當藝術展間化身工地，鷹架、泡泡紙、裸露的木構充斥空間；平時作為建物補料的浪板，成為繪畫、服飾與空間裝置的創作媒材，會形構出什麼樣的展覽？現正於台中展出的《無名的繆思》跨界聯展，橫跨繪畫、建築及服裝領域，透過藝術家江賢二、建築師林友寒、時尚設計師周裕穎的三方合作，拾起來自建築工程或服裝製程的各式「廢棄物」或「瑕疵品」，如黑模板、半透明浪板、緹花布浮紗等，秉持著探索未知的精神進行創造，挖掘未知的美。

《無名的繆思》聯展：挖掘尚未能獲得目光的美

江賢二曾說：「藝術家不只要創作美，更要發現美。」而他長達六十年的創作生涯，也反映出對美不間斷的探尋，從紐約、巴黎時期色彩灰暗的「封窗之作」，著重於顏料層次與質感，凸顯藝術家認為美不必向外追尋、而要向內挖掘的信念；到闊別數十年回到台灣，重新展開對家鄉的探索，過程中尤其被龍山寺、保安宮等古廟吸引，當時創作的《百年廟》在用色上已可見些許光亮。

時序來到2008年，江賢二移居台東金樽，深受山海景致、明媚光線的啟發，終於尋得與色彩之間最適意的相處方式，創作出繽紛的《比西里岸之夢》、《乘著歌聲的翅膀》、《金樽》等系列，色彩就此在畫中迸發。

發現美的過程，充滿忽現的轉機，對江賢二來說，紐約、巴黎、台北、台東等城市間的轉換是轉機，這場聯展或許也是。拆解《無名的繆思》展名意義，「繆思」是掌管藝術與科學的女神，現今則代表著激發創作者靈感的人、事與物；「無名的」意指在主流之外，被認為和藝術無關的創作材料與手法，它們或許是未完成的、瑕疵的、廢棄的素材，比如為清水模灌注提供支撐的黑模板、作為建物補料的透明浪板、被紡織廠視為瑕疵的浮紗⋯⋯等，若換個角度看，「無名」也可以是未被發掘的潛能，這些素材所生成的美麗是未知的。而「無名的繆思」多來自創作者自身的生命經驗，以及對生活周遭的發現。

江賢二 X 林友寒 X 周裕穎〈無名的繆思〉：當建物補料「浪板」成為主角

為了這場展覽，三位參展人——江賢二、林友寒和周裕穎以「浪板」為主要媒材，發展出名為〈無名的繆思〉的共同作品。藝術家如何駕馭非典型的工業建材並進行創作？建築師和時尚設計師又如何以空間、裝置和服裝為載體，與藝術家進行對話？創作過程饒富趣味和實驗性，沒人能預知最終成果。

也許你會好奇，工業材料無數，為何是浪板？原來在台東江賢二藝術園區的建造過程中，江賢二舊畫室的鐵皮浪板外牆被拆除，這些陪伴藝術家二十幾年的浪板，有著日曬雨淋、自然鏽蝕的痕跡，那無法經人為刻意再造的獨特質感和紋理，以及波浪般簡單、規律的詩意，令他為之著迷。於是，江賢二撿回將被丟棄的浪板，打造新作〈火與冰 Perish II〉，遠看如平面繪畫，近賞才發現有顏料、浪板碎片的立體深度。

有別於舊畫室拆除的鐵皮浪板，〈無名的繆思〉所使用的是「半透明浪板」，既有令江賢二著迷的詩意，也有林友寒追求的「透光性」，身為建築師，他平時接觸的建築材料厚實沈重，因此這回創作裝置，想呈現打破建築意象的通透效果。

 藝術家江賢二｜首次挑戰半透明浪板，點墨繪出台東山海 

融入作品的所有浪板，都先由江賢二透過「點墨」的方式創作出如海浪、夕陽般的美麗漸層，過去雖有以鐵皮浪板創作的經驗，但半透明浪板對他來說是第一次。經過不停試驗，江賢二終於得到理想色彩是由7、8層顏料堆疊而成的結果，對他來說，更少或更多的顏料層次都是不成功的嘗試。

