當藝術展間化身工地，鷹架、泡泡紙、裸露的木構充斥空間；平時作為建物補料的浪板，成為繪畫、服飾與空間裝置的創作媒材，會形構出什麼樣的展覽？現正於台中展出的《無名的繆思》跨界聯展，橫跨繪畫、建築及服裝領域，透過藝術家江賢二、建築師林友寒、時尚設計師周裕穎的三方合作，拾起來自建築工程或服裝製程的各式「廢棄物」或「瑕疵品」，如黑模板、半透明浪板、緹花布浮紗等，秉持著探索未知的精神進行創造，挖掘未知的美。

《無名的繆思》聯展：挖掘尚未能獲得目光的美

江賢二曾說：「藝術家不只要創作美，更要發現美。」而他長達六十年的創作生涯，也反映出對美不間斷的探尋，從紐約、巴黎時期色彩灰暗的「封窗之作」，著重於顏料層次與質感，凸顯藝術家認為美不必向外追尋、而要向內挖掘的信念；到闊別數十年回到台灣，重新展開對家鄉的探索，過程中尤其被龍山寺、保安宮等古廟吸引，當時創作的《百年廟》在用色上已可見些許光亮。

時序來到2008年，江賢二移居台東金樽，深受山海景致、明媚光線的啟發，終於尋得與色彩之間最適意的相處方式，創作出繽紛的《比西里岸之夢》、《乘著歌聲的翅膀》、《金樽》等系列，色彩就此在畫中迸發。

發現美的過程，充滿忽現的轉機，對江賢二來說，紐約、巴黎、台北、台東等城市間的轉換是轉機，這場聯展或許也是。拆解《無名的繆思》展名意義，「繆思」是掌管藝術與科學的女神，現今則代表著激發創作者靈感的人、事與物；「無名的」意指在主流之外，被認為和藝術無關的創作材料與手法，它們或許是未完成的、瑕疵的、廢棄的素材，比如為清水模灌注提供支撐的黑模板、作為建物補料的透明浪板、被紡織廠視為瑕疵的浮紗⋯⋯等，若換個角度看，「無名」也可以是未被發掘的潛能，這些素材所生成的美麗是未知的。而「無名的繆思」多來自創作者自身的生命經驗，以及對生活周遭的發現。

江賢二 X 林友寒 X 周裕穎〈無名的繆思〉：當建物補料「浪板」成為主角

為了這場展覽，三位參展人——江賢二、林友寒和周裕穎以「浪板」為主要媒材，發展出名為〈無名的繆思〉的共同作品。藝術家如何駕馭非典型的工業建材並進行創作？建築師和時尚設計師又如何以空間、裝置和服裝為載體，與藝術家進行對話？創作過程饒富趣味和實驗性，沒人能預知最終成果。

也許你會好奇，工業材料無數，為何是浪板？原來在台東江賢二藝術園區的建造過程中，江賢二舊畫室的鐵皮浪板外牆被拆除，這些陪伴藝術家二十幾年的浪板，有著日曬雨淋、自然鏽蝕的痕跡，那無法經人為刻意再造的獨特質感和紋理，以及波浪般簡單、規律的詩意，令他為之著迷。於是，江賢二撿回將被丟棄的浪板，打造新作〈火與冰 Perish II〉，遠看如平面繪畫，近賞才發現有顏料、浪板碎片的立體深度。

有別於舊畫室拆除的鐵皮浪板，〈無名的繆思〉所使用的是「半透明浪板」，既有令江賢二著迷的詩意，也有林友寒追求的「透光性」，身為建築師，他平時接觸的建築材料厚實沈重，因此這回創作裝置，想呈現打破建築意象的通透效果。

 藝術家江賢二｜首次挑戰半透明浪板，點墨繪出台東山海 

融入作品的所有浪板，都先由江賢二透過「點墨」的方式創作出如海浪、夕陽般的美麗漸層，過去雖有以鐵皮浪板創作的經驗，但半透明浪板對他來說是第一次。經過不停試驗，江賢二終於得到理想色彩是由7、8層顏料堆疊而成的結果，對他來說，更少或更多的顏料層次都是不成功的嘗試。

