不少人是在爆紅的相模鐵道廣告、吳青峰今年入圍金曲獎最佳MV獎的〈（⋯⋯海妖沙龍）〉中第一次認識柳沢翔，但長期關注日本廣告動態的人想必不陌生他為寶礦力水得、資生堂等日本知名品牌廣告施下超現實魔力。這位鬼才導演正在西班牙與法國間忙碌工作，與我們遠端分享他少用CG特效、追求實景拍攝的創作堅持。

在成為影像導演之前，柳沢翔的創作起點是繪畫。他在幼稚園至小學3年級期間，因為父親的工作而移居美國明尼蘇達州羅徹斯特。儘管出於語言隔閡一度被分發到特教班，他靠著畫下加菲貓、忍者龜等卡通角色塗鴉融入學校環境。「現在回想起來，當時自己下意識理解到『只要畫畫就可以交到朋友』這件事。」這也成為他喜歡動手創作的契機之一。憶起當年，他說道：「那時對面的鄰居從事獵鹿工作，很常和我們分享鹿肉，我還記得在鹿肉裡偶爾會咬到散彈槍的子彈，從嘴裡吐出來時邊心想著：『好像在吐西瓜籽哦。』」童年的異國經驗，或許也反映到他廣告作品中那些出乎常人意料的創意上。

返回日本後，柳沢翔進入多摩美術大學油畫科，他非常喜愛橫尾忠則、村上隆等藝術家，從他們取樣（sampling）的藝術中認識到以個人風格挑戰權威、刻板印象的自由創作手法。這也成為契機，延伸出日後他對街頭塗鴉的關注。他曾一度著迷於塗鴉的暫時性、反主流特質，甚至自己組了街頭塗鴉團體，仿效紐約藝術集團Barnstormers拍下成員輪流塗鴉、再擦去畫作的定點拍攝影片，並上傳到YouTube上。沒想到影片大受好評，累積超過750萬次點閱。這也成為另一個轉捩點，他開始注意到動態影像的傳播力與影響力，決意將創作維度拓展至動態影片。

操縱時間魔法，創造想像力還給觀眾

大學畢業後，柳沢翔進入廣告製作公司。「其實18年前的影像產業簡直是地獄，職場霸凌也很稀鬆平常。只是當時我想製作影像的慾望戰勝恐懼，鼓起一輩子的勇氣投身這個產業。」但他也立刻澄清：「不過我很快就被現實給擊倒。」在製作公司擔任PM期間頻頻出包，訂便當時數量不小心多按一個0、用急件寄毫不重要的文件、拿拖地的抹布擦話筒等，天天都在低頭賠罪。1年半後辭去工作，開始兼差分鏡作畫、幕後花絮攝影、影像特效後製，度過整整3年年收入僅有20萬日圓的日子。

直到以日本出版社白泉社《LaLa》少女漫畫雜誌的「LaLa Reports」電視廣告獲獎、受邀替可口可樂公司旗下咖啡品牌GEORGIA製作廣告、擔任大塚愛〈I LOVE ×××〉MV導演後，才終於開始嶄露頭角。在早期預算較低的創作中，他逐漸以實拍影片融合2Ｄ動畫的拍攝風格為人所知、厚實信心，但也意識到自我滿足是創作原動力，也能是定型危機，「尤其廣告影片從來就是荒誕的東西，如果陷入自戀就不好了，我從某個瞬間開始有危機感，提醒自己別忘記保持客觀。」

柳沢翔馬上擺脫了這風格，進行多面向的拍攝實驗。定格、縮時的方式發展為他一個代表性手法，如資生堂的《高校女生之謎？》（High School Girl?）廣告中，當鏡頭帶過一個個可愛高中女子的身影時，突然影片倒轉，才發現眼前楚楚可憐的「女孩」們全是在妝髮團隊巧手下變裝的高校男子。又或者，他在替NHK兒童教育節目製作的短片《花枯去影Decay》中，也精彩地詮釋「時間」此一要素。鏡頭定格在穿著鮮花禮服的女主角伊藤萬理華身上，她靜坐在高速行駛的巴士的最後座，時序由深夜流轉至清晨，一身美麗的鮮花也隨之失色枯萎。長達8小時的拍攝伊藤不得動彈，還得忍受加速花朵枯萎的熱風，但視覺效果驚人。

