專訪日本鬼才導演柳沢翔！從日本寶礦力水得、相模鐵道廣告到吳青峰MV，用畫面決勝負的魔法

不少人是在爆紅的相模鐵道廣告、吳青峰今年入圍金曲獎最佳MV獎的〈（⋯⋯海妖沙龍）〉中第一次認識柳沢翔，但長期關注日本廣告動態的人想必不陌生他為寶礦力水得、資生堂等日本知名品牌廣告施下超現實魔力。這位鬼才導演正在西班牙與法國間忙碌工作，與我們遠端分享他少用CG特效、追求實景拍攝的創作堅持。

在成為影像導演之前，柳沢翔的創作起點是繪畫。他在幼稚園至小學3年級期間，因為父親的工作而移居美國明尼蘇達州羅徹斯特。儘管出於語言隔閡一度被分發到特教班，他靠著畫下加菲貓、忍者龜等卡通角色塗鴉融入學校環境。「現在回想起來，當時自己下意識理解到『只要畫畫就可以交到朋友』這件事。」這也成為他喜歡動手創作的契機之一。憶起當年，他說道：「那時對面的鄰居從事獵鹿工作，很常和我們分享鹿肉，我還記得在鹿肉裡偶爾會咬到散彈槍的子彈，從嘴裡吐出來時邊心想著：『好像在吐西瓜籽哦。』」童年的異國經驗，或許也反映到他廣告作品中那些出乎常人意料的創意上。

返回日本後，柳沢翔進入多摩美術大學油畫科，他非常喜愛橫尾忠則、村上隆等藝術家，從他們取樣（sampling）的藝術中認識到以個人風格挑戰權威、刻板印象的自由創作手法。這也成為契機，延伸出日後他對街頭塗鴉的關注。他曾一度著迷於塗鴉的暫時性、反主流特質，甚至自己組了街頭塗鴉團體，仿效紐約藝術集團Barnstormers拍下成員輪流塗鴉、再擦去畫作的定點拍攝影片，並上傳到YouTube上。沒想到影片大受好評，累積超過750萬次點閱。這也成為另一個轉捩點，他開始注意到動態影像的傳播力與影響力，決意將創作維度拓展至動態影片。

操縱時間魔法，創造想像力還給觀眾

大學畢業後，柳沢翔進入廣告製作公司。「其實18年前的影像產業簡直是地獄，職場霸凌也很稀鬆平常。只是當時我想製作影像的慾望戰勝恐懼，鼓起一輩子的勇氣投身這個產業。」但他也立刻澄清：「不過我很快就被現實給擊倒。」在製作公司擔任PM期間頻頻出包，訂便當時數量不小心多按一個0、用急件寄毫不重要的文件、拿拖地的抹布擦話筒等，天天都在低頭賠罪。1年半後辭去工作，開始兼差分鏡作畫、幕後花絮攝影、影像特效後製，度過整整3年年收入僅有20萬日圓的日子。

直到以日本出版社白泉社《LaLa》少女漫畫雜誌的「LaLa Reports」電視廣告獲獎、受邀替可口可樂公司旗下咖啡品牌GEORGIA製作廣告、擔任大塚愛〈I LOVE ×××〉MV導演後，才終於開始嶄露頭角。在早期預算較低的創作中，他逐漸以實拍影片融合2Ｄ動畫的拍攝風格為人所知、厚實信心，但也意識到自我滿足是創作原動力，也能是定型危機，「尤其廣告影片從來就是荒誕的東西，如果陷入自戀就不好了，我從某個瞬間開始有危機感，提醒自己別忘記保持客觀。」

柳沢翔馬上擺脫了這風格，進行多面向的拍攝實驗。定格、縮時的方式發展為他一個代表性手法，如資生堂的《高校女生之謎？》（High School Girl?）廣告中，當鏡頭帶過一個個可愛高中女子的身影時，突然影片倒轉，才發現眼前楚楚可憐的「女孩」們全是在妝髮團隊巧手下變裝的高校男子。又或者，他在替NHK兒童教育節目製作的短片《花枯去影Decay》中，也精彩地詮釋「時間」此一要素。鏡頭定格在穿著鮮花禮服的女主角伊藤萬理華身上，她靜坐在高速行駛的巴士的最後座，時序由深夜流轉至清晨，一身美麗的鮮花也隨之失色枯萎。長達8小時的拍攝伊藤不得動彈，還得忍受加速花朵枯萎的熱風，但視覺效果驚人。

