台北新藝術空間「YANG ARTS」，已於2022年10月15日正式開幕，其選址於仁愛路旁靜巷，位處大安和信義區交界之處，以帶有台北少見帶櫥窗的街邊形式登場。而YANG ARTS以戰後和當代重要的攝影作品《芃 How lush the world is, how full of things that don’t belong to me — 》為開幕首展，精選荒木經惟、蜷川実花、奈良美智等15 位國際藝術家當代攝影作品，為觀者帶來一場視覺饗宴。

承繼收藏三代的經驗 台日文化的分享

以家族對於收藏的熱忱為基礎，YANG ARTS 由 Robin 和 Roger Chang 兩兄弟創立。作為收藏家第三代的兩兄弟，成長於台北和東京，都曾在美國修讀藝術史和藝術評論。延續家族對中國古典藝術的涵養，從 2014 年開始跨入當代藝術收藏的旅程。哥哥 Robin 是台北知名紳裝選品店「OAK ROOM」的創辦人，以獨特的品味和選品，將英國紳士文化引入台北，是台灣紳裝文化的幕後推手之一。這一次攜手以東京為根據地的弟弟 Roger 一同創立藝術空間，期許結合 Roger 經營品牌經驗和 Roger 在日本當代藝術圈的連結，從自身的台日文化和藝術史的出發，將更多元的日本當代藝術介紹至台灣。

提供第一手的日本藝壇訊息

Roger 和 Robin 共同表示：「日本當代藝術自 1990 年代開始受到美國西岸的注目和崛起，而台灣藏家在藝術市場上的亮眼成績近年亦備受國際藍籌藝廊的關注。我們也觀察到日本藝術圈對於台灣藏家逐漸重視，在東京代表性藝廊幾乎都會有一名台灣同仁，且東京現在有許多展覽是由收藏家舉辦自己或聯合收藏展，讓他們開始思考如果能在台北有個空間，提供第一手的日本藝壇訊息，展示自身東亞當代藝術收藏和引薦日本新銳藝術家到台灣會是件讓人引頸期盼的事。」

首檔展覽從從自身攝影收藏出發

作為藝術空間開幕的首展，兩兄弟從自身的攝影收藏出發，同時搜羅了戰後和當代重要的攝影作品，並邀請同樣具備多元文化成長經驗的劉安蓁（Annette Liu）擔任策展人，為兄弟的收藏和選件《芃》。作品包含堀尾貞治（Sadaharu Horio）和湯瑪斯 · 史特魯特（Thomas Struth），到剛開始崛起和正在藝術創作生涯中期的吉田志穗（Shiho Yoshida）和托比昂 · 羅德蘭（Torbjørn Rødland）等，一共 15 位藝術家。Roger 表示：「這些藝術家都是我相信他們展現了對於當代攝影的卓越認知，因而能在當今這個變化萬千的藝術動態中給予觀者一場充滿意義的參與。」

試圖捕捉靈光乍現的實驗與嘗試

展覽標題《芃》取自美國詩人露伊絲・葛綠珂（Louise Glück）的詩詞：「世界是如此富饒，充滿著不屬於我的東西 －」道出了對這廣闊世界的敬畏，和對於無法掌握一切事物的感慨，然而策展人劉安蓁認為，攝影，一種與現實緊密結合的藝術語言，試圖捕捉靈光乍現的實驗與嘗試，也是一種對於世界的看待、觀察、視野與好奇。攝影的視覺表達是一種刪除法：也就是豐富的世界，該如何截取？哪些畫面，值得被紀錄？因此展覽將從荒木經惟的〈非日記日記〉（Hi-Nikk） 和蜷川実花的非時尚攝影集作為展覽起點，以色彩繽紛的作品，多數近物和即時快拍所捕捉到的日常，凸顯於生活中的形式細節與視覺美學，透過藝術家獨特的影像語言，帶來一場可遠觀亦可近賞的視覺饗宴。

在眾多的作品裡，哥哥 Robin 推薦現正在東京都寫真美術館舉辦的大型個展《不思議な力（Small Miracles）》的野口里佳（Rika Noguchi），藝術家以她的方式觀看日常生活裡出現的自然事物，和主體往往保有特殊的凝視距離，她透過相機捕捉光和地心引力飽含視覺張力的瞬間，讓整體畫面既詩意迷幻；而弟弟 Roger 特別對橫田大輔（Daisuke Yokota）的作品特別感興趣，他認為這件作品出色的展現了攝影作為當代藝術裡一項類別的可能性。這項作品涉及了處理和再處理複數圖像，以及表現記憶可以作為一種數據形式，邀請觀者去體驗一種變動的感知，反映過去和當下之間的張力。