 建築師林友寒｜以浪板形構空間，提供仰望、穿越等觀看方式 

浪板送到建築師、服裝設計師手中，展開了截然不同的旅程。林友寒以約70片浪板，建構起坡狀的傾斜裝置，呈現對台東山海的想像，也為觀者提供平視、仰望、俯瞰、穿越等多種觀看方式。這看似自由、隨機的形態，其實藏有材料的限制與組構的邏輯。

過程中，林友寒無法事前得知江賢二作畫時所用的顏料色彩，一批一批浪板送過來，有山林的綠、海洋的藍、繁花的多彩，考驗現地拼裝成畫的美感。組構上，僅簡單以木構為支撐、用金屬零件做水平串接，垂直向則沒有另外膠合或鎖件，只仰賴浪板本身的波浪疊合，既保留了江賢二點墨浪板的視覺完整性，也發揮了浪板的材料特質。

 服裝設計師周裕穎｜跳脫慣常手法，用硬媒材呈現柔軟質地 

在周裕穎手中，浪板被裁剪後與複合媒材拼接成為禮服，並以鐵絲縫製、綴上金屬扣眼，透過「硬」媒材表現布料般的「柔軟」質地。有趣的是，最終成品使用的「裁切浪板」做法，並不是周裕穎的第一個念頭。

對服裝設計師來說，打板、縫紉是最習慣的手法，一開始周裕穎也順應著習慣去做，嘗試用熱風槍為浪板形塑出符合人體的線條，卻以失敗告終；於是思考，若拋開順應創作者個性的做法，轉而順應「材料的個性」發展創作，會不會是更好的手法？這也讓他想起過去拜訪江賢二藝術園區時，發現江老師已很少拿起畫筆創作，而是讓顏料在畫布上恣意流動，跳脫慣常，探索創作手法上的突破，啟發了周裕穎將浪板化為裁片、以金屬取代柔性布料的做法。

周裕穎 X 江賢二：以服裝轉譯抽象畫，挖掘「瑕疵」潛藏的繆思

 〈台灣山脈〉顏料 ⇌ 浮紗 

不只〈無名的繆思〉，江賢二與周裕穎、藝術與服裝的激盪，也可見於展間的其他作品中。在〈台灣山脈〉畫作中，江賢二透過明亮色彩的堆疊，抽象式地重現日光照耀山地的磅礡樣貌。為轉譯本作，周裕穎利用「緹花」讓繪畫中的線條變得更為精緻、立體，最終選擇了被紡織廠視為瑕疵的織法——浮紗，重現畫作中的光影軌跡。

 〈金樽／春〉紙團與油彩 ⇌ 烏干紗與油彩 

結合油彩、紙材與金屬網的〈金樽／春〉，以沾上油彩的紙團為創作媒材，源自江賢二在作畫時的發現——即使油彩顏料不在畫布上，而是隨機地交疊、渲染於擦拭紙上，仍保有純淨的美麗色澤，於是著手以紙團發展創作。為了重現〈金樽／春〉中輕盈、蓬鬆的質感，周裕穎選用薄透的烏干紗，用手搓揉出細緻紋路，並一朵一朵地沾染顏料、縫綴於大衣，復刻了江賢二偶然生成的紙團創作，也將無意的生成轉換為精心的設計，形成有趣的「還原」，回應了繆思的交換與啟發。

 〈淨化之夜〉鐵絲與白漆 ⇌ 吐司包裝束帶 

靈感源自荀白克名曲〈昇華之夜〉的作品〈淨化之夜〉，是江賢二自1965年延續至今的系列創作，少年的他以荊棘、空洞的眼神表達對未來茫然；如今年過八十，則為廢棄鐵絲噴上白漆並彎折成為創作媒材，打造同樣名為〈淨化之夜〉的立體裝置，數十年前畫中的荊棘藉由鐵絲轉化為立體，如尖刺般扎心，背景襯以馬勒〈第五號交響曲〉第四樂章，360度緩緩轉動，傳達了極為強烈的精神性。

追尋藝術之路對江賢二來說猶如內觀，內心曾擔受無數的苦與挫敗，但他仍以「淨化」為永恆的信仰，相信藝術可以淨化世界，〈淨化之夜〉陪伴藝術家從年少走到年邁，早已是體現其內在心境轉變的重要之作。

周裕穎如何再詮釋本作？其以黑色西裝與高領洋裝為基底，利用日常生活中常見的吐司包裝束帶取代鐵絲，象徵著因為人生的淬煉，唾手可得的素材都能成為繆思存在的起點，頗有見山不是山的意趣。

