《無名的繆思》江賢二 X 林友寒 X 周裕穎跨界聯展!廢棄與瑕疵品化身創作媒材,探索未知的美

《無名的繆思》

當藝術展間化身工地,鷹架、泡泡紙、裸露的木構充斥空間;平時作為建物補料的浪板,成為繪畫、服飾與空間裝置的創作媒材,會形構出什麼樣的展覽?現正於台中展出的《無名的繆思》跨界聯展,橫跨繪畫、建築及服裝領域,透過藝術家江賢二、建築師林友寒、時尚設計師周裕穎的三方合作,拾起來自建築工程或服裝製程的各式「廢棄物」或「瑕疵品」,如黑模板、半透明浪板、緹花布浮紗等,秉持著探索未知的精神進行創造,挖掘未知的美。

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《無聲的繆思》於台中順天建築.文化.藝術中心展出

《無名的繆思》聯展:挖掘尚未能獲得目光的美

江賢二曾說:「藝術家不只要創作美,更要發現美。」而他長達六十年的創作生涯,也反映出對美不間斷的探尋,從紐約、巴黎時期色彩灰暗的「封窗之作」,著重於顏料層次與質感,凸顯藝術家認為美不必向外追尋、而要向內挖掘的信念;到闊別數十年回到台灣,重新展開對家鄉的探索,過程中尤其被龍山寺、保安宮等古廟吸引,當時創作的《百年廟》在用色上已可見些許光亮。

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江賢二封窗時期作品《巴黎聖母院》(圖片來源:江賢二藝術園區)

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江賢二《百年廟》(圖片來源:江賢二藝術園區)

時序來到2008年,江賢二移居台東金樽,深受山海景致、明媚光線的啟發,終於尋得與色彩之間最適意的相處方式,創作出繽紛的《比西里岸之夢》、《乘著歌聲的翅膀》、《金樽》等系列,色彩就此在畫中迸發。

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江賢二《比西里岸之夢》(圖片來源:江賢二藝術園區)

發現美的過程,充滿忽現的轉機,對江賢二來說,紐約、巴黎、台北、台東等城市間的轉換是轉機,這場聯展或許也是。拆解《無名的繆思》展名意義,「繆思」是掌管藝術與科學的女神,現今則代表著激發創作者靈感的人、事與物;「無名的」意指在主流之外,被認為和藝術無關的創作材料與手法,它們或許是未完成的、瑕疵的、廢棄的素材,比如為清水模灌注提供支撐的黑模板、作為建物補料的透明浪板、被紡織廠視為瑕疵的浮紗⋯⋯等,若換個角度看,「無名」也可以是未被發掘的潛能,這些素材所生成的美麗是未知的。而「無名的繆思」多來自創作者自身的生命經驗,以及對生活周遭的發現。

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右為江賢二〈金樽/秋〉與周裕穎〈旅人系列:金樽/秋〉作品

江賢二 X 林友寒 X 周裕穎〈無名的繆思〉:當建物補料「浪板」成為主角

為了這場展覽,三位參展人——江賢二、林友寒和周裕穎以「浪板」為主要媒材,發展出名為〈無名的繆思〉的共同作品。藝術家如何駕馭非典型的工業建材並進行創作?建築師和時尚設計師又如何以空間、裝置和服裝為載體,與藝術家進行對話?創作過程饒富趣味和實驗性,沒人能預知最終成果。

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藝術家江賢二/時尚設計師周裕穎/建築師林友寒

也許你會好奇,工業材料無數,為何是浪板?原來在台東江賢二藝術園區的建造過程中,江賢二舊畫室的鐵皮浪板外牆被拆除,這些陪伴藝術家二十幾年的浪板,有著日曬雨淋、自然鏽蝕的痕跡,那無法經人為刻意再造的獨特質感和紋理,以及波浪般簡單、規律的詩意,令他為之著迷。於是,江賢二撿回將被丟棄的浪板,打造新作〈火與冰 Perish II〉,遠看如平面繪畫,近賞才發現有顏料、浪板碎片的立體深度。

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江賢二〈火與冰 Perish I〉(圖片來源:公益平台文化基金會)

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江賢二〈火與冰 Perish II & III〉局部(圖片來源:公益平台文化基金會)