問到是如何發展出此一拍攝風格時，他提到日本廣告業界以文案優先，影像不過是襯托文案的存在，電視廣告多以30秒、15秒為單位進行策劃，「簡單易懂」成為最高原則，畫面的美感則淪為次要。直到有一天他自問這真是自己想做的？「有沒有辦法做出以影像為主的作品？沒有台詞、剪輯，只有畫面上的布景、服裝、演技與運鏡，將想像力還給觀眾的作品。」當他向周邊工作夥伴提及這個「白日夢」時，意外獲得許多共鳴。「起初是從自主創作中開始實驗，或許是在過程裡無形中確立了自己的風格也說不定。」

堅持現實布景，打中觀眾的心

此外，柳沢翔的作品中還有另一個密碼：實景攝影。從他獲獎無數的遊戲廣告《重力貓》（Gravity Cat）拋棄動畫特效，偏要真實打造出一個滾筒運作的布景機關，讓演員與貓咪實際在房間中感受重力錯亂，就能看出他對實拍的迷戀。2021年寶礦力水得《但我看見了你》（But I Saw You）廣告則讓當時清新脫俗的中島セナ奔馳於高低起伏的校園走廊、在藤花大道上逆風前行。這支廣告自然全無CG特效介入，長達85公尺的上下可動式廊道讓畫面繽紛而迷幻。「原本還打算讓所有的背景都採用像絲襪一般可伸縮性的布料，將走廊等背景圖樣轉印到布料上。往布景裡頭送風的話，就會產生一種飄忽的視覺效果對吧。歪曲扭動的背景既能激發人們的想像，也可以連結到女主角青春躁動不安的心境，會很有看頭。」

再到2023年年初在網路上瘋傳的日本相模鐵道公司廣告《爸爸與女兒的風景》（Father and Daughter），由知名演員小田切讓、偶像團體「櫻坂46」山﨑天主演父女兩角，再透過共50人25組演員一鏡到底共演拍攝，在短短兩分鐘內傳遞12年間父女親情的細微變化。這次可動員超過200位工作人員、搭建長達25節的環形車廂，常見的親情題材有了亮眼新意，打動眾多觀眾的心。問他為何如此堅持搭建現實布景？他舉例繪畫和照片都只是一張平面，卻能讓人們想像出更多事物，「人類有一種習性，即通過將多種訊息聯繫在一起，自動創造出故事。在追求這樣的效果時，我發現相比運用CG動畫，在現實中拍攝更為適合。」但他也坦言，「對我來說是方便了，但對製作公司可真是個大麻煩（笑）。」

遊走國際，或許再戰長篇電影

專訪當下，柳沢翔正在西班牙與法國拍攝，有好萊塢演員參與，工作人員更來自歐美與日本等多國混合團隊。他正感受不同於日本產業的氛圍、人才和資源。談及近期和歌手吳青峰的合作，他說青峰就像是一座「圖書館」，不僅知識淵博，討論的過程中，所提出的各種概念都不落俗套。他說：「因為樂曲中使用日本三味線，曲調本身帶有一些懷古之情，如果搭配充滿近未來感的畫面，會產生一種有趣的衝突。最一開始設計的場景類似LV已故藝術總監Virgil Abloh與賓士合作設計的帥氣跑車，但不知為何最後變成了現在大家看到的滿地凌亂漁船（笑）。」他也說〈（⋯⋯海妖沙龍）〉是近期最喜歡的個人作品之一，更開心青峰的專輯獲得金曲獎肯定。

那未來還有想嘗試什麼？柳沢翔說仍想繼續挑戰電影，坦言自己在過去的長片作品《Lost and Found》中有許多不足。他認為比起短篇作品，電影更要求影像的品質與演員的表現，若要兼顧兩者，首先需要充足的資金來源，但他對金錢方面的經驗仍稍顯不足；此外，哪些場景要強調演員的演技、該如何在有限的資源做出最佳效果，電影需要更多取捨，也是一項挑戰。「但說到底，我還是不想放棄影像，那是我的創作主軸也是我的動力來源。不論影像也好、演技也罷，我覺得都很重要，也沒有哪個鏡頭可以被輕易捨棄。所以大家都不想跟我工作，每次拍攝時我都只能自己一個人吃便當。」最後，他偷偷向我們透露最近正在繪製漫畫。從動態影像又重回平面領域，或許可以期待這位鬼才導演帶來的新驚喜。