 建築師林友寒｜以浪板形構空間，提供仰望、穿越等觀看方式 

浪板送到建築師、服裝設計師手中，展開了截然不同的旅程。林友寒以約70片浪板，建構起坡狀的傾斜裝置，呈現對台東山海的想像，也為觀者提供平視、仰望、俯瞰、穿越等多種觀看方式。這看似自由、隨機的形態，其實藏有材料的限制與組構的邏輯。

過程中，林友寒無法事前得知江賢二作畫時所用的顏料色彩，一批一批浪板送過來，有山林的綠、海洋的藍、繁花的多彩，考驗現地拼裝成畫的美感。組構上，僅簡單以木構為支撐、用金屬零件做水平串接，垂直向則沒有另外膠合或鎖件，只仰賴浪板本身的波浪疊合，既保留了江賢二點墨浪板的視覺完整性，也發揮了浪板的材料特質。

 服裝設計師周裕穎｜跳脫慣常手法，用硬媒材呈現柔軟質地 

在周裕穎手中，浪板被裁剪後與複合媒材拼接成為禮服，並以鐵絲縫製、綴上金屬扣眼，透過「硬」媒材表現布料般的「柔軟」質地。有趣的是，最終成品使用的「裁切浪板」做法，並不是周裕穎的第一個念頭。

對服裝設計師來說，打板、縫紉是最習慣的手法，一開始周裕穎也順應著習慣去做，嘗試用熱風槍為浪板形塑出符合人體的線條，卻以失敗告終；於是思考，若拋開順應創作者個性的做法，轉而順應「材料的個性」發展創作，會不會是更好的手法？這也讓他想起過去拜訪江賢二藝術園區時，發現江老師已很少拿起畫筆創作，而是讓顏料在畫布上恣意流動，跳脫慣常，探索創作手法上的突破，啟發了周裕穎將浪板化為裁片、以金屬取代柔性布料的做法。

周裕穎 X 江賢二：以服裝轉譯抽象畫，挖掘「瑕疵」潛藏的繆思

 〈台灣山脈〉顏料 ⇌ 浮紗 

不只〈無名的繆思〉，江賢二與周裕穎、藝術與服裝的激盪，也可見於展間的其他作品中。在〈台灣山脈〉畫作中，江賢二透過明亮色彩的堆疊，抽象式地重現日光照耀山地的磅礡樣貌。為轉譯本作，周裕穎利用「緹花」讓繪畫中的線條變得更為精緻、立體，最終選擇了被紡織廠視為瑕疵的織法——浮紗，重現畫作中的光影軌跡。

 〈金樽／春〉紙團與油彩 ⇌ 烏干紗與油彩 

結合油彩、紙材與金屬網的〈金樽／春〉，以沾上油彩的紙團為創作媒材，源自江賢二在作畫時的發現——即使油彩顏料不在畫布上，而是隨機地交疊、渲染於擦拭紙上，仍保有純淨的美麗色澤，於是著手以紙團發展創作。為了重現〈金樽／春〉中輕盈、蓬鬆的質感，周裕穎選用薄透的烏干紗，用手搓揉出細緻紋路，並一朵一朵地沾染顏料、縫綴於大衣，復刻了江賢二偶然生成的紙團創作，也將無意的生成轉換為精心的設計，形成有趣的「還原」，回應了繆思的交換與啟發。

 〈淨化之夜〉鐵絲與白漆 ⇌ 吐司包裝束帶 

靈感源自荀白克名曲〈昇華之夜〉的作品〈淨化之夜〉，是江賢二自1965年延續至今的系列創作，少年的他以荊棘、空洞的眼神表達對未來茫然；如今年過八十，則為廢棄鐵絲噴上白漆並彎折成為創作媒材，打造同樣名為〈淨化之夜〉的立體裝置，數十年前畫中的荊棘藉由鐵絲轉化為立體，如尖刺般扎心，背景襯以馬勒〈第五號交響曲〉第四樂章，360度緩緩轉動，傳達了極為強烈的精神性。

追尋藝術之路對江賢二來說猶如內觀，內心曾擔受無數的苦與挫敗，但他仍以「淨化」為永恆的信仰，相信藝術可以淨化世界，〈淨化之夜〉陪伴藝術家從年少走到年邁，早已是體現其內在心境轉變的重要之作。

周裕穎如何再詮釋本作？其以黑色西裝與高領洋裝為基底，利用日常生活中常見的吐司包裝束帶取代鐵絲，象徵著因為人生的淬煉，唾手可得的素材都能成為繆思存在的起點，頗有見山不是山的意趣。