以東亞為核心呈現收藏家的觀點

YANG ARTS 將以季度性展覽為核心，並採預約制，提供細緻的藝術體驗。未來的展覽方向，將引入東亞和歐美藝壇矚目的當代藝術作品為核心，邀請獨立策展人策劃不同主題的實驗展；同時與日本藝術空間和藝廊合作，引進日本新進、有未來潛力的藝術家個展；另外，也會展出創辦人的私人收藏，包含韓國單色畫、日本高赤中心、具體派、物派的代表性藝術家，爬梳東亞戰後前衛藝術史，期望成為台灣收藏家舉辦收藏交流展的空間。YANG ARTS 亦將不定期舉辦與藝術品鑑賞、收藏相關的沙龍活動，分享日本為主的嶄新的藝壇趨勢，期盼激發收藏家、藝術家、策展人、藝評家、藝術經紀人等交流聚會的靈感場所。

《芃 How lush the world is, how full of things that don’t belong to me — 》

時間：2022/10/15～2022/12/15

地點：YANG ARTS（台北市大安區仁愛路四段 310-3 號）

開放時間：星期二～星期六 1100～1800

預約連結請點此

參展藝術家：

Ayako Ishiba 石場文子 / Daisuke Yokota 橫田大輔 / Ishu Han 潘逸舟 / Ken Kitano 北野謙 /  Kohei Kobayashi 小林耕平 / Mika Ninagawa 蜷川実花 / Nara Yoshitomo 奈良美智 / Nobuyoshi Araki 荒木經惟 / Rika Noguchi 野口里佳 / Sadaharu Horio 堀尾貞治 / Shiho Yoshida 吉田志穗 / Takashi Homma 高橋本 / Taisuke Koyama 小山泰介 / Thomas Struth 湯瑪斯 · 史特魯特 / Yoichi Umetsu 梅津庸一 / 

資料提供｜YANG ARTS（攝影：張國耀）

文字整理｜Adela Cheng

近年的影視作品中，復古未來主義（Retro-futurism）以懷舊而前衛的姿態反覆現身，它既描繪飛天汽車與銀白城市的烏托邦，也映照冷戰陰影下的焦慮與諷刺。而對漫威美術指導Kasra Farahani來說，這樣的世界構築不只關乎風格與美學，更是一場關於想像力的實驗——在矛盾的時間縫隙裡，為觀眾開啟一個帶有溫度與真實的科幻宇宙。

駕駛著飛天汽車、身穿太空服的人們在飄浮城市的高塔間穿梭；老舊的機器人端著銀色托盤，為顧客送上今日的膠囊餐點⋯⋯。在許多電影裡，我們似乎都曾見過這樣的「未來」。那是一個由金屬與夢想構築的世界，一切閃爍著科技的光澤，卻隱隱流露出懷舊的氣息，甚至帶有幾分荒謬的滑稽。這種看似矛盾的視覺語彙，其實正是復古未來主義最令人著迷的地方——它帶領人們回到那個相信「一切皆有可能」的時代，再次凝視那從未真正被實現的未來。

太空夢、霓虹雨與超級英雄

復古未來主義的美學最早可追溯至20世紀初期的科幻小說與視覺藝術。當時人們見證了飛機、收音機與電視的誕生，對於未來的想像前所未有地樂觀而宏大；進入冷戰時期後，太空競賽更將這股科技信仰推向巔峰，從包浩斯建築到家電廣告，設計語言開始被「太空時代」的形象徹底占據，金屬、流線、圓頂與閃亮的銀白色，成為象徵進步與希望的符號。

然而，隨著80年代個人電腦的普及、冷戰的陰影與能源危機的延續，人們不再仰望太空，而是轉向螢幕與數位世界，也讓過去那些關於科技烏托邦的願景顯得天真而遙遠。在這樣的時代背景下，復古未來主義的概念逐漸興起，成為人們重新理解「過去如何想像未來」的一種文化視角，也成為日後許多電影與設計取材的靈感來源。