柳沢翔（Show Yanagisawa）

日本多摩美術大學油畫科畢業。獲獎經歷豐富，曾獲頒坎城國際創意節金獎、ACC最佳導演獎、亞洲太平洋廣告祭優勝等獎項。同時隸屬於Ridley Scott Associates（英國）、PRETTY BIRD（美國）與DIVISION（法國）等製作公司。

企劃｜吳哲夫

文｜廖怡鈞 

圖片提供｜柳沢翔

圖片來源｜SOTETSU、ポカリスエッ推特

更多精彩內容請見 La Vie 2023/8月號《路上觀察學》

台北藝廊TAO ART現正展出Alex Prager個展《Echoes of Dissonance》，這位身兼攝影師、電影製片人身份的藝術家，帶觀者潛入她以精湛技術構築的視覺迷宮，感受人類對災難與未知的複雜迷戀；在不安與快感交織的奇異感受裡，解鎖影像中暗藏、那些關於當代人悲喜交織的集體記憶。

一座寧靜小鎮被巨球闖入，一群盛裝打扮的觀眾對著你拍手——在Alex Prager建構的影像世界裡，平凡日常總是被某種神祕的不和諧感所戳破。這位深受好萊塢電影文化薰陶的藝術家，擅長在影像中置入懸疑與渴望，讓觀者在「窺探」的過程中，感受到一種被反向凝視的顫慄。

揉攝影「窺探」本質與電影「虛構真實」表現手法

身兼攝影師、電影製作人身份的Alex Prager，創作深受電影藝術啟發，無論是好萊塢大眾電影或實驗電影，皆形塑了她慣用的創作語彙，另可見流行文化、街頭攝影的影響。Prager生於美國加州，從小在洛杉磯長大，出社會後也在這座電影之城工作生活，這樣的背景讓好萊塢電影對她創作的深刻影響，顯得自然而然。

在Prager的影像作品中，無論是靜或動態，都可看出精心調度與鋪排的場景、演員充滿戲劇張力的表演、懸疑未解的敘事情節，以及融合當代與過去元素所製造、一種令人感到模稜兩可的懷舊感覺。這些特質交織成為Prager式美學，她遊走在小眾與大眾之間、虛構與真實之界，結合攝影的「窺探」本質及電影「虛構真實」的表現手法，透過精妙的場面調度，打造細膩、卻充滿視覺與情感張力的瞬間，為觀者營造一種介於熟悉與陌生之間的奇異感受——看著眼前的畫面略感不安，卻又因那股「可能發生在自己身上」的莫名熟悉感，忍不住想一探究竟。

為何我們對災難場景感到著迷？

此次TAO ART《Echoes of Dissonance》展覽中，主要作品為Alex Prager於2022年創作的〈跑（Run）〉。片中一座循古典好萊塢電影風格打造的小鎮，本應寧靜安穩，卻不知怎地被一顆巨大的鏡面球闖入，它恣意滾過街道、入侵人們的日常，整座小鎮彷彿變成一座巨型彈珠台。

本片帶著觀眾隨鏡頭感受球體沿途造成的衝擊，敘事擺盪於悲劇與喜劇之間，揭示了現實生活中普遍存在的焦慮、不安與失控感。而在觀眾越感刺激、想著接下來要發生什麼時，作品更映照出一種人類的有趣心理——在現實生活中，我們極力避免災難的發生，可電影中的災難場景卻始終有著令我們難以抗拒的吸引力。

「荒謬美景」藏未竟的故事線

與〈跑〉同步拍攝的影像作品〈眠（Sleep）〉，有別於前者的鮮活，反倒呈現了一片靜寂場景。畫面中演員遍地倒臥，觀眾沒有故事脈絡去推敲前因後果，也不知該如何解讀這起事件的意義，只能眼看這曖昧而荒謬的一幕揣測。若要編輯來猜，也許跟〈跑〉中發生的巨球滾動事件有關也說不定？