林友寒 X 江賢二：棲居東海岸的藝術交流所——江賢二藝術園區

若要深究是什麼成就了《無聲的繆思》，位於台東金樽的江賢二藝術園區必然名列其中，且佔據重要位置，包含浪板成為媒材的靈感、展間中許多再利用的擺飾，以及三位參展人之間所激盪出的火花，皆源自於此。

現正興建中的園區，由林友寒操刀建築設計，他以江賢二的立體雕塑作品〈13.5坪〉為構想，思考鋼塑成為空間的可能性，並將台東的自然景致與氣候納入考量，將園區建築自然地置放在金樽的生態環境當中，讓建築成為一件巨大的藝術雕塑，傳遞著江賢二作品與創作信念中的精神性。

同場加映｜林平 X 三位參展人的對談

前文曾提及，《無名的繆思》可以說是江賢二探尋美的過程中忽現的轉機。若林友寒非操刀江賢二藝術園區的建築師，周裕穎不曾在2020年步入北美館、邂逅當時正在展出的《江賢二：回顧展》，那這場在幽暗處發現美的實驗是否會發生？而瑕疵成為藝術媒材，比如周裕穎在〈金樽／春〉所使用的烏干紗，外型恰如江賢二作畫時用來沾上油彩的紙團，是不是也能視作一種美好的巧合？

 瑕疵是一種「因緣際會的美」 

關於巧合，前北美館館長林平在《無名的繆思》展覽座談會「曠地誌」上提出了很有趣的觀點，「東方人常很講求緣分，西方講求理智，直到達達主義時的機會法則（Laws of Chance），才發現『因緣際會』的美，就像江老師近期常不以畫筆創作，而在巨大的工作桌上，不停擺動畫布任顏料流動，直到滿意為止，它沒有定律、沒有密碼。」也如總被紡織廠認為是瑕疵的浮紗，正好遇上了這場展覽、撞見周裕穎的發現，形成一種彷彿未有安排的巧合之美。

 用瑕疵創作的經歷 

座談會上，三位參展人也相繼提出以往將瑕疵融入創作的做法，舉凡江賢二嘗試以「多拼」呈現單幅畫作，這並非為了追求大尺度，而是刻意不順利、破碎的美感實驗；林友寒在德國的第一個建築案子，是一座位在碼頭與胡桃木森林之間的售票亭，為了呼應胡桃木的棕色，決定以銅作為主要媒材，但工廠送來的「標準銅材」都不符合他的理想狀態，直到某天發現瑕疵品背後竟有綠、棕交錯的獨特紋理，便開始到工廠搜集這些「不及格」的金屬打造亭子，開啟了從「未能達標的材料」找到創作價值的探索；而周裕穎除了經營JUST IN XX之外，也成立永續時尚支線品牌Luxxury Godbage，專門蒐集舊衣、二手玩具、邊角料等，透過手工拆解、縫製與拼接，讓廢棄物成為獨特的服裝創作。

 是什麼成就了「再造」？創作者的惜物之情 

而所謂的瑕疵、廢棄物，又能推演至更宏大的「浪費」議題。事實上，無論是藝術創作、建築工地或服裝產業，都是極度浪費的，過程中會產生許多因不合乎標準而作廢的邊角料；當創作者身在其中久了，這些不完美與無用，反而成為繆思潛藏之處，出自惜物之情、亦源自創作渴望的「再造」於焉而生，如同江賢二、林友寒和周裕穎，他們憑藉一己之「術」將瑕疵轉化成「藝」，賦予物品第二生命。

無論是現場展出的作品，又或是由浪板、鷹架、裸露木構、運送作品時所使用的包材⋯⋯等廢棄物與現成物所建構的展場，都存在著不完美之美，處處藏著創作者埋下的無名繆思，待觀者挖掘，開啟下一個繆思自無名成為主角的輪迴。

《無名的繆思 INVISIBLE MUSE》 江賢二＋林友寒＋周裕穎 跨界聯展

展覽日期｜2022年12月22日～2023年3月11日

展覽地點｜THE 201 ART 順天建築.文化.藝術中心 

展覽地址｜台中市西屯區文心路二段201號B2

營業時間｜週二至週六 10:00～18:00

資料、圖片｜THE 201 ART 順天建築．文化．藝術中心

部分攝影｜izzie pang

觀看似乎是大多數人天生就會的事，但在資訊洪流之中，我們真的準備好「觀看」了嗎？巴黎龐畢度中心即將閉館5年整修，在暫別的時刻，以攝影與廣泛的創作光譜聞名的德國藝術家Wolfgang Tillmans，用大型個展《我們對此毫無準備——我們對此萬般准備》（Nothing could have prepared us - Everything could have prepared us）占領圖書館這個非典型展覽空間。