有別於舊畫室拆除的鐵皮浪板,〈無名的繆思〉所使用的是「半透明浪板」,既有令江賢二著迷的詩意,也有林友寒追求的「透光性」,身為建築師,他平時接觸的建築材料厚實沈重,因此這回創作裝置,想呈現打破建築意象的通透效果。

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林友寒 X 江賢二 X 周裕穎〈無名的繆思〉(攝影:izzie pang)

 藝術家江賢二|首次挑戰半透明浪板,點墨繪出台東山海 

融入作品的所有浪板,都先由江賢二透過「點墨」的方式創作出如海浪、夕陽般的美麗漸層,過去雖有以鐵皮浪板創作的經驗,但半透明浪板對他來說是第一次。經過不停試驗,江賢二終於得到理想色彩是由7、8層顏料堆疊而成的結果,對他來說,更少或更多的顏料層次都是不成功的嘗試。

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〈無名的繆思〉所使用的半透明浪板,帶有如波浪般簡單、規律的詩意(攝影:izzie pang)

 建築師林友寒|以浪板形構空間,提供仰望、穿越等觀看方式 

浪板送到建築師、服裝設計師手中,展開了截然不同的旅程。林友寒以約70片浪板,建構起坡狀的傾斜裝置,呈現對台東山海的想像,也為觀者提供平視、仰望、俯瞰、穿越等多種觀看方式。這看似自由、隨機的形態,其實藏有材料的限制與組構的邏輯。

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林友寒將江賢二所繪製的半透明浪板組構成一坡形的立體裝置

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〈無名的繆思〉提供觀者各式各樣的觀看、體驗視角

過程中,林友寒無法事前得知江賢二作畫時所用的顏料色彩,一批一批浪板送過來,有山林的綠、海洋的藍、繁花的多彩,考驗現地拼裝成畫的美感。組構上,僅簡單以木構為支撐、用金屬零件做水平串接,垂直向則沒有另外膠合或鎖件,只仰賴浪板本身的波浪疊合,既保留了江賢二點墨浪板的視覺完整性,也發揮了浪板的材料特質。

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〈無名的繆思〉與觀者和其他展品的互動關係

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〈無名的繆思〉與觀者和其他展品的互動關係(攝影:izzie pang)

 服裝設計師周裕穎|跳脫慣常手法,用硬媒材呈現柔軟質地 

在周裕穎手中,浪板被裁剪後與複合媒材拼接成為禮服,並以鐵絲縫製、綴上金屬扣眼,透過「硬」媒材表現布料般的「柔軟」質地。有趣的是,最終成品使用的「裁切浪板」做法,並不是周裕穎的第一個念頭。

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周裕穎將江賢二繪製的半透明浪板化為禮服

對服裝設計師來說,打板、縫紉是最習慣的手法,一開始周裕穎也順應著習慣去做,嘗試用熱風槍為浪板形塑出符合人體的線條,卻以失敗告終;於是思考,若拋開順應創作者個性的做法,轉而順應「材料的個性」發展創作,會不會是更好的手法?這也讓他想起過去拜訪江賢二藝術園區時,發現江老師已很少拿起畫筆創作,而是讓顏料在畫布上恣意流動,跳脫慣常,探索創作手法上的突破,啟發了周裕穎將浪板化為裁片、以金屬取代柔性布料的做法。

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周裕穎以浪板製作的禮服細節(攝影:izzie pang)

周裕穎 X 江賢二:以服裝轉譯抽象畫,挖掘「瑕疵」潛藏的繆思

 〈台灣山脈〉顏料 ⇌ 浮紗 

不只〈無名的繆思〉,江賢二與周裕穎、藝術與服裝的激盪,也可見於展間的其他作品中。在〈台灣山脈〉畫作中,江賢二透過明亮色彩的堆疊,抽象式地重現日光照耀山地的磅礡樣貌。為轉譯本作,周裕穎利用「緹花」讓繪畫中的線條變得更為精緻、立體,最終選擇了被紡織廠視為瑕疵的織法——浮紗,重現畫作中的光影軌跡。

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江賢二 X 周裕穎〈旅人系列:台灣山脈〉

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江賢二 X 周裕穎〈旅人系列:台灣山脈〉浮紗細節(攝影:izzie pang)

