台北新藝術空間「YANG ARTS」，已於2022年10月15日正式開幕，其選址於仁愛路旁靜巷，位處大安和信義區交界之處，以帶有台北少見帶櫥窗的街邊形式登場。而YANG ARTS以戰後和當代重要的攝影作品《芃 How lush the world is, how full of things that don’t belong to me — 》為開幕首展，精選荒木經惟、蜷川実花、奈良美智等15 位國際藝術家當代攝影作品，為觀者帶來一場視覺饗宴。

承繼收藏三代的經驗 台日文化的分享

以家族對於收藏的熱忱為基礎，YANG ARTS 由 Robin 和 Roger Chang 兩兄弟創立。作為收藏家第三代的兩兄弟，成長於台北和東京，都曾在美國修讀藝術史和藝術評論。延續家族對中國古典藝術的涵養，從 2014 年開始跨入當代藝術收藏的旅程。哥哥 Robin 是台北知名紳裝選品店「OAK ROOM」的創辦人，以獨特的品味和選品，將英國紳士文化引入台北，是台灣紳裝文化的幕後推手之一。這一次攜手以東京為根據地的弟弟 Roger 一同創立藝術空間，期許結合 Roger 經營品牌經驗和 Roger 在日本當代藝術圈的連結，從自身的台日文化和藝術史的出發，將更多元的日本當代藝術介紹至台灣。

提供第一手的日本藝壇訊息

Roger 和 Robin 共同表示：「日本當代藝術自 1990 年代開始受到美國西岸的注目和崛起，而台灣藏家在藝術市場上的亮眼成績近年亦備受國際藍籌藝廊的關注。我們也觀察到日本藝術圈對於台灣藏家逐漸重視，在東京代表性藝廊幾乎都會有一名台灣同仁，且東京現在有許多展覽是由收藏家舉辦自己或聯合收藏展，讓他們開始思考如果能在台北有個空間，提供第一手的日本藝壇訊息，展示自身東亞當代藝術收藏和引薦日本新銳藝術家到台灣會是件讓人引頸期盼的事。」

首檔展覽從從自身攝影收藏出發

作為藝術空間開幕的首展，兩兄弟從自身的攝影收藏出發，同時搜羅了戰後和當代重要的攝影作品，並邀請同樣具備多元文化成長經驗的劉安蓁（Annette Liu）擔任策展人，為兄弟的收藏和選件《芃》。作品包含堀尾貞治（Sadaharu Horio）和湯瑪斯 · 史特魯特（Thomas Struth），到剛開始崛起和正在藝術創作生涯中期的吉田志穗（Shiho Yoshida）和托比昂 · 羅德蘭（Torbjørn Rødland）等，一共 15 位藝術家。Roger 表示：「這些藝術家都是我相信他們展現了對於當代攝影的卓越認知，因而能在當今這個變化萬千的藝術動態中給予觀者一場充滿意義的參與。」

試圖捕捉靈光乍現的實驗與嘗試

展覽標題《芃》取自美國詩人露伊絲・葛綠珂（Louise Glück）的詩詞：「世界是如此富饒，充滿著不屬於我的東西 －」道出了對這廣闊世界的敬畏，和對於無法掌握一切事物的感慨，然而策展人劉安蓁認為，攝影，一種與現實緊密結合的藝術語言，試圖捕捉靈光乍現的實驗與嘗試，也是一種對於世界的看待、觀察、視野與好奇。攝影的視覺表達是一種刪除法：也就是豐富的世界，該如何截取？哪些畫面，值得被紀錄？因此展覽將從荒木經惟的〈非日記日記〉（Hi-Nikk） 和蜷川実花的非時尚攝影集作為展覽起點，以色彩繽紛的作品，多數近物和即時快拍所捕捉到的日常，凸顯於生活中的形式細節與視覺美學，透過藝術家獨特的影像語言，帶來一場可遠觀亦可近賞的視覺饗宴。

在眾多的作品裡，哥哥 Robin 推薦現正在東京都寫真美術館舉辦的大型個展《不思議な力（Small Miracles）》的野口里佳（Rika Noguchi），藝術家以她的方式觀看日常生活裡出現的自然事物，和主體往往保有特殊的凝視距離，她透過相機捕捉光和地心引力飽含視覺張力的瞬間，讓整體畫面既詩意迷幻；而弟弟 Roger 特別對橫田大輔（Daisuke Yokota）的作品特別感興趣，他認為這件作品出色的展現了攝影作為當代藝術裡一項類別的可能性。這項作品涉及了處理和再處理複數圖像，以及表現記憶可以作為一種數據形式，邀請觀者去體驗一種變動的感知，反映過去和當下之間的張力。

以東亞為核心呈現收藏家的觀點

YANG ARTS 將以季度性展覽為核心，並採預約制，提供細緻的藝術體驗。未來的展覽方向，將引入東亞和歐美藝壇矚目的當代藝術作品為核心，邀請獨立策展人策劃不同主題的實驗展；同時與日本藝術空間和藝廊合作，引進日本新進、有未來潛力的藝術家個展；另外，也會展出創辦人的私人收藏，包含韓國單色畫、日本高赤中心、具體派、物派的代表性藝術家，爬梳東亞戰後前衛藝術史，期望成為台灣收藏家舉辦收藏交流展的空間。YANG ARTS 亦將不定期舉辦與藝術品鑑賞、收藏相關的沙龍活動，分享日本為主的嶄新的藝壇趨勢，期盼激發收藏家、藝術家、策展人、藝評家、藝術經紀人等交流聚會的靈感場所。

《芃 How lush the world is, how full of things that don’t belong to me — 》

時間：2022/10/15～2022/12/15

地點：YANG ARTS（台北市大安區仁愛路四段 310-3 號）

開放時間：星期二～星期六 1100～1800

預約連結請點此

參展藝術家：

Ayako Ishiba 石場文子 / Daisuke Yokota 橫田大輔 / Ishu Han 潘逸舟 / Ken Kitano 北野謙 /  Kohei Kobayashi 小林耕平 / Mika Ninagawa 蜷川実花 / Nara Yoshitomo 奈良美智 / Nobuyoshi Araki 荒木經惟 / Rika Noguchi 野口里佳 / Sadaharu Horio 堀尾貞治 / Shiho Yoshida 吉田志穗 / Takashi Homma 高橋本 / Taisuke Koyama 小山泰介 / Thomas Struth 湯瑪斯 · 史特魯特 / Yoichi Umetsu 梅津庸一 / 

資料提供｜YANG ARTS（攝影：張國耀）

文字整理｜Adela Cheng

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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