當聽著一首歌，也許是第二個間奏的某顆旋律打中你，抑或者某段歌詞寫進你心坎裡，音樂彷彿能夠帶領我們在環遊世界，即便是不同語言，仍舊能夠享受音符帶來的美好。那麼脫離樂曲的現實世界呢？是否也能那般純粹簡單，對身負歌手使命的吳青峰來說，和他人「溝通」這件事很容易卻也很複雜，有時候即使說著相同語言，卻也可能在彼此心中掀起不同層面的漣漪。

以古老傳說「巴別塔」（註1）為靈感發想，吳青峰帶來全新單曲《巴別塔慶典》，用輕快充滿異國風情的旋律闡述在生活裡，明明說著相同語言，卻因著各自不同理解，搞得雞同鴨講。又因著各自對語言的誤解，喋喋不休的爭論著，想要證明什麼。然而既然溝通無效，不如把耳朵關起，享受一場在巴別塔內的荒謬慶典。青峰想像我們的星球變成螺旋狀，濃縮在塔內每個人各執一角，每個角落都在發生不同的事，大家都想往上，以拼命把對方擠掉為樂，聽來猙獰，卻用幽默的方式看待這個畫面。或許背後寓意有些抽象，若用簡單一些字詞來形容，即是「大家自說自話，享受語言所帶來的隔閡奧妙」。

青峰除了用充滿詩感的詞句，帶領聽者進入未知秘境外，一句句歌詞搭建出的巴別塔慶典也實體化，轉換成為《巴別塔慶典概念展》，藉由與南韓藝術家Rala Choi(崔韓秀)的跨界合作，帶來一場別出心裁的巴別塔奇遇記。選在台北Woolloomooloo Xhibit開辦僅限五天時間的展覽，白色空間中被區分成四大展區－謎語之境、沉默之境、漂浮之境與築塔之境，經由Rala Choi操刀的動態影像、靜態肖像與繪畫創作，搭配青峰手寫文字與歌曲概念，共譜出一場帶著天馬行空奇想，荒謬、趣味又帶點感性的展覽。

步入展場，最先示人的「謎語之境」，除了青峰體文字牆外，還有一幅以背影與紅脣為主題的攝影照。充滿著各式符號謎語的文字海，表面上是單曲的名稱與歌詞，內在則藏著青峰在創作時層層堆疊的心情；而搶眼的紅唇與背影照，則用豔麗的視覺彷彿訴說著人們面對溝通時的孤寂處境。

隨後迎面而來的紅蘋果藝術裝置，看來有些荒誕，實際上有著如告解般的功用，粉絲能夠通過紅蘋果的真實之口，在這個「聲音收集器」中悄悄地說出想對青峰說的話語。

在沉默之境展區，空間以紅色與藍色為主調，藉由「紅木箱」與「上下顛倒」兩件作品，呼應歌曲《巴別塔慶典》。「紅木箱」是Rala Choi首次聽到歌曲與創作理念所聯想到的源頭，他認為人類之所以有語言隔閡，甚至聽不懂彼此的話，皆是因為想要向上爬的慾望，而照片中的人身處頂端，遠眺著藍色地球，凝滯感濃烈，似乎也拋出問題，你想看見什麼？

而對面空間的「上下顛倒」，則呈現出混亂與脫離現實的意象，就像歌詞中唱到「表面那個說得比唱好聽，心裡那個自己都看不清」，每個人都擁有不同面貌，或許在另一個多元時空中，歡樂的自己正對比著憂鬱的自我。而充滿超現實意象的裝置，也特意擺上拉丁美洲魔幻寫實作家馬奎斯的《百年孤寂》，為裝置增添詩意氛圍。

緊接著，「漂浮之境」則有著視覺強烈的藍背景與漂浮雲朵牆，有如闖進潛意識中，各種不設限的想像正在被構築中；而展區中以黑白色調為主的六張肖像照，則讓青峰直呼「最震撼也最害羞」，他表示對於自己的臉被這麼近距離捕捉，可說是他最大的突破嘗試。

最後在「築塔之境」，是展覽最終卻也是此次概念展的源頭紀錄，透過三台放映機，播放青峰與Rala Choi合作的工作紀實，即便雙方語言不通，卻因為相同頻率而聚在一起，心有靈犀。而投影機螢幕也特別以紅、藍、黑白色調呈現，和整個展覽主色調一脈相承。

《巴別塔慶典概念展》

地點：台北Woolloomooloo Xhibit（台北市信義區信義路四段385號5樓）

時間：7/5 18:30、20:00、7/6-7/9 12:00~20:00

註1：傳說中遠古的人們說著同種語言，但他們想要建造一座直達雲端的塔，用來傳播自己的名聲，於是上天打亂這些人的語言，讓他們聽不懂對方說話，也就間接阻止了這座塔的建造。

Text、Photo：Ian Liu

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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