台灣藝術家曾建穎,攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統,卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發,探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態,讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織,形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

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(圖片來源:TAO ART)

Benjamin Spiers的作品充滿原始生命力,亦可見幻想交疊的幻象。他擅長運用油彩,以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體,細膩的肌膚質感彷彿觸手可及,令人難以抗拒。

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(圖片來源:TAO ART)

曾建穎則以墨、膠彩與礦物顏料於細緻的紙材上創作,從宗教圖像中汲取靈感,將繪畫視為精神性的容器,創造出新的人體圖式,並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風〈仙果〉作品中,他在屏風正面描繪一顆熟桃,切開的缺口微微露出桃的內部,下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常;另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐,既可能是鏡子前的自我凝視,也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

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(圖片來源:TAO ART)

《喜悅與棲所:捷克當代攝影聯展》

📍圓山別邸 MAISON ACME

一百年前的巴黎,曾是捷克前衛藝術家追尋自由與實驗精神的中心。如今,策展人Štěpánka Stein集結14位捷克當代攝影師,回應前人追尋藝術的精神,展開一場跨世紀的對話。展覽中,攝影師們透過鏡頭,在動盪而撕裂的數位世代,藉影像追問著喜悅從何來?哪裡才是讓我們安心的棲所?影像作品擺盪在虛與實、紀錄和擺拍之間,邀請觀者在其中找尋自己的答案。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片來源:台北藝術週)
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(圖片來源:台北藝術週)

《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》

📍NOKE忠泰樂生活

由香港平面設計師毛灼然、日本編輯暨設計師後藤哲也共同策展。展覽源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書,其中「C」代表「Chinese」,從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計;進入策展環節後,則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」,並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。

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(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品,也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響,以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

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(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

《小日夢》寺倉京古個展

📍白石畫廊

以陶土為材,日本新銳藝術家寺倉京古常以「孩童」為創作主題,用陶捏塑出圓潤形體,重現孩子樸稚姿態,藉此捕捉日常生活中微小卻珍貴的希望,以及近乎被遺忘的純真。《小日夢》集結各式姿態的孩童雕塑,他們或靜靜沈睡、或乘著雲朵眺望,乘載著存於人們心中的細膩情感,也象徵著每個人「曾經擁有的自己」。

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(圖片提供:白石畫廊)
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(圖片提供:白石畫廊)

《銀河脈輪》

📍Bluerider ART 台北・微風廣場

在百貨公司也能看展!Bluerider ART位於微風廣場的據點,推出《銀河脈輪》藝術家群展,集結美國藝術家Carol Prusa、德國藝術家Eberhard Ross、捷克藝術家Jan Kaláb等多位國際藝術家之作,共同叩問一個古老而雋永的命題——宇宙秩序如何映照於身體與心靈之中。

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展覽以卷軸雙面畫《奇異吸引子》為亮點,9米長的巨大尺度令人路過櫥窗很難不多看一眼。卷軸一面描繪人體脈輪、能量向外流動的軌跡,另一面則以詩句與物理方程式,描述宇宙均勻與空間擴展,使「內在」的脈輪能量線與「外在」的宇宙演化在兩面對望。

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(圖片提供:Bluerider ART)

《丘之粼粼》黃麗音個展

📍TKG+

2025年曾於北美館推出個展《Lili Deli 麗麗食品》的黃麗音,長期關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費,創作從市場、貿易、產業到生產勞動,延伸至消費、包裝與剩餘物的重新組構。這次她在TKG+呈現的《丘之粼粼》,將視線推向食品生產鏈的上游,進一步回到食品生產的源頭,從橄欖園到工業流水線,追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中,成為我們熟悉的形式。

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(圖片提供:TKG+)

她走進西班牙南部的橄欖園,追溯橄欖成為日常食物之前,所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實,諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構,讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場,使觀者得以從橄欖油出發,看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品,橄欖並未發生根本性的改變,改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

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(圖片提供:TKG+)

《無筆之繪》Dirk Salz個展

📍Bluerider ART台北・敦南

拋開傳統形式,不以畫布和畫筆作畫,德國藝術家Dirk Salz(迪爾克.薩爾茲)用油漆滾筒創作,並借助樹脂潑灑時的重力流動,讓作品跳脫傳統極簡主義的框架,持續展現並探索透明度、色彩張力,以及光線與空間之間的關係。

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(圖片提供:Bluerider ART)

展名《無筆之繪》指向Salz不使用畫筆的創作方式。他將顏料調入樹脂,以油漆滾筒鋪展色層,再順應重力讓樹脂自然流淌、趨於平整;每一層須待固化後,方能覆上下一層,作品在反覆堆疊與等待中逐步成形。薄如玻璃的色層彼此交疊,光線在其間穿透、折射、反射,色彩不再停留於表面,而是從深處緩緩浮現。沒有筆觸,也沒有手繪痕跡,畫面由材料、重力與時間共同完成,模糊了真實與虛幻的邊界,正如他所言:「我想要創造的,是一個不能被詮釋的情境,一個觀者與作品之間無法言說的感受,姑且稱之為『魔法』的地方。」

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(圖片提供:Bluerider ART)

《夜的日光》

📍Taipei Lumitree 敦南之森

「光」是藝術家謝鎮璘DAMONXART的靈感泉源。在敦南林蔭大道下的藝術光廊Taipei Lumitree,他結合錯視、光柵材質及風力驅動裝置,將你我熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗,讓觀者在夜色中看見日光,閱讀太陽與月亮之間的對話,深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:謝鎮璘)

多年來,謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩,將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中,他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方,又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中,被感知為不同的形態。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:謝鎮璘)

《溫柔災變》女性藝術家聯展

📍T Space

作為首場公開展覽,T Space邀請亞紀畫廊負責人黃亞紀策展此檔女性抽象藝術家群展,《溫柔災變》集13位女性藝術家,她們各來自不同時代、地域和文化背景,作品在此展相遇交會,共同呈現女性力量如何探問持續變動的世界,以及藝術能為我們帶來什麼療癒與啟示。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:T Space)

展名所提的「溫柔」,並非脆弱或被動承受,而是藝術家讓感知和直覺保持開放,持續面對無法完全掌控的變化,容許自己進入流動、矛盾與未知,並反覆思辨的狀態。展覽在女性的敘事下,呈現出生命經驗的不同面貌——當女性經驗不再只由疼痛、承受與犧牲所定義,人們能否看見女性作為獨立的認知主體,如何理解自然、身體以及自己所處的世界?

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:T Space)

《代理之窗》張書瑋個展

📍洪建全基金會

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」,每年都會提出一道問題,探討社會、文化與生命內涵,並妥託藝術家透過創作對答。今年度計畫探討的是什麼?在科技以親切形象滲透日常的今天,人與機器早已互為義肢。只要算力足夠,AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師,甚至是神明——這種「不需要對等,不需要協商,也不會有拒絕」的新關係,正在悄悄改變我們對情感的認知。

展覽由此切入,由藝術家張書瑋擔綱答題者,藉影像裝置、互動雕塑和錄像,探討AI與人類之間的「親密關係」。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:洪建全基金會)

展覽將「你+我+AI」共同建構的世界封裝成一個情感景觀,一段「親密關係」的模擬現場,一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲。動線如同一道逐步深入的程序,映照出人與機器緊密互動之間,所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中,親近與不適的感受並存,觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構,隨後迷失於遊戲之中。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:洪建全基金會)

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