讓觀眾感受「被反向凝視」的顫慄

在較早期的錄像作品〈掌聲（Applause）〉中，Prager翻轉了表演者與觀眾之間的關係：觀者所面對的，是一群身穿戲服、妝容完整、扮演「觀眾」角色的表演者。在這群「觀眾」滑稽的外表與重複拍手動作之下，一種帶有窺視意味的不協調感悄然浮現——我們在觀看的同時，也感受到自己在被觀看。

懸疑感中藏當代人的集體焦慮

無論就物理或心理層面的意義而言，「懸置／懸疑（Suspense）」始終是貫穿Prager創作實踐的核心。她以影像建構的夢幻場域，將情感經驗自然地納入其中，並映照出當代人「集體性的認知失調」。

對此TAO ART創辦人Vicky Chen分享自身看法：「 這次《Echoes of Dissonance》展出的系列，呈現了我們這個世代共享的特殊經歷。作為觀眾，我們得以透過作品所帶來的情感經驗，回望並反思這些集體記憶。Alex Prager是一位我關注已久的女性藝術家。她在創作初期就發展出相當前衛的拍攝方式，她的每一件作品，都能看出是投入很多心力和成本去製作的，充滿了豐富的技術細節，才能創造出如此精準而衝擊的畫面。」

Alex Prager個展《Echoes of Dissonance》

展期｜2026.03.07－05.02

地點｜TAO ART （台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

由蜷川實花攜手科技藝術團隊EiM打造的《蜷川實花展 with EiM：彼岸之光，此岸之影》，於華山盛大展出中。睽違10年再度於台北舉辦大型個展，蜷川實花與EiM製作人宮田裕章特別接受台灣媒體的採訪，與我們分享展覽背後故事。

蜷川實花大展睽違10年再登台

2016年，台北當代藝術館推出的蜷川實花藝術個展，吸引了大量人潮，並刷新館方歷年觀展人數紀錄。多年後，再度來到台北展出的蜷川實花分享，她想傳達的內容核心一直都沒有改變，但這次展覽與EiM團隊及不同領域的夥伴合作，讓表現形式有很多的變化。比如過去她透過攝影、電影的拍攝展現光影，現在可以有更多不同的角度來呈現這些作品。「雖然宮田先生跟我屬於完全不同的職業，他是一位數據科學家，但透過與想法不一定一致的人討論創作方向、交流意見，能讓主題變得更有延展性。」

延伸閱讀：《蜷川實花展with EiM：彼岸之光，此岸之影》登陸台北！8大展區設計，走進光影交織的沉浸式藝術世界

宮田裕章補充，自己作為科學家，習慣宏觀地捕捉事物，身為攝影家的蜷川實花則是以近距離、微觀的角度創作。而正因為有這兩種不同的視野，加上EiM團隊的燈光、技術層面的協助，才能碰撞出作品的新模樣。

                 ⭣宮田裕章曾策劃2025大阪世博「Better Co-Being」主題館

打造虛實交錯的沉浸式空間

在這由8大展區構成的展場中，以大量影像作品、立體藝術裝置與革新數位技術，呈現出蜷川實花獨特又強烈的色彩美學，也創造出虛實交錯的沉浸式空間。蜷川實花提到，這次的展覽可以有很多種觀賞方式，她希望大家像是進行自己的一段旅程，從不同路徑、角度去觀看，進而有不同的新發現。當看完全部作品，也彷彿看完一場電影或舞台劇，能感受到其中的故事性。

有許多想留下的閃閃發光日常瞬間

而在這個任何事物都能輕易用AI生成的時代，蜷川實花又是如何看待這股風潮？「其實AI不是壞事，我也常用AI解決生活中的問題。但目前在創作作品時，我並沒有打算使用AI，因為在我們的日常中，有太多閃閃發光、我想留下來的時刻，光是捕捉這些瞬間就竭盡全力了。」她認為，只要稍微改變觀看世界的方式、不用去到很遠的地方，也會有許多新發現和想拍的事物，這也是她堅持以真實拍攝影像創作，不倚賴電腦CG生成視覺的原因。