問到是如何發展出此一拍攝風格時，他提到日本廣告業界以文案優先，影像不過是襯托文案的存在，電視廣告多以30秒、15秒為單位進行策劃，「簡單易懂」成為最高原則，畫面的美感則淪為次要。直到有一天他自問這真是自己想做的？「有沒有辦法做出以影像為主的作品？沒有台詞、剪輯，只有畫面上的布景、服裝、演技與運鏡，將想像力還給觀眾的作品。」當他向周邊工作夥伴提及這個「白日夢」時，意外獲得許多共鳴。「起初是從自主創作中開始實驗，或許是在過程裡無形中確立了自己的風格也說不定。」

堅持現實布景，打中觀眾的心

此外，柳沢翔的作品中還有另一個密碼：實景攝影。從他獲獎無數的遊戲廣告《重力貓》（Gravity Cat）拋棄動畫特效，偏要真實打造出一個滾筒運作的布景機關，讓演員與貓咪實際在房間中感受重力錯亂，就能看出他對實拍的迷戀。2021年寶礦力水得《但我看見了你》（But I Saw You）廣告則讓當時清新脫俗的中島セナ奔馳於高低起伏的校園走廊、在藤花大道上逆風前行。這支廣告自然全無CG特效介入，長達85公尺的上下可動式廊道讓畫面繽紛而迷幻。「原本還打算讓所有的背景都採用像絲襪一般可伸縮性的布料，將走廊等背景圖樣轉印到布料上。往布景裡頭送風的話，就會產生一種飄忽的視覺效果對吧。歪曲扭動的背景既能激發人們的想像，也可以連結到女主角青春躁動不安的心境，會很有看頭。」

再到2023年年初在網路上瘋傳的日本相模鐵道公司廣告《爸爸與女兒的風景》（Father and Daughter），由知名演員小田切讓、偶像團體「櫻坂46」山﨑天主演父女兩角，再透過共50人25組演員一鏡到底共演拍攝，在短短兩分鐘內傳遞12年間父女親情的細微變化。這次可動員超過200位工作人員、搭建長達25節的環形車廂，常見的親情題材有了亮眼新意，打動眾多觀眾的心。問他為何如此堅持搭建現實布景？他舉例繪畫和照片都只是一張平面，卻能讓人們想像出更多事物，「人類有一種習性，即通過將多種訊息聯繫在一起，自動創造出故事。在追求這樣的效果時，我發現相比運用CG動畫，在現實中拍攝更為適合。」但他也坦言，「對我來說是方便了，但對製作公司可真是個大麻煩（笑）。」

遊走國際，或許再戰長篇電影

專訪當下，柳沢翔正在西班牙與法國拍攝，有好萊塢演員參與，工作人員更來自歐美與日本等多國混合團隊。他正感受不同於日本產業的氛圍、人才和資源。談及近期和歌手吳青峰的合作，他說青峰就像是一座「圖書館」，不僅知識淵博，討論的過程中，所提出的各種概念都不落俗套。他說：「因為樂曲中使用日本三味線，曲調本身帶有一些懷古之情，如果搭配充滿近未來感的畫面，會產生一種有趣的衝突。最一開始設計的場景類似LV已故藝術總監Virgil Abloh與賓士合作設計的帥氣跑車，但不知為何最後變成了現在大家看到的滿地凌亂漁船（笑）。」他也說〈（⋯⋯海妖沙龍）〉是近期最喜歡的個人作品之一，更開心青峰的專輯獲得金曲獎肯定。

那未來還有想嘗試什麼？柳沢翔說仍想繼續挑戰電影，坦言自己在過去的長片作品《Lost and Found》中有許多不足。他認為比起短篇作品，電影更要求影像的品質與演員的表現，若要兼顧兩者，首先需要充足的資金來源，但他對金錢方面的經驗仍稍顯不足；此外，哪些場景要強調演員的演技、該如何在有限的資源做出最佳效果，電影需要更多取捨，也是一項挑戰。「但說到底，我還是不想放棄影像，那是我的創作主軸也是我的動力來源。不論影像也好、演技也罷，我覺得都很重要，也沒有哪個鏡頭可以被輕易捨棄。所以大家都不想跟我工作，每次拍攝時我都只能自己一個人吃便當。」最後，他偷偷向我們透露最近正在繪製漫畫。從動態影像又重回平面領域，或許可以期待這位鬼才導演帶來的新驚喜。

柳沢翔（Show Yanagisawa）

日本多摩美術大學油畫科畢業。獲獎經歷豐富，曾獲頒坎城國際創意節金獎、ACC最佳導演獎、亞洲太平洋廣告祭優勝等獎項。同時隸屬於Ridley Scott Associates（英國）、PRETTY BIRD（美國）與DIVISION（法國）等製作公司。

企劃｜吳哲夫

文｜廖怡鈞 

圖片提供｜柳沢翔

圖片來源｜SOTETSU、ポカリスエッ推特

更多精彩內容請見 La Vie 2023/8月號《路上觀察學》

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23