 〈金樽/春〉紙團與油彩 ⇌ 烏干紗與油彩 

結合油彩、紙材與金屬網的〈金樽/春〉,以沾上油彩的紙團為創作媒材,源自江賢二在作畫時的發現——即使油彩顏料不在畫布上,而是隨機地交疊、渲染於擦拭紙上,仍保有純淨的美麗色澤,於是著手以紙團發展創作。為了重現〈金樽/春〉中輕盈、蓬鬆的質感,周裕穎選用薄透的烏干紗,用手搓揉出細緻紋路,並一朵一朵地沾染顏料、縫綴於大衣,復刻了江賢二偶然生成的紙團創作,也將無意的生成轉換為精心的設計,形成有趣的「還原」,回應了繆思的交換與啟發。

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江賢二 X 周裕穎〈金樽/春〉(攝影:izzie pang)

 〈淨化之夜〉鐵絲與白漆 ⇌ 吐司包裝束帶 

靈感源自荀白克名曲〈昇華之夜〉的作品〈淨化之夜〉,是江賢二自1965年延續至今的系列創作,少年的他以荊棘、空洞的眼神表達對未來茫然;如今年過八十,則為廢棄鐵絲噴上白漆並彎折成為創作媒材,打造同樣名為〈淨化之夜〉的立體裝置,數十年前畫中的荊棘藉由鐵絲轉化為立體,如尖刺般扎心,背景襯以馬勒〈第五號交響曲〉第四樂章,360度緩緩轉動,傳達了極為強烈的精神性。

追尋藝術之路對江賢二來說猶如內觀,內心曾擔受無數的苦與挫敗,但他仍以「淨化」為永恆的信仰,相信藝術可以淨化世界,〈淨化之夜〉陪伴藝術家從年少走到年邁,早已是體現其內在心境轉變的重要之作。

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江賢二《淨化之夜》,1990(圖片來源:江賢二藝術園區)

周裕穎如何再詮釋本作?其以黑色西裝與高領洋裝為基底,利用日常生活中常見的吐司包裝束帶取代鐵絲,象徵著因為人生的淬煉,唾手可得的素材都能成為繆思存在的起點,頗有見山不是山的意趣。

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周裕穎重新詮釋《淨化之夜》(攝影:izzie pang)

林友寒 X 江賢二:棲居東海岸的藝術交流所——江賢二藝術園區

若要深究是什麼成就了《無聲的繆思》,位於台東金樽的江賢二藝術園區必然名列其中,且佔據重要位置,包含浪板成為媒材的靈感、展間中許多再利用的擺飾,以及三位參展人之間所激盪出的火花,皆源自於此。

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江賢二藝術園區(攝影:高信宗/圖片來源:公益平台文化基金會)

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《無名的繆思》展覽現場的一小角,重現了江賢二在園區創作的景況(攝影:izzie pang)

現正興建中的園區,由林友寒操刀建築設計,他以江賢二的立體雕塑作品〈13.5坪〉為構想,思考鋼塑成為空間的可能性,並將台東的自然景致與氣候納入考量,將園區建築自然地置放在金樽的生態環境當中,讓建築成為一件巨大的藝術雕塑,傳遞著江賢二作品與創作信念中的精神性。

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江賢二〈13.5坪〉雕塑作品,其後為江賢二藝術園區照片(攝影:izzie pang)

同場加映|林平 X 三位參展人的對談

前文曾提及,《無名的繆思》可以說是江賢二探尋美的過程中忽現的轉機。若林友寒非操刀江賢二藝術園區的建築師,周裕穎不曾在2020年步入北美館、邂逅當時正在展出的《江賢二:回顧展》,那這場在幽暗處發現美的實驗是否會發生?而瑕疵成為藝術媒材,比如周裕穎在〈金樽/春〉所使用的烏干紗,外型恰如江賢二作畫時用來沾上油彩的紙團,是不是也能視作一種美好的巧合?