走進龐畢度中心2樓公共資訊圖書館（Bibliothèque publique d'information，Bpi）6,000平方公尺的空間，感覺像踏進入Wolfgang Tillmans近40年創作的檔案庫，但策展人暨龐畢度中心攝影部門總監Florian Ebner強調，這並不是一檔典型的「回顧展」。矛盾而曖昧的展題，似乎帶有些思辨性的懷疑色彩。他說明，這出自於醞釀多年的構想，尤其，我們正生活在一個資訊更加氾濫、往往讓我們缺乏清晰判斷的世界裡。「對比他在紐約MoMA的回顧展《To Look Without Fear》（2022），你會感受到不同的語調。也許在今天，我們已經不再處於一個可以『無所畏懼地觀看』的時刻了。」

對話圖書館空間的藝術實驗

整修前最後一展，龐畢度團隊早已決定要打開Bpi這非典型展演空間，便邀請了Wolfgang Tillmans。嘗試各色實體影像介入空間的可能性，一直是他的核心實踐。起初，他們聚焦在這寬敞空間的開放性；漸漸地，他們發掘出圖書館本身的歷史與特質。Wolfgang Tillmans十分欣賞這座Renzo Piano和Richard Rogers在生涯早期共創的建築作品。那種激進的姿態背後，是不畏解構、不怕暴露管線結構的大膽，更是著眼空間通透性帶來的解放自由精神。Florian Ebner解釋，「龐畢度中心的管線外露和開放式結構，體現了1970年代的控制論理念。放在今天來看，設計上恰好呼應了網路世界的特徵。」那時，彷彿就已經預示了一個萬物互聯、資訊透明流動的未來世界。

「Wolfgang經常與空間的不完美之處對話。」Florian Ebner觀察到。在傳統白盒子中，他或許會用影像覆蓋住緊急出口，或製造與管線的巧妙互動。而到了這次在Bpi空間，在部分沉重軟裝移除後，較新的灰綠色地毯與露出的舊有紫地毯交錯，本是一般展示空間中不該出現的雜音，他卻刻意保留下來，既呈現建築的歷史積澱，也與他個人的創作軌跡、作品系譜形成微妙的相互映襯。

他也改造了原有的書架與桌子，運用鏡子、雷射投影來牽引參觀者的視線軌跡。尤其在這閉館翻新前的特殊時機，他更能自由深入空間肌理，試驗全新的展示方式。他著名的無相機攝影與不同的時期影像作品、音樂創作、政治實踐織就在一起，延續他個展時慣常的非線性展示邏輯。Florian Ebner說明，「雖然沒有按時間排序，但這些作品系列幫助觀眾串聯起整個展覽的脈絡。」

圖書館化身活的檔案館

圖書館裡一些特殊的軟體設施，也成為Wolfgang Tillmans的創作靈感來源，例如「自學區」（Autoformation）被放在金屬格子間的電腦。近年來，來自海外的學生與新移民經常使用這些設備學習法語，或收看故鄉的衛星電視節目。Wolfgang Tillmans決定保留這獨特的區域，在其中44個螢幕上播放他與另外2名攝影師，在一天內記錄下80位圖書館使用者學習與工作中的日常片段。Florian Ebner解釋：「這些影像提醒我們，年輕群體曾為這個空間帶來的生機與活力。」在另外24台「隨選視訊」（Video on Demand）電腦上，參觀者真的就像檢索書目一樣，可以自由瀏覽Wolfgang Tillmans自1980年代後期開始的錄像作品。「從這個角度來看，圖書館儼然成為一座鮮活的檔案館。」