林友寒 X 江賢二：棲居東海岸的藝術交流所——江賢二藝術園區

若要深究是什麼成就了《無聲的繆思》，位於台東金樽的江賢二藝術園區必然名列其中，且佔據重要位置，包含浪板成為媒材的靈感、展間中許多再利用的擺飾，以及三位參展人之間所激盪出的火花，皆源自於此。

現正興建中的園區，由林友寒操刀建築設計，他以江賢二的立體雕塑作品〈13.5坪〉為構想，思考鋼塑成為空間的可能性，並將台東的自然景致與氣候納入考量，將園區建築自然地置放在金樽的生態環境當中，讓建築成為一件巨大的藝術雕塑，傳遞著江賢二作品與創作信念中的精神性。

同場加映｜林平 X 三位參展人的對談

前文曾提及，《無名的繆思》可以說是江賢二探尋美的過程中忽現的轉機。若林友寒非操刀江賢二藝術園區的建築師，周裕穎不曾在2020年步入北美館、邂逅當時正在展出的《江賢二：回顧展》，那這場在幽暗處發現美的實驗是否會發生？而瑕疵成為藝術媒材，比如周裕穎在〈金樽／春〉所使用的烏干紗，外型恰如江賢二作畫時用來沾上油彩的紙團，是不是也能視作一種美好的巧合？

 瑕疵是一種「因緣際會的美」 

關於巧合，前北美館館長林平在《無名的繆思》展覽座談會「曠地誌」上提出了很有趣的觀點，「東方人常很講求緣分，西方講求理智，直到達達主義時的機會法則（Laws of Chance），才發現『因緣際會』的美，就像江老師近期常不以畫筆創作，而在巨大的工作桌上，不停擺動畫布任顏料流動，直到滿意為止，它沒有定律、沒有密碼。」也如總被紡織廠認為是瑕疵的浮紗，正好遇上了這場展覽、撞見周裕穎的發現，形成一種彷彿未有安排的巧合之美。

 用瑕疵創作的經歷 

座談會上，三位參展人也相繼提出以往將瑕疵融入創作的做法，舉凡江賢二嘗試以「多拼」呈現單幅畫作，這並非為了追求大尺度，而是刻意不順利、破碎的美感實驗；林友寒在德國的第一個建築案子，是一座位在碼頭與胡桃木森林之間的售票亭，為了呼應胡桃木的棕色，決定以銅作為主要媒材，但工廠送來的「標準銅材」都不符合他的理想狀態，直到某天發現瑕疵品背後竟有綠、棕交錯的獨特紋理，便開始到工廠搜集這些「不及格」的金屬打造亭子，開啟了從「未能達標的材料」找到創作價值的探索；而周裕穎除了經營JUST IN XX之外，也成立永續時尚支線品牌Luxxury Godbage，專門蒐集舊衣、二手玩具、邊角料等，透過手工拆解、縫製與拼接，讓廢棄物成為獨特的服裝創作。

 是什麼成就了「再造」？創作者的惜物之情 

而所謂的瑕疵、廢棄物，又能推演至更宏大的「浪費」議題。事實上，無論是藝術創作、建築工地或服裝產業，都是極度浪費的，過程中會產生許多因不合乎標準而作廢的邊角料；當創作者身在其中久了，這些不完美與無用，反而成為繆思潛藏之處，出自惜物之情、亦源自創作渴望的「再造」於焉而生，如同江賢二、林友寒和周裕穎，他們憑藉一己之「術」將瑕疵轉化成「藝」，賦予物品第二生命。

無論是現場展出的作品，又或是由浪板、鷹架、裸露木構、運送作品時所使用的包材⋯⋯等廢棄物與現成物所建構的展場，都存在著不完美之美，處處藏著創作者埋下的無名繆思，待觀者挖掘，開啟下一個繆思自無名成為主角的輪迴。

《無名的繆思 INVISIBLE MUSE》 江賢二＋林友寒＋周裕穎 跨界聯展

展覽日期｜2022年12月22日～2023年3月11日

展覽地點｜THE 201 ART 順天建築.文化.藝術中心 

展覽地址｜台中市西屯區文心路二段201號B2

營業時間｜週二至週六 10:00～18:00

資料、圖片｜THE 201 ART 順天建築．文化．藝術中心

部分攝影｜izzie pang

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}