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《無名的繆思》展覽現場

 瑕疵是一種「因緣際會的美」 

關於巧合,前北美館館長林平在《無名的繆思》展覽座談會「曠地誌」上提出了很有趣的觀點,「東方人常很講求緣分,西方講求理智,直到達達主義時的機會法則(Laws of Chance),才發現『因緣際會』的美,就像江老師近期常不以畫筆創作,而在巨大的工作桌上,不停擺動畫布任顏料流動,直到滿意為止,它沒有定律、沒有密碼。」也如總被紡織廠認為是瑕疵的浮紗,正好遇上了這場展覽、撞見周裕穎的發現,形成一種彷彿未有安排的巧合之美。

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《無名的繆思》展覽現場

 用瑕疵創作的經歷 

座談會上,三位參展人也相繼提出以往將瑕疵融入創作的做法,舉凡江賢二嘗試以「多拼」呈現單幅畫作,這並非為了追求大尺度,而是刻意不順利、破碎的美感實驗;林友寒在德國的第一個建築案子,是一座位在碼頭與胡桃木森林之間的售票亭,為了呼應胡桃木的棕色,決定以銅作為主要媒材,但工廠送來的「標準銅材」都不符合他的理想狀態,直到某天發現瑕疵品背後竟有綠、棕交錯的獨特紋理,便開始到工廠搜集這些「不及格」的金屬打造亭子,開啟了從「未能達標的材料」找到創作價值的探索;而周裕穎除了經營JUST IN XX之外,也成立永續時尚支線品牌Luxxury Godbage,專門蒐集舊衣、二手玩具、邊角料等,透過手工拆解、縫製與拼接,讓廢棄物成為獨特的服裝創作。

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周裕穎為〈無名的繆思〉製作的服裝模型(攝影:izzie pang)

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展間的廢棄黑板檯面上,展示著《無名的繆思》的策展與創作紀錄(攝影:izzie pang)

 是什麼成就了「再造」?創作者的惜物之情 

而所謂的瑕疵、廢棄物,又能推演至更宏大的「浪費」議題。事實上,無論是藝術創作、建築工地或服裝產業,都是極度浪費的,過程中會產生許多因不合乎標準而作廢的邊角料;當創作者身在其中久了,這些不完美與無用,反而成為繆思潛藏之處,出自惜物之情、亦源自創作渴望的「再造」於焉而生,如同江賢二、林友寒和周裕穎,他們憑藉一己之「術」將瑕疵轉化成「藝」,賦予物品第二生命。

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置身〈無名的繆思〉浪板裝置下,向外望去的展間風景(攝影:izzie pang)

無論是現場展出的作品,又或是由浪板、鷹架、裸露木構、運送作品時所使用的包材⋯⋯等廢棄物與現成物所建構的展場,都存在著不完美之美,處處藏著創作者埋下的無名繆思,待觀者挖掘,開啟下一個繆思自無名成為主角的輪迴。

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《無名的繆思》展覽現場的一小角,重現了江賢二在園區創作的景況(攝影:izzie pang)

《無名的繆思 INVISIBLE MUSE》 江賢二+林友寒+周裕穎 跨界聯展

展覽日期|2022年12月22日~2023年3月11日

展覽地點|THE 201 ART 順天建築.文化.藝術中心 

展覽地址|台中市西屯區文心路二段201號B2

營業時間|週二至週六 10:00~18:00

資料、圖片|THE 201 ART 順天建築.文化.藝術中心

部分攝影|izzie pang

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史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

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《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

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David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

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Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
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Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

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After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
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Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

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展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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2025大阪世博盛大進行中,而在這匯聚全球國家與日本企業的盛會中,又有哪些展館值得一看?La Vie編輯實際走訪夢洲會場後,將精選出幾座私心推薦的展館,並分成兩篇與讀者介紹。

大阪世博中,主要分成海外國家館、日本國內/民間企業館,以及8大主題館;各展館又分為自由觀展、分批導覽/體驗等形式。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
2025大阪世博中,主要分成海外國家館、日本國內/民間企業館,以及8大主題館;各展館又分為自由觀展、分批導覽/體驗等形式。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

▸ NTT Pavilion

體驗未來通訊的時空之旅

1970年大阪世博時,日本電信電話公社(日本電信電話公司NTT的前身)展示了無線電話,在當時被認為難以實現的技術,如今也化為現實。而2025年,NTT以「PARALLEL TRAVEL(平行時空旅行)」為主題打造的「NTT Pavilion」,將能親身體驗「IOWN(Innovative Optical and Wireless Network)」技術,是如何連結遠方的場所,讓人們跨越距離、共享空間,感受彼此的存在,展現出未來通訊的全新樣貌。