音樂也交織在展場各處。Wolfgang Tillmans曾夢想當音樂人，混跡地下音樂俱樂部與派對，1990年代初他以攝影師出道時，正是以拍攝倫敦和柏林的銳舞音樂場景而嶄露頭角。後來，他也曾將展覽空間變身為聆聽室，更發行過雜揉電子techno等各色風格的EP與專輯。在展覽南端、能俯瞰史特拉汶斯基噴泉（La Fontaine Stravinsky）的一側，策展團隊打造了一個大型沉浸式空間。訪客可以在揚聲器陣列下或躺或坐，觀賞大型LED螢幕上播放的錄像〈Time Flows All Over（Pompidou）〉，其中，Wolfgang Tillmans反覆吟唱著「We mean what we say, language is what it is」；其他影片亦記錄著書籍印刷等過程，語言與印刷，正是圖書館的核心使命。「這個空間既是放鬆的場所，也是美學體驗的所在。」一個較小的房間播放他的聲音裝置〈I Want to Make a Film〉；而在主圖書館區域，他所創作的環境音樂和實驗性音樂成為背景聲響，為這巨大空間構築出豐富層次。

觀看從來都不容易

展中也匯聚Wolfgang Tillmans豐富的政治實踐，從HIV教育素材、反脫歐海報到倡議T-shirt，織就了一場社會參與的視覺宣言。對他而言，創作與政治行動之間並無明確界線。自1990年代以來，他走過了HIV病毒席捲歐洲、同志族群遭受歧視的年代，目睹世界局勢的跌宕起伏，他個人的見證，也是時代的印記。

如今回望，許多結果未必符合他當初的政治訴求，但Florian Ebner強調，只以立即見效的成功來衡量他行動的意義並不合適。「他的海報倡議雖無法阻止脫歐，但其中部分已成為政治辯論中的重要符號。比如那幅寫著『What is lost is lost forever』的海報，後來在法國選舉期間被某個運動引用為『Ce qui est perdu, est perdu à jamais』。這些作品產生了深遠影響，而這才是評估其價值的正確角度。」改造過的書架上也展示著他關於邊界與公民抵抗的主題作品（像是極右政黨崛起的德勒斯登地區、戰火中的烏克蘭哈爾科夫），還有他拍攝醫學世界的《operation theatre》系列。醫學是圖書館的經典學科分類，也是一個身體、健康與權力交錯的高度政治化的領域。Florian Ebner補充道：「在當前的時代背景下，這樣的展覽必然帶有政治意涵，特別是面對美國政府關閉與審查眾多機構、美術館及研究場所的現實。」

Wolfgang Tillmans的《Truth study centre》系列，自2005年以來持續探索人們如何看待「真相」——這無疑也是各種意識形態的表現。如今這「後真相時代」，AI演算法和深偽技術大行其道，似乎讓真相更加難以辨識，變得曖昧不明。Florian Ebner認為這場展覽的時機恰到好處，Wolfgang Tillmans這次「占領」圖書館的姿態，也令我們重新思考實體知識空間的存在意義。「Wolfgang與空間互動的手法創造了一種詩意、個人化且獨一無二的對話模式，」Florian Ebner表示，「這與AI慣於生成的回音式、制式化知識形成鮮明對比。」有些作品直接回應了這個課題，比如專為2020年代設置的展桌，探討的正是圖書館實體空間與AI那種潛在、虛無的數位空間之間的張力關係。他進一步補充：「從這個角度來看，圖書館成了AI的一種對立典範，而Wolfgang深刻且巧妙地演繹了這種對比關係。」

或許，這次展覽和Wolfgang Tillmans的創作，也是種對數位、虛擬世界諷刺性的質疑。Florian Ebner認為，他自1990年代後期革命性地改變了攝影，特別是他的實體展陳方式。「他拋棄線性的排列，而是像編輯雜誌版面一樣在牆上配置作品，在某種意義上解放了攝影，讓攝影作為實體物件的特質得以彰顯。」而過去20年中，人的感知逐漸成為他創作的核心：相機這光學儀器看到了什麼？我們人類又看到了什麼？攝影如何打破自身再現方式的理所當然？「在他的許多作品中，擁抱我所謂的『創造性的意外』，意即善用創作過程中意想不到的錯誤。這正是他的作品在當代如此珍貴的原因之一。」Wolfgang Tillmans的作品展現了攝影的雙重面向：既是見證世界的方式，也能是深刻的美學體驗。這正是他作品的力道所在。

Florian Ebner

2017年起擔任龐畢度中心國立現代藝術美術館攝影部門總監。1970年出生於德國雷根斯堡。曾任柏林畫廊攝影收藏代理主管（2008～2009）、布倫瑞克攝影博物館館長（2009～2012）與埃森福克旺博物館攝影部門總監（2012～2017）。2015年策劃威尼斯雙年展德國館。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》