雖然復古未來主義起源於對未來的樂觀想像，但當這份願景顯得過於理想化，許多創作者也開始以它構築出一種帶著憂鬱與諷刺的「未來幻象」。在電影《銀翼殺手》（1982）中，日式霓虹、工業廢墟與陰雨都市，交織出一個被科技與記憶腐蝕的世界，人工智慧與複製人的出現，引領觀眾反思人性與存在的界線；而在《巴西》（1985）裡，被管線纏繞的大樓與無處不在的監控看似是荒誕的寓言，實際上卻是對早期科技信仰的深刻反諷。這些作品共同揭示了復古未來主義的另一面——它並非單純的懷舊，而是一面映照人類焦慮與理想的鏡子。

在近10年的影視作品中，復古未來主義也再度崛起。無論是《明日世界》（2015）的懷舊太空城設計、《銀翼殺手2049》（2017）對原作的視覺復刻與延伸，還是《小行星城》與影集《明天會更好！》（2023）中幽默荒誕的科幻敘事，都展現了復古與未來並行的奇異錯置。而隨著漫威電影宇宙的擴張，這樣的風格也被重新詮釋於超級英雄的世界之中。從《星際異攻隊》（2014）的70年代太空歌劇氛圍，到《洛基》（2021）中結合粗獷主義與中世紀現代風格的「時間變異管理局」（TVA），再到今年７月上映的《驚奇４超人：第一步》，皆帶領觀眾投入復古未來主義的無限想像。

《洛基》：一個凍結於過去與未來之間的時空

「我認為復古未來主義的迷人之處，在於那種單純而真誠的驚奇與敬畏感。」Kasra Farahani接受La Vie專訪時說道。作為《洛基》與《驚奇4超人：第一步》的美術指導，Kasra過去也曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》與《阿凡達》等多部作品的製作；他擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象的世界觀化為具體的空間。

在《洛基》的核心場景「時間變異管理局」中，他以混凝土牆面、暗橘色燈光與泛著金屬光澤的控制面板，打造出同時屬於過去與未來的矛盾空間。這些元素融合了粗獷主義與中世紀現代主義，靈感來自建築師Marcel Breuer、Pier Luigi Nervi與Paul Rudolph的結構語彙，以及經典科幻電影《2001：太空漫遊》中對未來秩序的想像，構築出一種彷彿停滯於太空時代的氛圍。

「就像大學或政府機關，在興建或整修時常獲得大量經費，但完成後的數十年間卻幾乎不再改變，整個環境彷彿被凍結在那個時代的瞬間。」Kasra如此形容他對TVA世界觀的思考。從色彩、家具到牆面的材質，機構裡的一切都停留在一個過去的未來之中，就連影集經典角色「Miss Minutes」，也延續了這份時代錯置的幽默：她以50年代美國汽車產業公共宣傳片（PSA）的擬人動畫風格登場，溫柔卻略帶詭異的語調、鮮明的色彩與手繪質感，讓「人工智慧」的形象多了一層懷舊。「在我看來，構築世界觀最重要的原則就是一致性。要思考的是，在那個時空中的人，會如何想像『未來』？」他補充道。

《驚奇4超人：第一步》：一座科幻摩天樓裡的小木屋

如果說《洛基》探索的是時間與秩序的荒謬，那麼《驚奇4超人：第一步》則將復古未來主義推向另一個高峰。這一次，Kasra為一個靈感來自60年代的平行宇宙「地球－828」建構世界：紐約上空飛著汽車，街道閃烁著銀藍光芒，整座城市既現代又帶著古典的浪漫氣息。電影的核心場景「巴克斯特大樓」更是這種氣質的縮影。

「我認為『未來感』最明顯地體現在誇張的室內尺度，以及戲劇性、曲線感強烈的表面與輪廓；但在材質上，我選擇保留那些在當時的普通住宅裡也隨處可見的熟悉元素。」他將這座超級英雄總部重新想像為「頂樓裡的小木屋」，以木質牆面、中央壁爐與下沉式談話區構築出家的溫度，讓觀眾在科幻的未來裡仍能感受到生活的真實。