NTT Pavilion外觀(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
NTT Pavilion外觀(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

NTT Pavilion分為3大展區,走進Zone 1,將可透過展示品與影片,感受到從手寫信等傳統方式到現代智慧型手機的通訊演進歷史,聽起來或許有點無聊,不過在逛了許多展館、感到有些看展疲乏後,這一區的影像呈現方式,還是讓人有所感觸。

Zone 1將可透過展示品與影片,感受到從手寫信等傳統方式到現代智慧型手機的通訊演進歷史。(攝影:Adela Cheng)
Zone 1將可透過展示品與影片,感受到從手寫信等傳統方式到現代智慧型手機的通訊演進歷史。(攝影:Adela Cheng)

來到Zone 2,戴上3D眼鏡後,將能體驗到NTT運用IOWN技術打造的全新感官體驗。在這裡會觀賞到Perfume先前於萬博記念公園搭建的舞台上拍攝的演出,表演影像也巧妙串連起1970年的電氣通信館與2025年的NTT Pavilion,帶出跨越時空的意涵。很酷的是,地板還會跟著Perfume的舞步振動,頗有在現場看演唱會之感。不論你是不是Perfume的歌迷,應該都會看得很開心。

戴上3D眼鏡後,將可欣賞到Perfume帶來的特別演出,整體體驗下來很有臨場感。(攝影:Adela Cheng)
本圖為肉眼直接看到的畫面。戴上3D眼鏡後,就可欣賞到Perfume帶來的特別演出,整體體驗下來很有臨場感。(攝影:Adela Cheng)
離開Zone 2前,可別錯過Perfume的親筆簽名。(攝影:Adela Cheng)
離開Zone 2前,可別錯過Perfume的親筆簽名。(攝影:Adela Cheng)

進去Zone 3前,先要進行掃描、創建出「另一個自己」的影像,而你的虛擬分身將會投影至房間的螢幕上,讓參觀者藉由該體驗,發現自己不同的另一面。這邊也先不爆雷太多,但能說的是,當時身旁不管男女老少的參觀者,都直呼這個體驗有趣。最後,也別錯過NTT Pavilion展館外的體驗區,這裡設置了3台公用電話,拿起聽筒按下特定的數字,將能聽到不同的故事。

參觀者在Zone 3可藉由體驗,發現自己不同的另一面。(攝影:Adela Cheng)
參觀者在Zone 3可藉由體驗,發現自己不同的另一面。(攝影:Adela Cheng)

NTT Pavilion
可當日預約。採分批體驗,參觀時間約半小時
更多資訊可至官網查詢

▸ EARTH MART

透過「食物」重新思考生命

以「食」為主題的EARTH MART,為本屆世博會的8大主題館之一,其由曾策劃多部與飲食相關電視節目、創造出「熊本熊」的幕後推手、現任京都藝術大學副校長的小山薫堂擔任策劃。而在這座幻想中的超級市場,人們將能接觸到食物與生命的循環,並與通往未來的靈感相遇。

「Earth Mart」展館建築由隈研吾操刀,其以里山常見的茅草屋頂建成,象徵過往鄉村生活的繁榮。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
「Earth Mart」展館建築由隈研吾操刀,其以里山常見的茅草屋頂建成,象徵過往鄉村生活的繁榮。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

EARTH MART主要分成兩大區塊,在「生命的樓層(いのちのフロア)」中,來訪者將猶如在超市中購物,藉由各式體驗,重新審視「食物即是生命」的本質。比如人們將能看到孕育出「野菜生命」的各式種子;「生命的秤」讓你拿起一旁的食物商品放到秤上後,即會以動畫的方式呈現出其背後的故事,使人感受到生命的重量。

「生命的秤」讓你拿起一旁的食物商品放到秤上後,即會以動畫的方式呈現出其背後的故事。(攝影:Adela Cheng)
「生命的秤」讓你拿起一旁的食物商品放到秤上後,即會以動畫的方式呈現出其背後的故事。(攝影:Adela Cheng)

