邁入值得紀念的30周年之際，誠品祭出一系列慶祝活動，除了在敦南店邀來法國「彩虹藝術家」Emmanuelle Moureaux以8千張手工紙片打造彩色文字海外，誠品信義店更將化身為限時美術館，讓書迷感受書香文藝氣息外，更近距離接觸台灣9組藝術家的無限創意能量！

趁著30周年之際，誠品邀來9組備受關注的「30代」青年創作者，自6月28日起為期一個月，在誠品信義店打造一場充滿青春能量，以「夢與想像之境」為主題的創作大夢。「信義藝術計畫」邀來曾參與2017台北世大運聖火裝置的豪華朗機工、新媒體藝術創作者王宗欣、插畫創作者陳青琳、工藝藝術創作者范承宗、植物裝置藝術創作者李霽、服裝設計師齊振涵、剪紙藝術創作者吳耿禎、聲光藝術創作者姚仲涵，以及食物設計師陳小曼等，從大樓外牆、手扶梯至8個樓層皆展現不同領域的創作精彩。

聲光互動

與台北101互相映照的藝術牆裝置！曾打造2017世大運聖火裝置、台中花博《聆聽花開的聲音》的機械裝置創作團隊豪華朗機工，此次在誠品信義店外牆，利用12支上銀科技的機器手臂結合光屏幕，在繁華城市街頭上演一場舞動奇光幻影的「科技詩」。

名為《一起夢想》的裝置，利用12個方塊面板搭配機械手臂，並透過幾何圖騰、文字融入創作之中，當整點一到，12支機械手臂就像是行雲流水般的書法畫家，讓原先靜止的牆面成了翩翩起舞的動態藝術牆，團隊利用光的移動來描繪感官，在喧囂的台北街頭，演繹奇幻科技光影大秀。

店內2至4樓的手扶梯空間，乍看之下平凡無奇，然而抬頭一望卻有扭曲宛若蟲洞般的超現實影像赫然出現眼前。《狹縫中的連續微觀》由曾任三金典禮視覺藝術總監的王宗欣與其率領的dosomething studio團隊製作，透過錄像互動裝置，將空間化為巨大的掃描器，讓在手扶梯上流動穿梭的觀眾，表現是時間流逝的概念外，也共創影像視覺軌跡，為每個路過的人留下「靈魂輪廓」。

除了視覺流竄外，聲音的本質也是此次誠品信義店展覽極為重要的表情與靈魂，聲光藝術家姚仲涵在B1空間，打造出滿載圓形燈管簾幕創作《光電獸#13-都市》，有若演唱會視覺效果的小舞台，讓每個人都能透過中央設立的麥克風，藉由聲音互動，賦予光影具生命力的閃爍跳動。

感官體驗

夢與想像的特質之一，即是沒有邊界。關注動物議題的插畫家陳青琳，本次透過三面5公尺高的巨幅布幔揮灑創作《越夢》，在6樓展演空間繪製天空、陸地和海洋絕種生物繪畫；另外，也同時打造一系列瀕危物種生態瓶，提醒人們要珍惜萬物寶藏，與土地共好。

擅長用植物創作與建築空間對話的李霽，此次位於4樓空間的作品，依舊探索自然的力量，作品《質物圖鑑》描繪現代社會變遷下環境所產生的變異，結合植物、昆蟲與機械的「變異仿生物」裝置，有著進未來的樣貌，與週遭現下的時空交疊，也似乎巧妙地拋出一道連結過去、現在與未來，人們尋找都市生活潛入自然中的解答。

以「普魯斯特效應」為概念意象，食物設計師陳小曼，將食這件事解構成五感實驗，《普魯斯特感官實驗室》試圖拆解身體視覺、嗅覺、觸覺等五感感官經驗，讓體驗者透過不同的方式，探討在生活中職官的感受，擴大想像範圍，從而打開因慣性而時常被忽略的感受力，例如，你覺得巧克力摸起來應該是什麼感覺？

閱讀想像

曾與各大國際精品合作的剪紙藝術家吳耿禎，將傳統剪紙工藝轉化為當代藝術，這次他以立體剪紙結構打造象徵閱讀者腦內天馬行空劇場的獨特燈飾《轉動隻字片語的靈光一閃》，作品材質則從老字典、書報收集而來，四個裝置藝術點亮信義店1樓五公尺長廊大道。

作品多以竹材為主的藝術家范承宗，此次將連結5、6樓的手扶梯空間，從原先的單調轉化成如同傳統屋瓦波浪狀的拱形書橋，《Reading,a bridge 讀橋》解析並翻玩來自東方的中式線裝幀工藝手法，將平扁的書本手工拼接成氣勢磅礡的書橋，如山洞狀的意象，不僅賦予穿梭過於此的人擁有滿滿包覆感，更盼望藉著此由1000多本再生紙製成的書籍，當穿越書橋時，就有如透過閱讀穿越古今中外。

在2樓的書區空間中，一片片獨立的服裝版子運用堆疊方式，形塑出量化且具層次的姿態。服裝設計師齊振涵以實驗性手法製作大量部位裁片，搭配不同面料及加工技術將裁片互相結合，一層層把服裝擴形裝幀的樣貌呈現出來。紙版上的線條、記號如文字般述說情感而形成篇章，令作品從衣服的穿戴轉為探索與人類身體互動更多元的可能性，找到重新閱讀服裝的方式。

未來探索

除了9組精彩裝置藝術作品外，3樓Forum空間則由誠品書店虛擬打造「未來編輯室」，帶領讀者剖析台灣出版型態特有的「書系」進化史，展場以1980、1990、2000、2010四大時代膠囊裝置呈現，並邀請王小棣導演、樂評人馬世芳、部落客宅女小紅、插畫家Cherng，帶領讀者接軌社會文化脈絡，探索當時的青年閱讀需求。

5樓誠品畫廊則自7月6日起同步推出展覽《立》，展出夏陽、林彥瑋、鄭帛囪、張銀亮、張安等5位藝術家作品，譜寫跨世代的藝術對話。6樓展演廳發條鼻子團隊打造穿越過去與未來的《R》房間，透過手機掃瞄未來日常生活物件，一同參與場域創作，呼應誠品30週年主軸「夢與想像之境」。信義藝術計畫6/28至7/28限時展出。

Text、Photo：Ian Liu

via 誠品

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」