日常生活中常見的建築設計圖、平面施工圖、產品說明書、街頭看板與文宣⋯⋯等，都是藝術家陳建榮創作的靈感來源，他利用繽紛的幾何色塊堆疊、模糊的色彩邊界，以及看似不合常理的景觀與結構拼接，去釋放尺規丈量的嚴謹線條，突破版型框架的束縛，形構蒙太奇般的平面繪畫作品。即日起至2022年12月24日，台北双方藝廊推出陳建榮個展《方方》，現場集結藝術家共20餘件平面繪畫作品，展演以顏料和畫布所構築的「人工」景觀。

產品說明書、未能實現的建築設計圖都成畫作靈感

百分之百的原創常被視為創作的真諦，但在藝術家陳建榮的作品當中，不乏採集既有素材並將部分元素挪用至畫中的線索，例如無法按圖施工的設計圖、畫冊上的攝影、設計師海報、Instagram截圖⋯⋯等已經歷過他人「創造」的物件，都是他畫中的潛在元素；不過，經由陳建榮自身的色彩、線條、結構演繹下，那些非藝術家本人原創的痕跡，比如設計圖上的筆跡、廣告看板中的版型，都將經歷建置、拆解、繪製、塗銷等行為，與顏料一同蛻變為一幅嶄新的繪畫，畫中蘊含陳建榮的採集行為與創作揮灑，形成原創與再創之間的微妙狀態。

「似是而非」的繪畫風格

這樣的微妙狀態，恰巧與陳建榮「似是而非」的繪畫風格形成有趣的對應，他的畫面經常透過建築空間和線條的經營凸顯其結構性，又以色彩的配置、塗抹、滴流等繪畫性的筆觸表達出抽象的美感，對其結構性再次進行消解與解構，整體呈現一種亂中有序、序中又有亂的畫面。

畫中每個看似不確定的筆觸與線條，其實疊加在設計圖、說明書等精準且講求按部就班的框架上，而部分作品中如淡薄晨曦的淺黃、草莓冰淇淋般的恬淡粉色、清涼的薄荷綠等色彩運用，則打破了陳建榮時常採集的建築結構元素的工整與制式，多種元素層層疊加，形成非常有趣的意象對比，而屬於藝術家本人獨有的二維世界，也在小小的畫布上被建構，畫中所呈現的那個「地方」好似存在於幻象與現實之間。

何謂「方方」？

《方方》是陳建榮在双方藝廊舉辦的第一場個展，展名一如諧音推想，帶有呼應其創作風格以及展場形式的多層意涵，對此他在訪談中剖析：「《方方》可以說是一種視覺樣貌的呈現，垂直、水平，建榮的東西都挺方的；或是空間向度，方方面面、方方正正，但又不是那麼具體；或是觀眾會想到双方的空間樣態（格局方正），甚至是我這次展出的空間，就類似兩個上下疊合的矩形。」雖然《方方》聽起來有明確的邊界，但或許可以進一步聯想為邊界帶點「光暈」的意象，以此為切角看本次展出的《Landscape》及《Aircraft》系列繪畫，也許會更有想像空間。

交織具體與虛幻的人造景觀

《Landscape》及《Aircraft》是陳建榮近年持續發展的繪畫系列，其中除了部分作品植基於具體的城市場景與人造物，其餘很多是創作時「憑空杜撰」出的結構體，或者幾件形似房舍的雕塑，又或真的取自某些藝術家作品的形體。初次觀看，總會想從畫中找到具體的城市圖像，比如美術館、工地旁所停放的起重機、窗戶⋯⋯等熟悉的物件，但與其將這些建築性空間視作繪畫的「母體」，倒不如將其視為一種繪畫「語言」，如同畫中刻度模糊的尺規、反覆使用的遮蓋膠帶等痕跡一般，僅是一種表現形式。

陳建榮談《Landscape》系列

與双方藝廊對談的過程中，陳建榮特別提出兩件出自《Landscape》系列的作品做講解，想更了解藝術家的創作概念，不妨從此切入，「提到Landscape，大家普遍會想到風景、景觀，但相較於自然景觀，我的作品顯然是針對人文環境的所看所感，並在整理後轉化而成的繪畫樣貌。」

⭔ 後現代空間遇上文藝復興時期色彩

陳建榮接著以〈Landscape 161〉為例，這幅畫描繪了一處他從沒去過、卻對其充滿憧憬的空間——位於德國的BMW Lab；在他眼中，這是個揉合現代主義與後現代風格的場域，裡頭工業管線外露、僅由一些建築結構，且充斥著平面電視、人群聚集的樣貌，非常具有當代氣息。