「世界的餐桌」透過鏡頭下的照片,一探世界各地人們的飲食;尤其吸睛的「生命購物車」,以日本「青森睡魔祭」風格製成巨大的推車,具體化了一個日本人約10年份的食材;走近「生命的收銀台」,則會看到螢幕上自己的臉,隨機變化成蔬果或動物的圖案,帶出「我們是由我們所接受的生命所構成」的意涵。

巨大的推車具體化一個日本人約10年份的食材。(攝影:Adela Cheng)
巨大的推車具體化一個日本人約10年份的食材。(攝影:Adela Cheng)

在「未來的樓層(未来のフロア)」這一區,觀者則能重新思考未來的飲食方式。像是「展望未來的壽司店」可見「壽司之神」小野二郎的逼真投影使用了養殖魚作為壽司材料,象徵著「壽司職人 × 食品科技」傳統與創新的融合;「進化中的冷凍食品」則將各式食材經冷凍粉碎後,這些粉末將化為未來的冷凍食品,展現飲食的各種可能性。

相當逼真的「壽司之神」小野二郎投影。(攝影:Adela Cheng)
相當逼真的「壽司之神」小野二郎投影。(攝影:Adela Cheng)

個人尤其喜歡的「讓所有人都幸福的未來甜點」,展出了世界各地的孩子對於未來點心的奇思妙想,像是吵架時吃了會和好的糖果、有著天使翅膀的巧克力、可以短暫實現一小時願望的糖果⋯⋯,有很多看了會讓人露出微笑的可愛提案。展覽最後,人們也將拿到免費的「萬博漬」梅乾兌換卷,且要等到2050年才能享用,有種一同埋下「飲食的時空膠囊」之感,也可說是一份送給25年後的自己的特別紀念品。

「讓所有人都幸福的未來甜點」,展出了世界各地的孩子對於未來點心的奇思妙想。(攝影:Adela Cheng)
「讓所有人都幸福的未來甜點」,展出了世界各地的孩子對於未來點心的奇思妙想。(攝影:Adela Cheng)
近看小朋友寫的提案,有很多讓人看了會心一笑的想法。(攝影:Adela Cheng)
近看小朋友寫的提案,有很多讓人看了會心一笑的想法。(攝影:Adela Cheng)
展覽最後,人們也將拿到免費的「萬博漬」梅乾兌換卷,且要等到2050年才能享用。(攝影:Adela Cheng)
展覽最後,人們也將拿到免費的「萬博漬」梅乾兌換卷,且要等到2050年才能享用。(攝影:Adela Cheng)

EARTH MART
需預約,當日也將發放整理券。編輯參觀時間約40分鐘
更多資訊可至官網查詢

▸ PASONA NATUREVERSE

原子小金剛與怪醫黑傑克化身導覽員

由保聖那集團打造的「PASONA NATUREVERSE」,以「感謝生命(いのち、ありがとう)」為主題。展館建築外觀的設計,便以菊石的「螺旋形狀」作為生命的象徵,期盼參觀者「透過學習『生命』的歷史、接觸支撐『生命』的人類智慧和未來社會的設計,感受到對『生命』的感謝」。

「PASONA NATUREVERSE」展館建築,以菊石的「螺旋形狀」為靈感。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
「PASONA NATUREVERSE」展館建築,以菊石的「螺旋形狀」為靈感。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

PASONA NATUREVERSE分為3大展區:History of Life Zone、Body Zone、Mind / Bonds Zone,並由原子小金剛與怪醫黑傑克擔任導覽員。走進第一區可見壯觀的「生命進化之樹」,樹幹內側描繪了進化歷史的地層,向下延伸的樹幹與根部象徵遙遠的過去、從樹幹伸展的樹枝則表示邁向未來的無限可能性。接著的動畫內容則巧妙透過原子小金剛與怪醫黑傑克帶出本展館最大的看點——「iPS心臟」。

生命進化之樹(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
生命進化之樹(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
動畫內容巧妙透過原子小金剛與怪醫黑傑克帶出本展館最大的看點——「iPS心臟」。(攝影:Adela Cheng)
動畫內容巧妙透過原子小金剛與怪醫黑傑克帶出本展館最大的看點——「iPS心臟」。(攝影:Adela Cheng)

