不插電的動態光影！藝術家克里斯蒂安．格琳把玩古董玻璃、波紋壓克力「以光作畫」

光影的精妙之處在於，能讓複合媒材在巧妙拼貼、安排後，在視覺上由靜轉為動態，表現出無光狀態下難以達到的躍動姿態。出自德國藝術家克里斯蒂安．格琳（Christiane Grimm）的作品，被稱為「不插電的動態光影」，透過實驗色彩、光線、空間的互動關係，將特殊玻璃、波紋壓克力、色紙等媒材結合，讓作品隨光線變化、觀看位置不同，展現出極具趣味性的視覺變化，細細觀察，就像是光在為她作畫。若感好奇，即日起藝術家個展《漸層 Gradient》於Bluerider Art台北·敦仁展開，親臨現場才能感受「以光作畫」的奇妙。

克里斯蒂安．格琳作品3大特色｜建築感、擅長玩材質、融入繪畫元素

01. 帶建築思維的藝術創作

克里斯蒂安．格琳的創作特色，從她的求學、工作經歷便有跡可循。藝術家擁有建築學背景，因此作品空間感相當強烈，時常可見個性鮮明的建築感線條，有稜有角、輪廓分明。舉凡《Architecture of Light》與《Selenorage》兩件玻璃雕塑，以層層玻璃搭配不透光異材質，堆疊出宛若「迷你建築體」的微縮空間，讓光線自由尋找路徑穿梭，形成彩色光譜序列，也表現出帶韻律感的視覺節奏。

《Selenorage》

《Architecture of Light》

層疊之間媒材該以水平或垂直放置，都考量到成品與光互動後所會呈現的效果，正如同建築師在構思量體藍圖、做建築模型時的思維模式。

02. 對材質著迷，古董玻璃、波紋壓克力創造夢幻光影

擁有建築經驗，也讓格琳對材質特別入迷。起初，裝置是格林的主要創作項目，當時就可見她擅長運用「波紋壓克力」的特點，正因為著迷於媒材本身透光性與紋理交互作用下呈現的效果，格琳特地尋覓「古董玻璃」媒材創作雕塑，之所以不用工業玻璃，正是因為古董玻璃帶雜質、質地不均勻這種帶有「瑕疵」的特質，才能符合藝術家本身熱愛做光與材質互動實驗的渴求。

03. 複合式媒材營造繪畫既視感

在從事建築工作期間，格琳也未停止創作，常以油畫、粉彩等繪畫形式表達所想，雖後來轉而轉注於大型裝置、壓克力與玻璃雕塑創作，她也時常將「繪畫」元素融入其中，一個個壓克力透光盒子裡，裝載的可能是色紙、霓虹、各種材質塑成的幾何形狀，還有格琳自己親手繪製的畫作。而當這些媒材透過壓克力呈現，加上光的加持，便會形成類似「粉彩畫被仔細暈染過」的視覺效果，不過比起純手繪來得更有動態感，饒富趣味。

4個要點讓《漸層 Gradient》觀展體驗更有趣

1. 走進藝術家創作的「盒子」裡

看完一系列以壓克力創作的作品，是不是很想走進盒子裡看一看？格琳特別為《漸層 Gradient》，現地創作全新裝置作品《Solar Winds》，將「不同材質混合」的創作特色尺度拉大，運用直條、橫紋拼接的波紋壓克力，搭配上鏡面塑出半圓型態，邀請觀者走入其中，從不同角度、距離去感受成像變化。簡單來說，走入《Solar Winds》就好像走入格琳所創作一個又一個的壓克力盒裡，走入者可以被類比為盒內媒材，在外欣賞的人可隨「媒材」走動看見視覺轉變。

2. 正面看完，記得從側面看

場中所見所有以波紋壓克力呈現的作品，盒子深度皆為10公分，這是格琳經過多次計算實驗後，所得到最理想的數字，成果最貼近想像。欣賞作品時，別只從正面看，可以從側面觀察，試著看看這10公分的空間裡放了哪些東西、物件之間又是如何堆疊，才能形成最終成像。

3. 看平面媒材創造「層層疊疊」的視覺效果

定點欣賞過正與側面，別忘了「漸進、流轉」地看作品，試著從正面中心開始，將腳步與視線往一側移動，再慢慢移轉至另一側，媒材透過壓克力、隨著觀者視角與光影流變，所呈現的視覺層次是非常豐富的。多看幾次、每次從不同角度開始視覺旅程，都會獲得不同體驗。

4. 觀察作品互相「交流」的效果

欣賞靠近落地窗的作品時，也有許多細節值得留意，這些都是Bluerider ART在策展時所埋下的小巧思。舉例來說，《Schrein für Selenrot》被特意擺在最靠近窗的展示台上，若陽光明媚、天氣晴朗，日光打在作品上，會在純白檯面上形成很漂亮的淡橘色光影。

