一張切・格瓦拉叼著雪茄、眼神望向鏡頭他處的照片，在這位革命領袖逝世後躍上各大媒體，成為全球現象級標誌，也讓攝影師勒內．布里（René Burri）的作品進入世界視野，為其見證20世紀動盪歷史的攝影旅程再添傳奇色彩，而他也從紀錄傳奇的幕後角色，逐步成為攝影領域的傳奇之一。

關於他的生命故事、創作生涯與攝影美學，都被濃縮在北美館《勒內．布里：視覺爆炸》展覽當中，展場由12個「焦點」展區串連成線，並結合「雙軸線」的策展手法，展陳500餘件作品與文件檔案，包含古董照片、底片印樣、影片、手工書、筆記、書信、拼貼、水彩等，多為原作與真跡。親臨現場，觀者不僅能親賞勒內．布里的攝影作品，亦可從他生活中信手拈來的多元創作中一睹其藝術風采。

台灣、瑞士跨國策展

《勒內．布里：視覺爆炸》由北美館攜手與勒內．布里關係緊密的洛桑愛麗舍攝影博物館（Photo Elysée）製作，並由兩位專業不同的藝術工作者擔綱策展，其中馬克．多納迪尤（Marc Donnadieu）本身就是經驗豐富的策展人，另一位梅蘭妮．貝特里西（Mélanie Bétrisey）則為專業研究者，策展前費時五年閱讀、梳理藝術家的檔案，並從中找出有趣的軸線與焦點成為展覽的內容組成。

當代最具影響力的攝影師之一——勒內．布里

 ⭔ 以鏡頭捕捉二戰後歷史與社會紀實 

作為攝影記者踏遍歐洲、中東、美洲、日本與中國的勒內．布里，在60年的職業生涯中皆處於全球歷史前線，以冷靜目光捕捉20世紀後半葉的重要國際事件場景，舉凡1956年第二次以阿戰爭、1985年中國共產黨長征五十週年紀念、1989年天安門廣場示威與柏林圍牆倒塌等，都是藝術家曾親眼見證的歷史節點；他也關注大時代下的人事物變遷，比如1955年報導蘇黎世聾啞兒童特殊學校、1962年研究出版的《德國人》（Die Deutschen）紀錄德國二戰後人民建構新身份的過程，流露著濃厚的人文關懷。

 ⭔ 寫實之外的高度藝術性 

除了紀錄歷史以外，勒內．布里也在科技飛速發展的時代中反思攝影的存在，紀錄之餘，也為自己拍下的照片揉入濃厚的藝術性，當中可見電影、繪畫、平面設計對其創作的深刻影響，他透過不停地自我思辨、著手實踐，逐步從一名以再現現場為首要任務的攝影師，蛻變為富原創性的攝影藝術家；許多傳奇人物如藝術家畢卡索、建築師柯比意、導演黑澤明，都曾是他鏡頭下的主角。

《勒內．布里：視覺爆炸》3個策展亮點

勒內．布里本身的影響力與美學魅力固然是本展的一大吸引力，但在策展上也有許多亮點讓人捨不得錯過。

 ⭔ 北美館寬敞展間賦予策展更多想像空間 

首先，《勒內．布里：視覺爆炸》是藝術家於2014年辭世後的亞洲首次回顧展，過去回顧展也曾於瑞士洛桑展出，但這回北美館的場地比當時大上一倍，為策展團隊帶來更多發揮空間，且勒內．布里的攝影生涯橫跨60年，留下的作品、文件與檔案極多，策展人梅蘭妮．貝特里打趣地說，策展過程的幸是檔案海量、不怕展覽內容不夠豐富，但不幸也在於此，因為要割捨的精彩作品非常多，不過北美館這回展出的內容絕對紮實。