在Body Zone,參觀者能近距離看到於培養液中不斷跳動的「iPS心臟」,其為運用iPS細胞與已實用化的iPS心肌片技術,以活細胞結合生物材料、生物工程學,製作而出的人造立體心臟,也向全球展現出日本未來醫療的潛力。後面的展間也接續呈現「未來的醫療」、「未來的睡眠」,讓人們實際感受到在不遠的未來,科技的革新將能帶來創新的體驗。

近看「iPS心臟」滿震撼。圖右為iPS細胞(攝影:Adela Cheng)
近看「iPS心臟」時頗為震撼。(攝影:Adela Cheng)

最後一區的「NATUREVERSE秀」,再次有原子小金剛與怪醫黑傑克現身,透過表演展示在自然與科技交織的世界中,人與人之間以關懷之心,孕育出真正豐饒的未來,搭配結尾以多種語言表現的「いのち、ありがとう」,也進一步呼應了展館與「生命」主題的連結。特別要提的是,「醫療科技」這個主題對我來說有點遙遠,但當大家熟悉的動漫IP貫穿於整個展館時,確實能更容易理解他們想傳達的內容(且不無聊)。另外要推薦展館的NATUREVERSE SHOP,裡頭販售原子小金剛與怪醫黑傑克的限定商品,大多設計得很可愛,值得入手。

最後一區的「NATUREVERSE秀」,再次有原子小金剛與怪醫黑傑克現身。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
最後一區的「NATUREVERSE秀」(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

PASONA NATUREVERSE
預約、現場排隊並行。編輯參觀時間約40分鐘
更多資訊可至官網查詢

▸ 法國館

時尚精品、法式美學的展現

本屆世博的人氣展館之一「法國館」,以一個普世又永恆動人的「愛的讚歌」為主題,並透過建築、展覽活動、室內設計,展現法式美學與法國多元的魅力。擁有優雅、詩意外觀的法國館,立面設計猶如以巨大帷幕覆蓋的劇場舞台,既帶有神秘氛圍,也吸引了來訪者的目光;覆以粉紅銅材的斜坡輕巧地捕捉並反射光線,營造出迷人的光影效果。隨著人們順著緩坡而上,也正式宣告即將展開一段沉浸式旅程。

法國館展館由法國建築事務所Coldefy與義大利建築與創新團隊CRA-Carlo Ratti Associati聯手打造。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
法國館展館由法國建築事務所Coldefy與義大利建築與創新團隊CRA-Carlo Ratti Associati聯手打造。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

而提起法國,自然少不了時尚精品。LVMH集團旗下的Louis Vuitton與Dior帶來了精彩的常設展。Louis Vuitton攜手OMA的日本建築師重松象平,重新詮釋了品牌作為「行李箱製造商」的歷史:85件LV代表性行李箱,圍繞著羅丹經典作品〈大教堂〉,加上IRCAM(法國媒體聲音研究中心)根據各工坊個性所編排出的獨特節奏,呈現出品牌卓越的工藝。下一個展間則可見由環繞的行李箱組成的作品,搭配日本藝術家真鍋大度創作的影像,展現了Louis Vuitton對「旅行」概念的詮釋。

(圖片來源:路易威登)
(圖片來源:路易威登)
(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

Dior則以其經典的「Bar」套裝迎接來訪者,並透過法國國旗的藍、白、紅三色,向高級訂製服的優雅美感致敬。展間亦展示了日本設計師吉岡德仁重新詮釋的「Medallion of Light」經典椅;攝影師高木由利子的影像投影,也更進一步為空間增添氛圍。整體由佈景師Nathalie Crinière構思的場景,也細緻展現了Dior自創立以來,與日本之間的深厚連結。

(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

特別一提的是,每個展間入口也展示了來自羅丹美術館的羅丹「手部」雕塑作品,且每一雙手都象徵著一種愛的姿態,既體現法國非凡的工藝,也讓「愛」這一主題貫穿展館。當然不只有時尚精品,法國館也融入了結合葡萄酒故事的裝置作品、由三位舞者在巴黎龐畢度中心演繹的細膩編舞,與以聲光影像闡述日本與法國之間,人文與自然層面的緊密連結。總的來說,不論是建築展館、展覽內容或展場設計,完全體現了法國的美感與品味,讓人留下深刻的印象。