「我們希望這裡更像『家』，而不只是炫目的豪宅。」Kasra進一步說明，為了營造這份親切感，他選用了中世紀現代主義常見的自然元素，如天然石板、暖色木料與植栽，並搭配金色與黃銅細節，與外部銀白的城市形成鮮明對比。其中最具象徵性的空間之一，莫過於4超人每週共享家庭晚餐的廚房：半球形烤肉架、自動蛋糕轉盤，以及在燈光下閃爍的金屬桌面，都彷彿重現了1964年紐約世博會的未來願景，讓觀眾回到那個充滿希望的年代。

「這是一個關於樂觀與烏托邦的故事，讓我們得以從那些常見的反烏托邦題材中暫時抽離。」

對Kasra而言，美術設計的首要任務是服務於敘事，並支撐每一場戲的情感意圖。「無論借鑑何種美學靈感，只要『故事』是核心考量，最終的設計就會自然成為該故事獨有的風格。」

從《洛基》到《驚奇4超人：第一步》，復古未來主義不再只是懷舊的表象，而是一種以「想像」為核心的創作語言。「我不確定它是不是一種潮流，但它確實捕捉了一個充滿創新的黃金時期。」他認為60年代後大眾文化逐漸轉向悲觀，未來常被描繪為冷酷、荒蕪，甚至被機器統治的世界；而復古未來主義之所以迷人，或許正在於那份帶著浪漫與希望的無限想像。

「我很想創造一個設定在1920年代的『未來』，或一個發生在西元3000年的世界——這兩種想像都充滿挑戰，卻也令人極度興奮，不是嗎？」

Kasra Farahani

伊朗裔美術指導與設計師，現居於洛杉磯。早年學習工業設計，曾於多個設計領域工作，後轉入電影產業。曾參與《黑豹》、《星際異攻隊2》、《阿凡達》等多部作品，並擔任《洛基》與《驚奇4超人：第一步》美術指導，擅長從建築與文化脈絡出發，將抽象世界觀化為具體場景。

從城市街道到山林越野，跑步是一種跨越世代和文化的共同本能，努力往前奔跑揮汗的姿態，更在某些時刻達到鼓舞人心的能量。以此為想像，英國藝術家Julian Opie的全新LED影像裝置作品《Marathon. Women.》，則讓銀座GINZA SIX的挑空中庭化身為「懸浮空中的跑道」！

作品極具辨識度的Julian Opie，其極簡線條搭配鮮明色彩，強烈簡約風格讓人看過後就印象深刻；其作品靈感來自生活四面八方，從古典肖像畫、埃及象形文字、日本浮世繪，到公共指標與道路標誌等，經由他之手，都能被轉化一件件簡潔明快的視覺創作。

在空中展開一場無止境的馬拉松

本次《Marathon. Women.》同樣依循Julian Opie的視覺語彙，以英國國家田徑代表隊選手為靈感的影像裝置，只見7位女性跑者化為擁有鮮豔色彩與簡潔線條的人物形象，並各自以不同的顏色與速度，在彷彿漂浮於半空中的長方形螢幕上不斷奔馳，形成一場沒有終點的賽跑。

《Marathon. Women.》從人類最原始的肢體動作「奔跑」出發，之所以聚焦此項主題，Julian Opie表示是自己過往在公園拍攝城市行走者時，被跑者穿越鏡頭時自然且富節奏的擺動吸引；當時，他便心想若能將跑者在奔馳的速度、姿勢與細節，提煉為極簡的線條與色彩，應該會是相當有趣的創作。

Julian Opie認為「跑」這個動作深深扎根在人們的本能裡，而GINZA SIX開放挑高的中庭空間，更能將這份動態能量放大，擴散至整個空間；為了讓人們能切實感受跑步的速度感，他選擇讓作品動起來，以長 10 公尺、寬 8 公尺、高 1 公尺左右的 LED 螢幕箱體作為主要架構，搭配有著紅、藍、黃、綠等不同顏色的跑者人物，帶來強烈的躍動感與沉浸式體驗。

裝置作品充分運用 GINZA SIX 中庭的建築特性，當從不同樓層和角度觀賞時，人們的目光很快便能被螢幕上，有著不同色彩的跑者時所吸引，並開始追著某個特定顏色看，在心中默默為目光鎖定的跑者加油打氣，進而對作品產生共鳴互動與新鮮感受。

《Marathon. Women.》預計將一路展出至2026年秋天，有機會造訪銀座的人，不妨走進GINZA SIX，近距離欣賞這場永無止境的空中賽跑。

資料來源｜GINZA SIX