藝術迷必看繪本！跟著台灣繪本收藏家賴嘉綾 用不同方式認識梵谷、莫內、畢卡索與卡蘿

有機會前往國外美術館參觀的朋友，一定會發現。各大美術館的禮品店幾乎都能看見繪本的陳列，倫敦的維多利亞與艾伯特美術館、泰德美術館、國家藝廊、大英博物館等知名美術館甚至還有繪本專區，比童書專賣店還要壯觀。但為什麼會有這麼多與藝術相關的繪本呢？我認為，這是美術館對於孩童美感教育的關注。為了養出更多欣賞藝術的人口，美育應該從小開始。

在閱讀繪本的過程中，也讓我認識了許多藝術家，進而可以享受到美術館的收藏，有些美術館甚至會根據館藏，開始做自己的繪本，譬如倫敦的泰德現代館就建立了很強大的繪本出版部；同在倫敦的維多利亞與艾伯特博物館則是舉辦插畫獎項；當年美國蓋提美術館建造的時也邀請了創作家夫婦做一本介紹美術館如何建造的繪本；日本京都附近的美秀美術館也由著名繪本家葉祥明介紹這個山中桃花源。

由於繪本的面相千變萬化，創作者各有巧妙，繪本不只是孩子們的讀物，許多大人也對繪本愛不釋手，對我來說，繪本其實是藝術入門的引導，在美術館的書店裡收藏繪本，往往和到美術館看展一樣豐收。接下來，就讓我們一起走進繪本的世界，一起欣賞以藝術家為主題的繪本吧。

梵谷  The Artist and Me

The Artist and Me是一本觀點很特別的繪本，它詮釋了大眾看待人事物的對與錯。故事記錄了主人翁小時候的回憶，他想起小時候總是和一群人嘲弄一位傻瓜，不只小孩，大人也是如此，這個人常常被惹得很生氣，但他多半時候都不理會其他人的捉弄與嘲笑，仍然靜靜地做自己。

某天傻子到稻草堆裡畫圖，他偷偷地跟蹤，沒想到，當他看見畫作後，卻被震撼得無法言語，因此被這個大家誤以為是傻瓜的畫家發現了。畫家邀請他拿畫筆試試，孩子當然不敢，拔腿就跑。很多年之後，這個孩子成為一位爺爺，當他帶著孫子在美術館時，又再次遇見了這幅畫，回想起那段曾經很頑皮搗蛋的童年，現在的他，當然再也不會嘲笑那個傻瓜了。

莫內 Monet Paints a Day

許多畫家都經歷收入不定的生活，從創作中思考變化、突破、堅持，同時檢視自己面對藝術市場的態度；尤其是印象派的畫家，要面對氣候的變化，生活中充滿了許多不確定性。

Monet Paints a Day這本書，由莫內寫給妻子愛麗絲的信開始：「今天早上，我到大岩門海岸畫圖，我希望可以完整呈現這裡的風景，實在太美了， 但是難度很高⋯ ⋯ 」有一次，就在他專心畫畫時，潮水上漲，就那幾分鐘的時間裡，把他捲進水裡，像貝殼般刷進海裡轉了一圈，在他無力、絕望、害怕時，海水再次將他推上沙灘。在他寫給愛麗絲的信裡，提到忘了看當天旅館提供的潮汐時間表，他雖然失去了畫布、顏料，卻體驗到大自然令人畏懼的力量！無論如何，他隔天還是會再回到同樣的地方，繼續他的工作。

北法的氣候多變，畫因不同的天色而有不同色調，若是沒有完成，就只能留著等到適合的時間再繼續畫。莫內有時脾氣不好，如果畫不好，可能會把畫撕掉或是燒掉，他很固執要跟著當天的天色，選擇適合的畫，在自然的光線下完成。

而本書最特別的地方，在於每個跨頁中都放了一個小方格解釋印象派，翻閱時便可以理解印象派與其他室內畫派的不同之處，書中甚至解釋在管狀顏料發明前，顏料的保存與攜帶都很不方便，原來顏料磨好後，必須要放在豬膀胱裡！ 

畢卡索 100 Pablo Picassos

100 Pablo Picassos呈現了畢卡索身為藝術家的百變創意。如同書名「一百種畢卡索」，作者以一百種樣貌來形容畢卡索。身為歷史上最重要的畫家之一，畢卡索從事各種藝術創作，一生共完成超過五萬件作品。他用腳踏車把手做雕塑、為芭蕾舞蹈團設計服裝、64歲時學捏陶， 令人意外的是，畢卡索也寫詩！