法國館也可見羅丹的「手部」雕塑作品,且每一雙手都象徵著一種愛的姿態。(攝影:Adela Cheng)
每個展間的入口,也可見羅丹的「手部」雕塑作品。(攝影:Adela Cheng)

法國館
現場排隊。編輯參觀時間約半小時
更多資訊可至官網查詢

▸ TECH WORLD館

以建築、展演、科技傳遞台灣魅力

本屆世博會台灣以「TECH WORLD館」的名義參加,並以「連結世界,共創未來美好生活」為策展理念,規劃「生命」、「自然」、「未來」三大劇場。從建築外觀來看,TECH WORLD館就像是高聳的群山,其採用可回收金屬板為建材,並透過折角帶出如群峰蜿蜒的山稜線條。白天反射陽光的金屬板,將閃耀光芒,到了夜晚,館內則會透出柔和燈光,展現出另一種溫柔靜謐的樣貌。

TECH WORLD館建築以群山為靈感。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
TECH WORLD館建築以群山為靈感。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

入場時,參觀者將會配戴上智能手環,屆時AI也將根據每個人的看展感受,生成專屬的「心動曲線」,推薦你適合的台灣觀光行程。而造訪當天,雖全程為日文導覽,但影片上有中文與英文字幕,基本上不太影響觀展體驗(現場也有提供英文及中文的線上語音導覽)。其中,最讓我有感的「生命劇場」,透過巨型的柱狀環形投影、560隻機械手臂結合多媒體平板,以及12聲道環繞聲效系統,重現了臺灣的多元生態面貌。隨著影像擺動的平板、猶如走入森林般的燈光與聲音設計,讓整個體驗更添沉浸感,最後溫柔的女聲哼唱出來時,不知為何竟讓我熱淚盈眶,或許是想到這座不能以自己的名字參加世博的展館,真的很努力用各種方式來訴說我們的故事。

「生命劇場」透過柱狀環形投影、560隻機械手臂結合多媒體平板打造出充滿生命力的動態演出。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
「生命劇場」透過柱狀環形投影、560隻機械手臂結合多媒體平板打造出充滿生命力的動態演出。(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
(攝影:蔡耀徵 © La Vie)
(攝影:蔡耀徵 © La Vie)

接著的「自然劇場」,以360度環形螢幕呈現以《山、雲與我們》為題的群山風景,帶領人們看見台灣壯麗的山林、雲海景色;虛擬蝴蝶與實體蘭花共演的「蘭花小徑」,展現科技與自然融合的樣貌;結合藝術與科技的「AI藝廊」,則會看到熟悉的台灣畫作動了起來。另外有感的是,這些對於我們來說不算陌生的元素,但聽到一旁的日本人驚呼「すごい(厲害)」的同時,內心不禁也有種被鼓舞的感覺。

最後的「未來劇場」透過導入生成式AI動畫技術,闡述晶片在未來世界所扮演的重要角色,並帶出這些晶片來自一座科技之島,呼應了TECH WORLD展館的名稱。展覽結束時,每位參觀者也將拿到免費的限定小禮物,十足展現台灣的好客精神。

「未來劇場」透過13公尺寬、2.4公尺高的巨型Mini LED螢幕與互動感測器,打造出沉浸式影像。(圖片來源:TECH WORLD)
「未來劇場」透過13公尺寬、2.4公尺高的巨型Mini LED螢幕與互動感測器,打造出沉浸式影像。(圖片來源:TECH WORLD)

私心來說,台灣人若有機會前往世博,一定要把TECH WORLD館列入參觀名單中,見證這座島嶼如何在不(能)說出自己的名字的情況下,在這場國際盛會上呈現出自身的多元樣貌;平心而論,在我看了近30個館後,TECH WORLD館的用心程度算是排在前段班,甚至某天走在會場時,我就曾聽到一群日本人討論著要再去看一次「台灣館」,我想這或多或少也證明了TECH WORLD館做得不錯吧。

(圖片來源:TECH WORLD)
(圖片來源:TECH WORLD)

TECH WORLD館
可當日預約、現場排隊。採分批導覽,參觀時間約半小時
更多資訊可至官網查詢

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