創作時，陳建榮在色彩上做了很有意思的轉化，當時他無意見看見文藝復興時期義大利畫家喬托（Giotto）的宗教繪畫，畫中所使用如石灰石的灰、青金石的鈷藍色，雖然出現在幾世紀前的畫作當中，卻意外地與當代氣息十分吻合。因此，陳建榮在以當代商業空間（BCW Lab）為基底的畫作當中，挪用、融入了數百年前古典宗教繪畫的色彩，他形容這是一種「巧妙的時空疊合」，即便觀者沒有聽過說明，也不會感到違和。

⭔ 著迷於乘載創作過程的「定格」

另一方面，〈Landscape 163〉一作汲取了傳奇建築師Eileen Gray的作品元素，畫作中依稀可見由她所設計、位在南法的E-1027別墅輪廓，體現了陳建榮喜愛擷取、採集的創作手法，「我對一些二手、三手的東西很感興趣，雖然它可能不是最原初的、最早的創意發想，但經過各種（經手者的）改寫，這些改寫可能來自擁有不同偏好、身在不同地域的創作者。」

改寫的痕跡當中，蘊藏了人們為何要創作、又為何要這麼創作的線索，記載了打動創作者的時空條件與環境中的蛛絲馬跡，包含時間、光線⋯⋯等，「後人看到的只是『定格』的一瞬間（也就是照片），但這個定格乘載了創作過程中的所有集結。我一直對這個東西很感興趣，所以在作品中不乏這樣的呈現。」

每個走進《方方》展間的觀者，都將聚焦在陳建榮所打造的一個又一個視窗，「很多人看我的作品很難忽視『邊框』，其實邊框本身就是一種明示，繪畫就是一種虛擬的東西，說明所有的事情就只發生在這二度空間的平面上。每個人所看到的縱深或色彩意義，可能都是自己的腦補或是當下內心的投射。」但是終究，每看完一件作品，腦補與投射的互動過程結束，就得跨步邁向另一件作品，進入一個新的視窗，甚至是一個嶄新的空間。

方方－陳建榮 個展

展覽日期｜2022年11月12日～12月24日

展覽地點｜双方藝廊（台北市中山區北安路770巷28號）

開放時間｜週二至週六 11:00～18:00

資料、圖片｜双方藝廊

台北藝廊TAO ART與巴黎瑪戈畫廊（Galerie Marguo）攜手合作，推出法裔美籍藝術家安娜・卡卡（Ana Karkar）在台灣的首度個展《Pipe Dream》。女體和女性意識，幾乎從未缺席卡卡的繪畫作品中，她們總以彷彿在「變形」中的姿態面世，情緒張力飽滿，洋溢持續蛻變、解放與創造的生命力，帶觀者墜入鴉片幻覺般的夢境，穿越現實與幻想的邊界。

狂想般的視覺語言，包裹對「自我」的見解

東西方神話、實驗電影、克林姆等維也納分離派畫家……滋養著卡卡的創作養分，引領她發展出近似「狂想」的視覺語言。她用極具流動性的筆觸描繪女體、勾勒女性意識，像是種反叛，挑戰人們對情色與親密的既定想像；也是份宣言——自我沒有固定的形式、沒有清晰的邊界，而是如花般層層綻放，在關係中不斷展開、變形與再生。

在卡卡的藝術宇宙裡，身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器，神聖又脆弱，蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚，引領觀者在幻象與現實之間，重新凝視身體與存在的關係，想像蛻變的可能。

《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品，持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence〉畫中濃綠與青藍色調，喚起水與生命誕生的意象，與火的元素形成對比，象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象，神秘而無法被定義；她內心彷彿燃燒著渴望，只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

另一邊，〈Scales〉畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞，形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇，白與紫的色彩對比空靈而神秘，營造近乎神話般的場景。

藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響，也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中，糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象，強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒（Egon Schiele）；激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙，則呼應了克林姆（Gustav Klimt）的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演，從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪（Brian De Palma）到達利歐·阿基多（Dario Argento），以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂，都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」，延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格，根植於卡卡的生活背景，她出生並成長於舊金山，從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後，曾進入Louis Vuitton總部工作，於影像製作和數位媒體部門任職7年，現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷，皆深深影響她的創作。