 ⭔ 12個「焦點」X 生命與創作並行的「雙軸線」敘事 

再來，全展共分為12個從藝術家生平淬煉出的「焦點」，如電影、切・格瓦拉、馬格蘭攝影通訊社、電視、拼貼等，並以這些關鍵字為展區命名。

每個展區所涵融的「雙軸線」敘事也很有意思，其中「生命軸線」以線性展示，展品皆以白色相框包覆，搭配上重要年份的標注，引領觀者深入認識藝術家；另一條「焦點軸線」則與前者相輔相成，聚焦於以上提到的12個關鍵字，展場背景以類似壁紙的圖像襯底，上頭散落黑色相框展品，表達策展人對藝術家的洞察。

 ⭔ 邀請觀眾走入藝術家的檔案裡 

更有趣的是，兩位策展人刻意不在展品旁掛上標註圖說、年份的標示，希望讓觀者化身剛收到檔案的研究員，在手邊沒有太多線索的情境下觀察、思考，投注時間梳理想法，彷彿「走進」藝術家留下的檔案當中；不過，展覽入口處擺有展覽手冊，裡頭會有詳細的焦點介紹、展品圖說，協助觀者了解展覽內容，記得一定要索取！

再仔細看標示展區名稱的圖樣，會發現它像一張大大的便利貼，原來這呼應著勒內．布里生前整理作品時良好的分類習慣，這是策展人在研究檔案時的發現，也希望藉這小巧思介紹給觀眾。

6大展間、12個焦點展區亮點整理

 ⭔ 電影｜最初的熱情所在 

開頭的「電影」展區標示了勒內．布里的生命起點以及少時的熱情所在，展覽的第一項展品就是他的出生證明，上頭還黏著一絲嬰兒頭髮；與之相對的則是藝術家與電影之間的淵源，因少時著迷於尙・雷諾瓦的戰後義大利電影、卓别林默片等，一顆以電影為志向的種子埋在心中，但一次參訪蘇黎世工藝美術學院（Kunstgewerbeschule Zürich）的經驗，讓他決心入學修習攝影，展區中作為背景圖的這座攝影棚，就是勒內．布里投入專業攝影的濫觴。

 ⭔ 結構｜3大攝影美學特色 

不過，電影並未從他的生命中消失，擁有電影既視感的的表現手法仍常見於其創作當中，步入下一個展區「結構」了解更多。這裡展現了策展人作為觀察者所梳理出藝術家的3大攝影特色，即使勒內．布里一生都不願被貼上標籤，但從其作品中仍能看出連貫的風格，他像是對這些手法著迷般地一用再用，分別是雙平面、鮮明的光影對比、如電影鏡頭語言般清晰與模糊的前後景戲法。

策展人梅蘭妮．貝特里導覽時分享了很有趣的小故事，其實「雙平面」類別中的其中一張照片，並非在按下快門時就生成，而是勒內．布里在暗房裡用兩張負片做出來的，這對不愛後製的他來說非常罕見，也讓這張照片尤其特別，這邊先不爆雷，看展時不妨仔細看看到底是哪一張！據說勒內．布里在為出版物選擇封面時，曾拿這張照片詢問好友布列松（Henri Cartier-Bresson）是否適合，就連這位攝影大師也沒發現這張照片被動了「手腳」。

 ⭔ 我與他者｜攝影師變身 

勒內．布里喜歡作為拍攝者，也樂於當被攝者，時常化身各種角色、特意擺拍後留下自拍，也在走訪世界各地的過程中，將相機交給剛拍攝的對象，邀請對方為自己拍照，有時甚至會將拍立得留下作為「紀念品」，像是種另類的交流與道謝方式。在名為「我與他者」的焦點展區中，得以窺見勒內．布里在這些作品中留下的身影。

 ⭔ 切・格瓦拉｜揭秘拍下傳奇照片的幕後歷程 

本區出乎意料地並未以最直白的手法展出《抽雪茄的切格瓦拉》（Che with Cigar），反倒聚焦於這張經典照片背後的故事，帶觀者穿越時空看勒內．布里拍下這張照片時經歷了些什麼？當時讓他得以飛到古巴哈瓦那拍攝的護照、數十張底片印樣都在現場。

