未實現的建築設計圖、產品說明書都成靈感！陳建榮個展《方方》展演顏料與畫布構築的人工景觀

日常生活中常見的建築設計圖、平面施工圖、產品說明書、街頭看板與文宣⋯⋯等，都是藝術家陳建榮創作的靈感來源，他利用繽紛的幾何色塊堆疊、模糊的色彩邊界，以及看似不合常理的景觀與結構拼接，去釋放尺規丈量的嚴謹線條，突破版型框架的束縛，形構蒙太奇般的平面繪畫作品。即日起至2022年12月24日，台北双方藝廊推出陳建榮個展《方方》，現場集結藝術家共20餘件平面繪畫作品，展演以顏料和畫布所構築的「人工」景觀。

產品說明書、未能實現的建築設計圖都成畫作靈感

百分之百的原創常被視為創作的真諦，但在藝術家陳建榮的作品當中，不乏採集既有素材並將部分元素挪用至畫中的線索，例如無法按圖施工的設計圖、畫冊上的攝影、設計師海報、Instagram截圖⋯⋯等已經歷過他人「創造」的物件，都是他畫中的潛在元素；不過，經由陳建榮自身的色彩、線條、結構演繹下，那些非藝術家本人原創的痕跡，比如設計圖上的筆跡、廣告看板中的版型，都將經歷建置、拆解、繪製、塗銷等行為，與顏料一同蛻變為一幅嶄新的繪畫，畫中蘊含陳建榮的採集行為與創作揮灑，形成原創與再創之間的微妙狀態。

「似是而非」的繪畫風格

這樣的微妙狀態，恰巧與陳建榮「似是而非」的繪畫風格形成有趣的對應，他的畫面經常透過建築空間和線條的經營凸顯其結構性，又以色彩的配置、塗抹、滴流等繪畫性的筆觸表達出抽象的美感，對其結構性再次進行消解與解構，整體呈現一種亂中有序、序中又有亂的畫面。

畫中每個看似不確定的筆觸與線條，其實疊加在設計圖、說明書等精準且講求按部就班的框架上，而部分作品中如淡薄晨曦的淺黃、草莓冰淇淋般的恬淡粉色、清涼的薄荷綠等色彩運用，則打破了陳建榮時常採集的建築結構元素的工整與制式，多種元素層層疊加，形成非常有趣的意象對比，而屬於藝術家本人獨有的二維世界，也在小小的畫布上被建構，畫中所呈現的那個「地方」好似存在於幻象與現實之間。

何謂「方方」？

《方方》是陳建榮在双方藝廊舉辦的第一場個展，展名一如諧音推想，帶有呼應其創作風格以及展場形式的多層意涵，對此他在訪談中剖析：「《方方》可以說是一種視覺樣貌的呈現，垂直、水平，建榮的東西都挺方的；或是空間向度，方方面面、方方正正，但又不是那麼具體；或是觀眾會想到双方的空間樣態（格局方正），甚至是我這次展出的空間，就類似兩個上下疊合的矩形。」雖然《方方》聽起來有明確的邊界，但或許可以進一步聯想為邊界帶點「光暈」的意象，以此為切角看本次展出的《Landscape》及《Aircraft》系列繪畫，也許會更有想像空間。

交織具體與虛幻的人造景觀

《Landscape》及《Aircraft》是陳建榮近年持續發展的繪畫系列，其中除了部分作品植基於具體的城市場景與人造物，其餘很多是創作時「憑空杜撰」出的結構體，或者幾件形似房舍的雕塑，又或真的取自某些藝術家作品的形體。初次觀看，總會想從畫中找到具體的城市圖像，比如美術館、工地旁所停放的起重機、窗戶⋯⋯等熟悉的物件，但與其將這些建築性空間視作繪畫的「母體」，倒不如將其視為一種繪畫「語言」，如同畫中刻度模糊的尺規、反覆使用的遮蓋膠帶等痕跡一般，僅是一種表現形式。

陳建榮談《Landscape》系列

與双方藝廊對談的過程中，陳建榮特別提出兩件出自《Landscape》系列的作品做講解，想更了解藝術家的創作概念，不妨從此切入，「提到Landscape，大家普遍會想到風景、景觀，但相較於自然景觀，我的作品顯然是針對人文環境的所看所感，並在整理後轉化而成的繪畫樣貌。」

⭔ 後現代空間遇上文藝復興時期色彩

陳建榮接著以〈Landscape 161〉為例，這幅畫描繪了一處他從沒去過、卻對其充滿憧憬的空間——位於德國的BMW Lab；在他眼中，這是個揉合現代主義與後現代風格的場域，裡頭工業管線外露、僅由一些建築結構，且充斥著平面電視、人群聚集的樣貌，非常具有當代氣息。

創作時，陳建榮在色彩上做了很有意思的轉化，當時他無意見看見文藝復興時期義大利畫家喬托（Giotto）的宗教繪畫，畫中所使用如石灰石的灰、青金石的鈷藍色，雖然出現在幾世紀前的畫作當中，卻意外地與當代氣息十分吻合。因此，陳建榮在以當代商業空間（BCW Lab）為基底的畫作當中，挪用、融入了數百年前古典宗教繪畫的色彩，他形容這是一種「巧妙的時空疊合」，即便觀者沒有聽過說明，也不會感到違和。

⭔ 著迷於乘載創作過程的「定格」

另一方面，〈Landscape 163〉一作汲取了傳奇建築師Eileen Gray的作品元素，畫作中依稀可見由她所設計、位在南法的E-1027別墅輪廓，體現了陳建榮喜愛擷取、採集的創作手法，「我對一些二手、三手的東西很感興趣，雖然它可能不是最原初的、最早的創意發想，但經過各種（經手者的）改寫，這些改寫可能來自擁有不同偏好、身在不同地域的創作者。」

改寫的痕跡當中，蘊藏了人們為何要創作、又為何要這麼創作的線索，記載了打動創作者的時空條件與環境中的蛛絲馬跡，包含時間、光線⋯⋯等，「後人看到的只是『定格』的一瞬間（也就是照片），但這個定格乘載了創作過程中的所有集結。我一直對這個東西很感興趣，所以在作品中不乏這樣的呈現。」

每個走進《方方》展間的觀者，都將聚焦在陳建榮所打造的一個又一個視窗，「很多人看我的作品很難忽視『邊框』，其實邊框本身就是一種明示，繪畫就是一種虛擬的東西，說明所有的事情就只發生在這二度空間的平面上。每個人所看到的縱深或色彩意義，可能都是自己的腦補或是當下內心的投射。」但是終究，每看完一件作品，腦補與投射的互動過程結束，就得跨步邁向另一件作品，進入一個新的視窗，甚至是一個嶄新的空間。

方方－陳建榮 個展

展覽日期｜2022年11月12日～12月24日

展覽地點｜双方藝廊（台北市中山區北安路770巷28號）

開放時間｜週二至週六 11:00～18:00

資料、圖片｜双方藝廊

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23