2025年8月2日至11月02日，尊彩藝術中心二樓展館將化身為一座時光隧道，《陳澄波百三特展》展出逾20件陳澄波珍貴油畫作品，邀請觀者深入這位台灣前輩畫家橫跨3地的藝術人生。

這場特展不僅是對一位藝術大師的致敬，更是一次深度的文化考古之旅。從陳澄波1924年東京美術學校的求學歲月，到1929～1933年上海任教的成熟期創作，再回到故鄉台灣的深情凝視，每一幅畫布上的筆觸，都見證著那個風雲變幻時代的文化交流與碰撞。20多件作品靜靜陳列，每一筆色彩都承載著跨越時空的深情對話。

一位跨越時空的藝術旅人

踏入展覽現場，我們遇見了一位跨越3個城市的藝術旅人。陳澄波，這個名字背後的故事遠比我們想像的更加複雜動人。1895年生於台灣嘉義的他，在殖民地的時空背景下，以近乎傳奇的方式開展藝術生命。1924年考入東京美術學校（現東京藝術大學），成為第一位以油畫作品〈嘉義街外（一）〉入選帝國美術展覽會（帝展）的台灣畫家。這不僅是個人榮耀，更打開了台灣藝術家走向國際舞台的第一扇門。

從東京到上海，再回到故鄉台灣，陳澄波的創作軌跡如同一本立體的文化地圖，記錄著20世紀初東亞地區文化交流的珍貴印記。1929年至1933年間，他在上海擔任多所美術學院的教職，視野與創作日趨成熟。然而，這位充滿理想的藝術家最終在1947年的二二八事件中殞落，年僅53歲。

重新認識陳澄波的文化座標

在他130歲冥誕之際，尊彩藝術中心特別策劃這檔展覽，每一筆色彩都承載著風雲變幻時代的記憶。陳澄波渴望與人親近，他的風景繪畫中，人物始終是不可或缺的元素。即使在遼闊的風景圖畫裡，總會點綴幾個人物，讓畫面充滿溫情。這種對人的關注，正是他藝術中最動人的特質。

陳澄波一生縱貫台灣、東京和上海的現代藝術風潮，在美術史上具有舉足輕重的代表性。他的彩筆不僅描繪台灣嘉義、淡水觀音山、淡水夕照等重要人文景觀，更見證了1930年代初期台灣農漁工商產業現代化的歷史進程。畫中洋溢著對故鄉及時代的熱情與感染力，透過畫面呈現20世紀初期台灣藝術進入現代化過程的複雜樣貌，也連接起東西方美學的精神內涵。他的精彩豐富人生，反映了台灣藝術史在不同政權統治下所經歷的曲折波濤，也為當代觀者提供深刻的文化思考。

陳澄波10件重點畫作一次看

❶〈夏日湖畔〉（Summertime Lakeside，1930）

遠山疊翠，湖水如鏡。這幅陳澄波在上海任教期間的作品，捕捉了西湖地區初夏寫生的溫潤氣息。相較於傳統文人筆下人跡渺茫的自然山水，他將西湖視為現代化的休閒場域。湖面上載著遊人的小艇愜意划行，湖畔散步的身影悠然自得，展現了蘇軾詩中「淡妝濃抹總相宜」的西湖神韻，展現他對江南水鄉的詩意凝視。

❷〈台灣農家〉（1932）

朱紅廟宇倒映在平靜池水中，撐傘垂釣的身影與撒網捕魚的農人構成寧靜的生活圖景。這座池塘原是彰化孔廟建廟時挖取土方留下的低窪地，經年累月積水成池。1932年的台灣正值農漁工商產業現代化進程，陳澄波透過此作遙望故鄉的農業社會變遷，儒家文教傳統與庶民生產活動和諧並置，成為一場傳統與現代的對話。

❸〈運河〉（約1929-1933）

蘇州運河上舟船穿梭，遠方工廠煙囪直指天際。上海任教期間，陳澄波深受倪雲林、八大山人等古典大師影響，開始將東方水墨畫元素納入創作。他從制高點俯瞰1930年代中國現代化的縮影，畫面中的現代化符號，像是工廠林立、煙火綿延、舟楫交錯，展現他對現代性的嚮往。建築與船隻輪廓以深色線條勾勒，採用類似元代山水畫「一河兩岸」的構圖方式，卻又融入西方透視法的縱深。