在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為，「卡卡畫的不是單純的身體，而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變，還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角，創造了一個心理空間，在那裡，身體不再是固定的，而是不斷變化、彼此交織，充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream》

展期｜2025.05.07－07.12

開放時間｜週二至週六 11:00－19:00

地點｜TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

數位分身與人類本尊有何差異？非自然的建築，可以如生命體般蠕動嗎？2025大阪世博最具話題性的展館，新媒體藝術家落合陽一策劃的「null²」絕對榜上有名，堪稱最難預約展館之一。他以「鏡子」為媒介，藉由這座會呼吸、舞動的建築詮釋其自身的「數位自然」理念，邀請觀眾駐足重新思考人類與未來科技間密不可分的關係。

「null²」的建築體由不規則的鏡面方塊堆疊而成，外牆由邊緣向中心凹陷、扭動，配合音響的震動，每一分秒都映照出世博會場的萬千模樣。除了充滿未來感的吸睛外觀之外，「null²」場館內的天花板、地面鑲上了發光LED面板，四周牆面則以鏡子組成，無止境地反射了展間內的人群姿態。而豎立在展場內的大型螢幕，則是能夠遇見「數位分身」的裝置。置身其中，人們將透過螢幕與自己的分身互動、對話。

操刀這座展館的落合陽一身兼新媒體藝術家、研究者與企業家等頭銜，以自身發展出的「數位自然（Digital Nature）」理論為基礎，致力於探索數位空間與物質世界的融合。在創作上，他常透過超音波、雷射等先進技術再現光、聲音或水等自然元素，創造出既真實又虛幻的體驗。或者是透過作品將「空無」、「存在」等抽象概念具象化，誘發人們思考生命的本質。他也積極於新聞節目、論壇等公開場合現身發言，在AI、高齡化社會、教育制度等方面提出獨到觀點，是目前廣受日本社會矚目的跨領域人物。

以新媒體藝術打破既有概念的二元對立

落合陽一於2017年曾參與協助日本爭取世博主辦權，直到世博確定落腳於大阪後，他也在2020年以新媒體藝術家身分正式加入，成為主題館的8位策展人之一。「我一直透過創作和研究持續探索『鏡子』、『數位分身』以及『空／null』等概念，懷抱著強烈的企圖心，希望能在世博這樣具有高度公共性的大型展會上，實現大膽的社會實驗。」他說。

呼應這屆世博主題「設計一個讓生命閃耀的未來社會」，主題館「null²」也被賦予了「鍛造生命」此一關鍵字。面對這個命題，落合陽一結合其自身的創作概念之一「null／空」展開發想。他說明，在電腦科學中null 代表了「空值」；而在佛教思想中，「空」指的是「雖無形，卻能化為萬象」的原始狀態。乍看來自不同領域，但這兩個術語擁有「因為尚未定型，反而孕育著一切可能性」的共通點。「我認為從『空／null』的狀態中創造全新價值的過程，正是『鍛造生命』此一行為本身。」他解釋。

這並不是落合陽一第一次在創作中採用此一哲學思維，包含2022年的《null的樹影斑駁》（nullの木漏れ日）與2024年的個展《晝夜交替亦為神佛：鮨null∴鰻龍》（昼夜の相代も神仏：鮨ヌル∴鰻ドラゴン）中，皆可見「空／null」的概念應用。透過電腦技術，落合陽一創造出無形的光或影像，讓觀者體驗到無形之物的呼吸、氣息，藉此撼動「無與有」、「自然與人工」等二元對立的概念。而大阪世博的「null²」則將概念再往前推進，不僅止於單純的展出，更創造出了數十萬人可同時共感的參與式體驗。「可以說是過去作品的集大成，同時也是對未來社會的一種原型預演。」他說。

讓建築像生命體蠕動，又保有安全結構

從中心思想「空／null」出發，落合陽一更以長年來的創作媒材「鏡子」串聯起整體概念。他說明，鏡子自古以來扮演著「區分自我與外界邊界」的意義，但當鏡面產生扭曲時，整個世界也會產生流動，自己的輪廓也逐漸瓦解。「正因如此，當我們試圖重新思考『什麼是自我』、『何謂世界』時，鏡子是一個非常有效的象徵媒介。」他說。