此外，入門後左側兩件作品《Ellipse》與《Purple Diamond》，正好和對面帶鮮豔螢光橘色彩的《Glück》遙遙相映。當觀看上述前兩幅作品時，若仔細端詳壓克力板表面，會發現上頭映著幽微的橘色光暈，那並不是作品本身創造的效果，而是經《Glück》映射而來的細緻色彩，再悉心觀察展間其他作品，或許也會得到像這樣的驚喜，非常有意思。

《漸層 Gradient》克里斯蒂安．格琳 Christiane Grimm 在台首個展

展期｜2022年5月7日～6月26日 

地點｜Bluerider ART 台北·敦仁（台北市大安區大安路一段101巷10號1F）

開放時間｜週二至週日10:00～19:00

資料、圖片｜Bluerider ART

《藤本壯介建築展：原初．未來．森》海外巡迴首站落腳台北，本展透過雙展區、6大主題、逾百件建築計畫，梳理其30年來的建築創作。記者會上，藤本壯介也特別帶逛展場，帶我們走進他腦海內的森林。

日本東京森美術館在去（2025）年推出的藤本壯介建築展，創下逾23萬人次參觀紀錄，不僅是建築相關人士，也吸引了許多年輕人、家庭族群前來觀看。藤本壯介提到，當初在與森美術館討論建築展時，他希望不只是回顧他過去30年的創作軌跡，也能夠呈現他思考了什麼、有什麼前瞻性的內容，最後，「森」這個關鍵字便冒了出來。

從北海道森林走向世界

藤本壯介出生於自然資源豐富的北海道，自幼常見的雜樹林景觀，成為其理解空間與自然關係的原點。1994年自東京大學建築系畢業後，他未循一般路徑進入建築師事務所，而是展開長達6年的獨立探索，省思建築的原點，逐步形塑其建築哲學：模糊自然與人造物、室內與戶外、個體與群體的邊界，創造如森林般開放而富有包容力、得以容納多元關係共存的空間。

用建築連結人、自然與未來

藤本壯介補充，他們在「森」這個字裡面做了很多的想像，不只是自然的森林，人與建築物的關係，其實也是一種森林的意象。「森林裡面有很多不同的生物共存，形成豐富的多樣性，未來的建築物是否也能像一座森林，讓不同的人相聚共存，從多樣性中產生意想不到的連結，這也是我們對於未來建築與社會的想像。」

一踏入展場，牆面上所見的60多幅圖像，這些是藤本壯介從以前到近期的作品，人們能從縱觀的角度窺見它們雖然各自不同，卻又存在某些共同點；透過這面牆，大家可以了解藤本壯介這些年走過的路，其中包含一些實驗性的錯誤，但他也從中思考了許多多樣性與不同的可能性，並讓它們同時共存。

想像多元共鳴的未來城市

抬頭可見的懸掛裝置，則是藤本壯介對100或200年後未來都市的想像。他們想像人們住在一個個如泡泡的圓球中，裡頭也有許多綠意與公園，構成了包容各種多樣性且相互交融的生活空間。他說，在他想像的未來世界中，也許人們都有了可以在空中飛翔的裝置，因此住宅也打破了所謂的樓層限制，形成一個具有多樣性且交融在一起的自由空間。

思考多元共存與彼此連結的可能

來到「開放之環」主題展場，映入眼簾的是200分之1的大阪萬博大屋根模型，搭配牆面上藤本壯介的草圖，能更加了解他設計大屋根時的思考軌跡。藤本壯介說，圓環狀的大屋根雖然是建築，卻極具開放性；所謂的建築，既要接納大眾，又要具備保護與包容的功能，而要如何讓兩個同時並存，是他想要傳達的概念，因此在旁邊的牆面，也可見到體現「開放之環」這個理念的建築作品。

走進藤本壯介的「腦內森林」

匯集了藤本壯介30年來建築模型的「思想之森」展間，則將帶領大家走進他腦內的森林。從入口的早期作品到後方的近期、進行中的作品，主要分為3大創作脈絡：探討建築如何兼顧內部的包覆感，又能向外敞開的「展開與包圍」、思考許多局部如何共同組成一個整體的「眾中之眾」，以及打破空間只有單一用途想像的「未分化」，但這3個概念並非壁壘分明，也有很多交融之處，比如貝爾格勒的哈拉水岸中心（beton hala waterfront center）便展現出這3大主軸。另外，牌子上也特別設置了對應這些概念的壓克力小方塊，讓人們能夠透過顏色辨識每件作品所蘊含的設計脈絡。

思想、創造力是自由的

有趣的是，展間中除了專業的建築模型，也展示了藤本壯介收集的物件，像是包水果的保麗龍紙，呈現建築的通透感；捏碎的寶特瓶表達變形後的風貌，引領人們思考建築的外觀也可以有不同面貌；展出洋芋片模型，則是因他認為洋芋片透過某種堆疊、中間產生的縫隙也是所謂的空間，或許有可能被運用在建築上。藤本壯介說明，希望透過這些展示品，讓大家了解所謂的思想、創造力可以是很自由的，並能在這些自由的發想中找到樂趣。