有死亡，美麗地活著才顯得動人

宮田裕章說，他自己是日本生成AI協會的會長，使用AI就像是在現實中進行加工，但這次展覽他們更重視如何去感受世界、是否能產生共鳴。他進一步補充，展覽的主題「彼岸之光，此岸之影」，其實與「死亡」有關。正因為有死亡的襯托，美麗地活著這件事才顯得格外動人。「AI可以輕易地做出很多美麗的事物，但唯一無法成立的就是『死亡』。比起AI很容易達到的境界，我們更想用人為的方式來表現這些東西。」

用整個感官全然感受主題

比方來說，「深淵彼岸的夢」、「光之細語，色彩之夢」這兩大展區，有很多不同的光影與色彩變化。人們可以從由2,000條水晶串飾構成的空間，望向一旁鮮豔的花朵，也可從絢麗的繁花中，感受水晶串飾所形塑的光影層次。宮田裕章希望大家不是用文字或語言來思考死亡，而是用感官去感受這個主題。「一個人的個體消失的瞬間，其實會有很多的情感，可能是開心的、難過的、依戀的⋯⋯，蜷川實花的作品有很多色彩和繽紛的畫面，那麼是不是可以用這麼多不同的色彩來表現消失之前的情緒？」

蜷川實花提到，無論是父親的離世，或是自幼就不斷思考人終將一死這件事，都讓她意識到，正因為萬物都有完結與凋零的一天，活著的時間才顯得格外重要。這也使她更加珍惜生活中許多美麗的瞬間，並透過色彩與影像將其呈現出來。

以黑白展區創造強烈的視覺衝擊

特別的是，在極其絢爛繽紛、充滿各式色彩的展覽中，「與光影共舞」這個展區卻以黑白的影像作品來呈現。蜷川實花說，黑白攝影對她而言並不陌生，她正是以黑白作品出道，而黑白更能直接地傳達出那些隱藏在色彩之下她想表達的事情。「這些是我在沖繩潛水拍攝的影像。在水底下可以忘記、放棄任何東西，因為只能專注於呼吸這件事，在那樣的身體狀態下，捕捉與感受到的光影也跟平常全然不同。」

宮田裕章補充，這一區刻意打造成類似劇院的模式，讓觀者從鮮豔色彩到純粹黑白的空間，能感受到強烈的視覺衝擊，也更能體會到光與影的變化。這樣的空間轉換，也是希望人們在走動之間，產生一種被空間吸住、甚至吞噬的感受。在體驗過程中，人們或許會浮現出近似於面對死亡時的依戀或情緒。他也透露，這個黑白展區之前未在京都展出，雖然曾在沖繩以影像作品的形式亮相，但在這次台北展覽，則是以更完整的樣貌呈現。

特別融入台北街景、寺廟蹤影

值得一提的是，因為拍攝工作，來過台灣近50次的蜷川實花笑說，自己甚至曾因為太過熟悉、放鬆，發生過忘記帶護照的插曲。而為了這次台北的展覽，她也加入屬於這座城市的在地元素，前往赤峰街、大稻埕等地拍攝。走進「生命的呼吸」第一展區中，仔細觀察投射在水箱的影像，便能發現台北街景、寺廟與巷弄的蹤影。

在習以為常的風景裡捕捉閃耀片刻

談及拍攝故事，她提到大稻埕有點像以前的日本，充滿懷舊的氣息。而台灣的廟宇與日本神社截然不同，色彩更加鮮豔，帶有強烈的在地感。拍攝當天剛好遇到下雨，濕潤的空氣與天氣狀態，讓廟宇彷彿閃閃發光，讓她留下深刻印象。蜷川實花認為，不同的天氣與心境，能拍到不一樣的風景。正因如此，只要稍微改變觀看世界的視角，即便在習以為常的日常裡，也能捕捉到那些閃耀、值得被留下的瞬間。

《蜷川實花展with EiM：彼岸之光，此岸之影》
地點：華山1914文創園區 東2C、D棟
展期：2026.1.17 - 4.19，除夕休館，購票請上udn售票網