在畢卡索91年的人生裡，他總是不斷改變既定規則，突破再突破，對世界充滿好奇。畢卡索充滿想像力且勇於挑戰既有規則的特點， 開創了藝術的新表現， 譬如作品《亞維儂的少女》在平面畫布上表現物體的多個角度。到了晚年，畢卡索還是用自己的方式， 模仿著孩童般的筆觸，臨摹林布蘭、維拉斯奎茲（DiegoVelázquez, 1599-1660）等大師的畫作。因為畢卡索領悟了，每個孩子生來本是藝術家，如何反璞歸真便是他晚年創作的一大挑戰！

在100 Pablo Picassos，我們可以看見畢卡索的各種表情：畫著圖的、看著報紙的、伸懶腰、和狗玩的、拿著畫走來走去的，就像他的創作一樣多變有趣。本書傳達的概念，就在書本最初畢卡索回憶母親的一句話： 「如果你是士兵， 你會是一名將軍；如果你是一名僧侶，也將成為教宗」，但因為他是畫家，所以就是畢卡索。我對這句話的印象非常深刻，面對純真的孩子，除了適當又溫和的鼓勵，還應該要適其個性，讓孩子對未來的自己有期許， 便是陪伴孩子成長的最大幸褔。

卡蘿  Frida Kahlo and Her Animalitos

熟悉卡蘿作品的人都知道，卡蘿經常在創作中加入箭、荊棘與動物等圖像作為隱喻。動物可說是欣賞卡蘿作品的必要元素，而本書的作者便是深入研究這些在不同時期，出現於卡蘿相片與創作裡的動物。或許可以說，這本繪本打開了另一扇認識卡蘿人生的門。

卡蘿從小便養過許多寵物，開始畫圖後，因為行動的不便和自我內省，畫了許多自畫像。在這些自畫像中，就經常出現動物陪伴在側，有小鹿、黑貓、猴子、驢子、老鷹、火雞、狗、鸚鵡。

這些動物依序出現在卡蘿的生命時程與畫作裡，不論是動物們所代表的個性或是精神，都陪伴著卡蘿，並給予她靈感和力量。而這些被允許隨意走動的動物，彷彿代替了行動不那麼自由的卡蘿。

繪者在書中的許多細節，採用了溫和但殘酷的描述筆觸。譬如卡蘿罹患小兒麻痺後，學著同齡的孩子騎腳踏車，當時她也喜歡扮男裝。中學時，好強的她與男孩們一樣，騎著驢子，但明顯地看見雙腳不同粗細。為了表現那場讓她支離破碎的車禍，繪者放了把火在她身上，搭配公車翻覆和骨頭分裂的畫面，暗示幾乎無法生還的災厄。先生為她蓋了一個金字塔型的寵物遊樂區，也暗示著婚姻關係中隱藏的難題。

最後當卡蘿躺在床上，一旁放著輪椅的畫面，提醒讀者，卡蘿人生中最後一次個展開幕時，她是躺在床上，由醫護相關人員抬著床進場的。看似輕描淡寫的頁面，卻帶過她人生的重要經歷，每一次的翻閱，都深深地打動讀者體會卡蘿人生中的偉大磨練。

文字：賴嘉綾

欲知更多藝術家故事，都在La Vie叢書出版 《懂得欣賞，是件快樂的事！聽故事、入門藝術、逛美術館，美感探索的繪本提案70選》

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

Longchamp x Caroline Hélain首發膠囊系列重磅登場！延續2026秋冬系列品牌創意團隊所發想的「Creative Curiosity」概念，此次全新聯名服飾、配件及包袋特別攜手比利時藝術家Caroline Hélain，以9幅採用手裁布料層疊而成的岩礦地景，激發人們的探索欲與創意好奇心。隨本篇認識這位創作遊走於具象與抽象之間詩意地帶的當代視覺藝術家，同場看該系列從T恤、絲巾、托特包到旅行包等「自然系」單品設計亮點。

永續與創新，無疑是當代設計兩項不容忽視的重中之重。向來秉持真誠活力與樂觀精神的Longchamp，自1948年憑製作皮革煙斗起家至今，已然發展成為產品涵蓋旅行配件、包袋、服飾、眼鏡及鞋履等豐富類型的全方位生活風格品牌。2026年，Longchamp進一步將其社會責任與環境承諾制度化，透過取得B Corp™企業認證，嶄露不懈推動永續生產的決心。