 ⭔ 電視｜從紀錄轉為創作的生涯轉捩點 

接著我們將進入下一焦點——「電視」，看藝術家攝影生涯中的轉捩點。為何以「電視」為展區命名？1959年，勒內．布里被派往雅典拍攝東正教總主教馬卡里奧斯三世，當他已筋疲力盡、卻還忙著為剛拍下的照片下標題時，電視已經在播放相關畫面，這件事轉動他重新思考「攝影」意義的開關，並意識到攝影師不能只是單純記錄眼前的畫面，而要捕捉現場「特定時刻」且別具意義的狀態，進而成為一名「作者」，而不只是單純的紀錄者，這間接影響了他日後在攝影作品融入繪畫、拼貼、排版設計等元素進行再創的創作手法。

 ⭔ 馬格蘭攝影通訊社｜以攝影紀錄社會真實 

與「電視」位在同一展間的「馬格蘭攝影通訊社」焦點展區，則講述了藝術家生涯早期的另一個轉折點。1955年，勒內．布里在《科學與生活》發表了一系列紀錄蘇黎世聾啞兒童學校的照片，他帶著這些照片前往巴黎，拜訪由一群知名新聞攝影師創立的馬格蘭攝影通訊社（Magnum Photos），台灣觀眾熟悉的布列松以及曾參與報導西班牙內戰、二戰歐洲戰場等關鍵戰役的羅伯特．卡帕（Robert Capa）皆為成員，最初成立是為了忠實呈現二戰後社會的影像紀實；同年，勒內．布里加入，並在4年後成為正式會員，後續發表的攝影作品也體現了濃厚的馬格蘭精神。

 ⭔ 中國｜令勒內．布里著迷的國度 

職業生涯中，勒內．布里足跡遍及歐、美、亞洲多個國家，策展團隊在規劃時十分苦惱要以哪個國家做呈現，最後選了「中國」作為其中一個焦點。這個決定並非源於中國與台灣之間的複雜關係，而是藝術家本人對中國的著迷，勒內．布里曾多次訪問中國，除了兩次報導重要歷史事件，還有2000年初一趟較私人的攝影行程。

展區以勒內．布里典藏檔案中的中國地圖為背景，上頭還留有簽名、當時紀錄旅行途徑的筆跡，而他在各地拍下的照片也與城市對應呈現，其中木框展品為1966年蘇黎世個展的展出原作，黑色相框內則是刊於雜誌報章上的印刷品。

 ⭔ 拼貼｜「B面第一首」 

路徑經過「書籍」、「一個世界」等展區後，來到接近展覽尾聲的焦點——「拼貼」，這裡呈現了以往勒內．布里大大小小展覽中少見的面向，甚至可以說是前所未見。

前文曾提及，勒內．布里體會到電視對攝影所帶來的衝擊後，嘗試在攝影創作上做出改變，其中「拼貼」是非常標誌性的一項手法，他將拍下的照片做重組、蒙太奇式的拼接，也將水彩、手邊的小紙片等多元媒材融入作品，為紀實照片賦予了新的呈現方式，當時他寄給親友的明信片也留有這些創作痕跡。若將勒內．布里的所有作品比喻為一張唱片，那社會紀實影如主打歌，這些融入拼貼手法的創作則像B面第一首。

 ⭔ 繪畫｜一生相隨的興趣 

接續其後的焦點展區——「繪畫」，刻意被擺在展覽末端，如果說電影是勒內．布里最初的熱情所在，那繪畫就是陪伴他一輩子的興趣，從小就愛在紙上塗鴉，學生時期進入美術學院學習繪畫，出社會後也常提筆繪下出版書籍的初步構想，或以繪畫記錄旅途所見所聞，畫筆存在於他的工作與日常生活之中。

不只是攝影展

勒內．布里一生所愛所學，幾乎都在創作中留下蹤跡——少時對電影的熱忱從未退卻，只是換了形式體現於攝影的構圖之中；在美術學院習得的平面設計技能，幻化為出版物中的巧思；繪畫更是從兒時到終老都在做的事。而這一切都藏於他親手悉心整理的檔案裡，而置身北美館的我們，正身在其中。

勒內．布里：視覺爆炸

展期｜2023年3月18日－2023年6月18日

地點｜臺北市立美術館 3A、3B展覽室

資料、圖片｜臺北市立美術館

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}