展館外側的「鏡子」，由日本膜結構領域的知名大廠「太陽工業」以及建築團隊「NOIZ」共同協力完成。落合陽一和太陽工業嘗試在樹脂薄膜上蒸鍍金屬，經過數年的嘗試後，才開發出現今保有金屬光澤，卻又能柔軟變形的鏡面膜。他們也研發了一套透過機械手臂的局部壓迫、大型低音喇叭產生振動來扭曲牆面的操控技術，藉此營造出建築體的動態生命力。

另一方面，建築團隊NOIZ 面臨的挑戰，則是如何在鏡面膜的動態呈現下，保持整體結構的平衡與安全性。為了解決這個問題，NOIZ團隊將建築劃分為多個區塊，限定了可動範圍，除此之外的部分則使其自然地反映環境震動。落合陽一說：「這樣的設計使建築彷彿生命體般蠕動，卻又保有建築結構的安全性，成為此次技術突破的關鍵。」經過無數的挑戰，最終才得以設計出團隊所設定的願景，打造出一座「不是靜態的容器，而是流動且具有智能的建築」。這也反映了落合陽一的「數位自然」理論，讓「非自然」能「如自然般舞動」，藉此誘發觀眾重新思考人類與自然之間的關係。

當自我與數位分身相遇

走進展館內，則是另一面映照自我的「鏡子」。不同的是，這面鏡子不是忠實地呈現鏡前的一舉一動，而是在鏡中重生出另一個自己。由落合陽一團隊所開發、取名為「Mirrored Body」的數位分身，結合了入口處的高速3D掃描技術、聲紋識別與AI語音合成裝置，再加上大型語言模型驅動的即時對話生成系統，不出數分鐘內，自己的分身將會被投影到展館內的螢幕上，與本尊進行互動。

針對開發數位分身的動機，落合陽一說明，未來數位分身可能成為「擴增自我的代理人」。它們可以代替本人參加會議、協助創作，成為AI與人類協作發展的重要媒介。不過同時，也會產生「何謂真正的本人？」等身分認同的疑惑，以及數據管理和所有權等倫理議題。「正因如此，我認為在世博進行這場實驗，對於推動社會共識、深化哲學反思有很重要的意義。」他說。

在世博舞台拋出質問：人類該如何與科技共生？

在世博實踐自身思想的實驗性行動，十分符合落合陽一看待現今世博的舉辦意義。他提到，19世紀的世博展示了國家威信，20世紀的世博則在宣揚企業實力，而進入21世紀，世博正逐漸轉型為全球環境課題、文化多樣性的對話場域，以及包容新的價值觀、哲學思維的實驗平台。他說：「包含AI、機器人、區塊鏈等，在這個即使是個人也能引發巨大革新的時代，世博不再只是『為了國家或企業的展覽』，而更像是一個『匯聚多元未來願景的沙龍』。」

回歸其新媒體藝術家角色，聚焦於世博中的科技革新應用時，落合陽一向我們分享了他對於未來世界的想像。「整體而言，我對科技發展抱持正面態度，特別是對於AI與數位分身在『擴增人類』方面的應用充滿期待。如果我們能讓AI部分取代知識工作、活用多個虛擬分身，甚至由AI代理我們的思考與行動，人類就能更專注於創造性與自由的活動。」他說。

但同時落合陽一也強調，科技發展也伴隨了自我認同、倫理道德的問題，尤其在社會制度尚未跟上的階段即過度濫用科技時，會產生不少未知的危險。不過他也說，也因此世博正是個絕佳契機，開放眾人共同討論「未來社會的理想樣貌」。他說，「在這過程中，既有如置身於烏托邦般的樂趣，也可能混雜著迷失自我的反烏托邦式恐懼。最終，『null²』將作為一個裝置，引導我們思考：人類該如何與科技共生、如何取捨，並在此過程中持續『鍛造生命』。」

落合陽一

新媒體藝術家。1987年出生，自2010年開始藝術創作活動。作品以跨領域的物化、轉換，以及對實體物質的憧憬為主題發展。現任筑波大學副教授，亦擔任2025大阪世博主題館策展人。代表作包括攝影集《質量への憧憬》（amana・2019）、NFT作品《Re-Digitalization of Waves》（foundation・2021）等。曾獲2016年Prix Ars Electronica榮譽獎、歐盟STARTS Prize、2019年SXSW Creative Experience ARROW Awards；入選《Apollo Magazine》40 UNDER 40 ART and TECH、獲得亞洲數位藝術大賞優秀獎，並多次入選文化廳媒體藝術祭藝術部門審查委員會推薦作品。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜蔡耀徴、Ninagawa Mika
圖片提供｜Yoichi Ochiai}