回望30餘年的建築實踐

「軌跡之森」由建築史學家倉方俊輔兼修編纂，透過年表、手繪草圖、建築語錄與獲獎紀錄，串聯藤本壯介不同時期的代表作品。藤本壯介說，「藉由這次展覽，我才有機會重新回頭看過去的手稿，這些都要感謝我母親當年的細心保存。看到這些草稿時，我一方面感嘆當年自己真的很努力，另一方面也會覺得過去的自己還是有點不行啊。不過，看到這些手稿才發現原來我始終在思考同樣的核心命題，並在不斷的實驗與失敗中反覆鑽研。這些手稿不是為了展出而畫，它們就是我建築思考過程最真實的呈現。」

走進1:5大屋根模型

本次展覽一大亮點、位於衛星展區的5分之1的局部大屋根，則邀請大家穿過模型、用身體感受其中的空間感。藤本壯介補充，大屋根模型在森美術館展出時是靠牆的，在這裡則是可以360度的環繞觀賞、動線更加自由。值得一提的是，展場長達15分鐘的大屋根紀錄片，是藤本壯介在大阪萬博閉幕前一星期自費拍攝、去年底完成剪輯，影片中記錄下從早到晚的風景以及現場的聲音，讓人們即便不在現場，也能感受當時的空間與氛圍，尤其是這部影片沒有上傳到公開的平台分享，推薦大家靜下來欣賞影像，再次回味大阪世博的感動。

藤本壯介建築展：原初．未來．森
日期｜2026.8.15（六）-2027.1.3（日）；開放時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館）
展覽地點｜主展區：忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）、衛星展區：建國啤酒廠成品倉庫（臺北市中山區松江路25巷40號）
更多資訊可至官網查詢

坐落台南漁光島的藝術選物空間「森初．moricasa art」，即日起至9月5日推出日本工藝家五十嵐桃子（Momoko Ikarashi）個展《scenery．記憶瞬間》，邀你在一件件精巧的「窯鑄玻璃」作品中，窺見自然萬物的美好。

春日繁花、夏日綠意、秋日晚霞、冬日白雪，大自然的四季之美，在五十嵐桃子的巧手之下，化為可被「捧在」手中欣賞把玩的袖珍風景。她以玻璃為主要媒材，透過鑽研多年「窯鑄」技法，將自然景緻的迷人色調，封存於一件件生活器具、或如立方雕塑般的工藝擺件，兼具日常氣息和藝術感。

用「窯鑄技法」封存自然景緻

從就讀武藏野美術大學，到畢業後轉至金澤卯辰山工坊研修，十數年來，工藝家五十嵐桃子不斷精進工藝手作經驗，以「玻璃」為主要媒材，將大自然的美好景緻，透過獨特的「窯鑄技法」封存。

有別於常見的「口吹玻璃」所用的轉動吹製工藝，窯鑄技法需先在腦海中構思作品型態，製作石膏模並精算溫度，善用玻璃的可塑特性，讓其呈現如菓子般精緻、或如石頭般沉重的質感。透過窯鑄，五十嵐桃子將夕陽、冬雪、綠意等自然景色，凝結於霧面質感的幾何作品中。

樂趣來自未知

對五十嵐桃子來說，窯鑄玻璃像做實驗般有趣，為追求理想的質感表現，她不斷測試燒製溫度、調整加工方式，將不同大小的彩色玻璃顆粒與碎末，進行排列組合。更有趣的是，在等待玻璃燒結與降溫過程中，電窯內的作品無法直接看見及觸摸，因此每回打開窯蓋皆是驚喜，這對工藝家的技術和經驗來說也是一大挑戰。

從尺度、手感讓玻璃更貼近生活

創作過程中，五十嵐桃子持續思考著，如何讓玻璃更貼近生活：初步構想時，她在圖紙上繪製作品輪廓，再著手製作保麗龍模型，實際測試後調整型態與適合尺寸；完成窯燒後，將轉角處研磨成柔和邊緣，使日常使用時更加順手。她的作品靈感與色彩，多取材於大自然，但並非完全重現，而是發揮玻璃本身的發色效果，呈現媒材獨有的表情。

經典「蓋盒」系列呈現絕美漸層

五十嵐桃子最經典的代表作——「蓋盒 one day」系列，由她大學時期的課堂題目「盒子」延伸而來。此系列的有趣之處在於，作品由蓋、盒組成一體，工藝家以天空投射出的光線為靈感，將各種色彩的光「燒進」玻璃內，並巧妙讓內盒和外蓋形成漂亮的錯位漸層——兩者獨立看各自美麗，擺在一塊看更成風景，有時如湛藍天空交織澄黃晚霞，有時又如冬季時覆於大地上的霜白。

五十嵐桃子．玻璃個展《scenery．記憶瞬間》

展期｜2026.08.08－09.05

地點｜森初．moricasa art（台南市安平區漁光路113號）

開放時間｜週二至週六 13:30－17:00（預約制）