與此同時，針對自家商品設計與時下藝術脈動的結合，Longchamp亦不遺餘力；舉凡數度攜手多元藝術家推出聯名系列、連年攜各式挑戰工藝邊界的創意家具進軍米蘭設計週，比比皆是實例。本季，品牌懷抱感性與好奇心，首度與比利時視覺藝術家Caroline Hélain展開合作，轉化藝術家所縫製細膩且富有層次的獨特地景為服裝與皮件圖樣，從而以滿含詩意的跨領域對話再次印證：作為Longchamp成立70餘年來的創作核心，廣義「藝術」及其多元表現形式始終扮演品牌旗下一切設計的關鍵角色，深度聯繫著創意團隊對長遠未來的嚮往心情，以及品牌受眾對嶄新視野的開放態度。

▼ Longchamp日前落地台北的2026秋冬系列發表會，於現場構築一座沉浸式畫廊展陳單品

在藝術與實驗之間——認識藝術家Caroline Hélain：

以手裁布料為基礎，描繪光影下別具生命力的自然形態

視覺藝術家Caroline Hélain現居比利時布魯塞爾，兼於布魯塞爾藝術學院進行研究工作，藉交流與實驗持續拓展藝術視野。大都汲取靈感自植物與自然景觀，其作品發跡於手工裁剪和塑形的布料，並經不同材質與色調層層拼接構成，各細節組成脈絡可謂遊走在觀察與記憶、具象與抽象地帶。尤其擅長以細膩視角感知周遭的她，且多運用風景、材質與視覺感官的連結，重新詮釋記憶中的景象；從色彩相互映襯的節奏、線條交織產生的律動、各層布料擁有的共鳴，乃至自由縫製所勾勒出的線條語彙，全是成就Caroline Hélain標誌性風格的有形與無形符碼。除從事個人創作外，她也通過工作室及文化機構舉辦的工作坊，分享自身於縫紉和刺繡領域的專業知識與實務經驗。

針對此次聯名，Caroline Hélain表示，「我的藝術創作存在於具象與抽象之間。與Longchamp的合作，讓我有機會將作品中的自然景致化為可穿戴作品。我所描繪的地平線能隨身形流動，以環繞整體輪廓，這對我而言別具深刻意義。」細賞她精心打造的系列單品，時有一座沙丘、一片峭壁，抑或一道天際線浮現，恰似幀幀被解構後重新拼湊的風景畫。

專屬創作躍然多元單品，邀你穿戴探索未知風景

Caroline Hélain共為Longchamp 2026冬季系列構思9幅專屬地景，各幅作品一方面以細緻的織紋肌理和色彩層次堆疊與品牌單品本身線條有所呼應的柔和意象，另方面而言亦借力於Longchamp精湛製衣與鞣革手法的二度演繹，躍然服飾配件之上。

首先，Daylong系列皮革包袋善用多層次拼接再現藝術家的地景創作，並由Longchamp工坊匠人悉心縫製，盡展品牌工藝底蘊。包型部分提供迷你包與旅行包兩種，邀人們踏上探索未知風景的旅程。

再者，鮮明的色彩構圖同步渡上毛衣與長洋裝，使多款服飾彷彿點綴流動壁畫般自帶生命力。其中最具代表性與辨識度的無袖背心，揉合皮革與初剪羊毛圈紗材質，描繪沙丘和模糊天際線交會的壯麗景觀，實踐藝術與工藝的精妙平衡。

最後，Longchamp遊牧風格衣櫥內所收藏的絲巾、喀什米爾方巾、口袋飾以地景圖樣的T恤，和Le Pliage系列棉質帆布托特包等單品，無一不讓人一眼即識Caroline Hélain的創作。色彩部分選用橄欖綠、薊花紫、焦糖褐與芭蕾粉等富有礦石質地的大地色為主調，帶出自然沉靜的秋冬氛圍。

「每一季，我都熱衷於發掘不同領域的創意人才。我初次看到Caroline Hélain的作品時，不僅被她細膩的藝術感知所吸引，也深深著迷於她精湛的創作技法。這兩種特質恰好呼應Longchamp一直以來重視的創意探索精神與工藝底蘊，因此便順理成章地促成此次合作。」——Longchamp創意總監Sophie Delafontaine