❹〈西湖春色（二）〉（約1934）

樹間湖光粼粼，白篷小船悠遊其間，陳澄波將這幅春日西湖經營成如世外桃源般的美麗世界，是東方美學的現代詮釋。前景樹木運用倪雲林的枯枝皴法，以粗黑線條勾勒枝幹與陰影；遠山綠葉則採八大山人的「擦筆」技法，使畫面剛柔並濟。斷橋附近的景色形成圓形視覺焦點，色彩明度較高，巧妙引導觀者視線。

❺〈綠蔭〉（1934）

1906年梅山大地震重創嘉義後，總督府在清朝孔廟舊址上重建嘉義醫院。畫面後方的建築展現和洋混合特色：入口門廊的日式三角坡頂，搭配西式立面窗格，象徵日治時期建築的文化融合現象。濃密的樹冠佔據四分之一畫幅，熾熱陽光穿透葉隙，在地面投下斑駁光影，林蔭下剛步出醫院的女子撐起洋傘。

❻〈滿載而歸〉（1936）

從淡水北方山坡俯瞰而下，蜿蜒的紅土大路引導視線穿越市街，直抵河港。天色將明未明的清晨時分，住在「城仔口」以北的民眾與挑擔小販，沿著電線桿的指引朝市街移動。河岸邊整齊堆疊著來自福州、北海道的進口杉木，冒煙的輪船停泊在棧橋旁。相較於一般風景畫家避開現代設施，陳澄波卻將電線桿、輪船、工廠等「礙眼」景物誇大入畫。

❼〈長榮女中學生宿舍〉（1941）

閩南式屋脊與西洋圓拱窗的奇妙組合，讓這幅作品成為台灣文化融合的象徵。畫面中央的巴克禮牧師館，以其獨特的閩南式屋頂配搭西洋圓拱窗，屋頂上的階梯狀構造，傳說是觀察天文星象之用。在戰爭的非常時期，當許多畫友響應當局製作「聖戰美術」時，陳澄波卻選擇描繪這樣的寧靜校園，高大的鳳凰木綠蔭如蓋，成為抵禦時代風暴的精神庇護所，是戰火中冀求的寧靜詩篇。

❽〈海邊三美〉（Three Beauties by the Sea，約1932）

三位女子結伴坐在海邊岩石上，身穿中式服裝卻搭配西式髮型與領巾，腳上踏著現代皮鞋。這幅畫作呈現了1930年代東方女性的摩登面貌，也反映了當時社會風氣的開放程度。3人結伴海邊遊玩的情景，在傳統中國婦德觀念中是不被允許的，顯示時代的變遷。技法上，前景草地與花卉運用厚塗與快筆交錯的處理方式，海水與天空的處理則融入了中國水墨的暈染技法。

❾〈搭肩裸女〉（1926）

右手輕搭肩膀，左手優雅地倚靠椅背，模特兒目光凝視著右下方，神情帶著一絲內省的沉靜。從坐姿裸女到立姿裸女，展現技法難度的提升——立姿人體對於身體比例、重心平衡、肌肉結構的掌握要求更高，陳澄波在此展現愈趨純熟的觀察力與表現力。背景的淡綠色花紋布幕與椅套上的花布圖案，與模特兒溫潤的膚色形成柔和的色彩對比，營造出寧靜雅致的整體氛圍。

❿〈畫中畫〉（年代待考）

圓桌上鮮花與水果錯落擺放，右側一幅裱框小畫描繪著山海邊的裸女。這幅靜物作品呈現桌面上不同物品的組合，構成豐富的視覺層次。前景水果運用厚塗手法，從金黃到深紅的色彩層次堆疊，質感飽滿。背景的小畫則以較為簡潔的筆法帶過，圓桌邊緣的藍色裝飾為整體暖色調增添變化。在後印象派的靜物畫傳統中，藝術家經常將日常物品與小幅藝術品並置入畫，陳澄波深受梵谷影響，這幅作品展現了他學習後印象派靜物畫技法的痕跡。

《陳澄波百三特展》

展期｜2025年8月2日（六）- 11月2日（日）

地點｜尊彩藝術中心 二樓展館

地址｜台北市內湖區瑞光路366號