一張切・格瓦拉叼著雪茄、眼神望向鏡頭他處的照片，在這位革命領袖逝世後躍上各大媒體，成為全球現象級標誌，也讓攝影師勒內．布里（René Burri）的作品進入世界視野，為其見證20世紀動盪歷史的攝影旅程再添傳奇色彩，而他也從紀錄傳奇的幕後角色，逐步成為攝影領域的傳奇之一。

關於他的生命故事、創作生涯與攝影美學，都被濃縮在北美館《勒內．布里：視覺爆炸》展覽當中，展場由12個「焦點」展區串連成線，並結合「雙軸線」的策展手法，展陳500餘件作品與文件檔案，包含古董照片、底片印樣、影片、手工書、筆記、書信、拼貼、水彩等，多為原作與真跡。親臨現場，觀者不僅能親賞勒內．布里的攝影作品，亦可從他生活中信手拈來的多元創作中一睹其藝術風采。

台灣、瑞士跨國策展

《勒內．布里：視覺爆炸》由北美館攜手與勒內．布里關係緊密的洛桑愛麗舍攝影博物館（Photo Elysée）製作，並由兩位專業不同的藝術工作者擔綱策展，其中馬克．多納迪尤（Marc Donnadieu）本身就是經驗豐富的策展人，另一位梅蘭妮．貝特里西（Mélanie Bétrisey）則為專業研究者，策展前費時五年閱讀、梳理藝術家的檔案，並從中找出有趣的軸線與焦點成為展覽的內容組成。

當代最具影響力的攝影師之一——勒內．布里

 ⭔ 以鏡頭捕捉二戰後歷史與社會紀實 

作為攝影記者踏遍歐洲、中東、美洲、日本與中國的勒內．布里，在60年的職業生涯中皆處於全球歷史前線，以冷靜目光捕捉20世紀後半葉的重要國際事件場景，舉凡1956年第二次以阿戰爭、1985年中國共產黨長征五十週年紀念、1989年天安門廣場示威與柏林圍牆倒塌等，都是藝術家曾親眼見證的歷史節點；他也關注大時代下的人事物變遷，比如1955年報導蘇黎世聾啞兒童特殊學校、1962年研究出版的《德國人》（Die Deutschen）紀錄德國二戰後人民建構新身份的過程，流露著濃厚的人文關懷。

 ⭔ 寫實之外的高度藝術性 

除了紀錄歷史以外，勒內．布里也在科技飛速發展的時代中反思攝影的存在，紀錄之餘，也為自己拍下的照片揉入濃厚的藝術性，當中可見電影、繪畫、平面設計對其創作的深刻影響，他透過不停地自我思辨、著手實踐，逐步從一名以再現現場為首要任務的攝影師，蛻變為富原創性的攝影藝術家；許多傳奇人物如藝術家畢卡索、建築師柯比意、導演黑澤明，都曾是他鏡頭下的主角。

《勒內．布里：視覺爆炸》3個策展亮點

勒內．布里本身的影響力與美學魅力固然是本展的一大吸引力，但在策展上也有許多亮點讓人捨不得錯過。

 ⭔ 北美館寬敞展間賦予策展更多想像空間 

首先，《勒內．布里：視覺爆炸》是藝術家於2014年辭世後的亞洲首次回顧展，過去回顧展也曾於瑞士洛桑展出，但這回北美館的場地比當時大上一倍，為策展團隊帶來更多發揮空間，且勒內．布里的攝影生涯橫跨60年，留下的作品、文件與檔案極多，策展人梅蘭妮．貝特里打趣地說，策展過程的幸是檔案海量、不怕展覽內容不夠豐富，但不幸也在於此，因為要割捨的精彩作品非常多，不過北美館這回展出的內容絕對紮實。

 ⭔ 12個「焦點」X 生命與創作並行的「雙軸線」敘事 

再來，全展共分為12個從藝術家生平淬煉出的「焦點」，如電影、切・格瓦拉、馬格蘭攝影通訊社、電視、拼貼等，並以這些關鍵字為展區命名。

每個展區所涵融的「雙軸線」敘事也很有意思，其中「生命軸線」以線性展示，展品皆以白色相框包覆，搭配上重要年份的標注，引領觀者深入認識藝術家；另一條「焦點軸線」則與前者相輔相成，聚焦於以上提到的12個關鍵字，展場背景以類似壁紙的圖像襯底，上頭散落黑色相框展品，表達策展人對藝術家的洞察。

 ⭔ 邀請觀眾走入藝術家的檔案裡 

更有趣的是，兩位策展人刻意不在展品旁掛上標註圖說、年份的標示，希望讓觀者化身剛收到檔案的研究員，在手邊沒有太多線索的情境下觀察、思考，投注時間梳理想法，彷彿「走進」藝術家留下的檔案當中；不過，展覽入口處擺有展覽手冊，裡頭會有詳細的焦點介紹、展品圖說，協助觀者了解展覽內容，記得一定要索取！

再仔細看標示展區名稱的圖樣，會發現它像一張大大的便利貼，原來這呼應著勒內．布里生前整理作品時良好的分類習慣，這是策展人在研究檔案時的發現，也希望藉這小巧思介紹給觀眾。

6大展間、12個焦點展區亮點整理

 ⭔ 電影｜最初的熱情所在 

開頭的「電影」展區標示了勒內．布里的生命起點以及少時的熱情所在，展覽的第一項展品就是他的出生證明，上頭還黏著一絲嬰兒頭髮；與之相對的則是藝術家與電影之間的淵源，因少時著迷於尙・雷諾瓦的戰後義大利電影、卓别林默片等，一顆以電影為志向的種子埋在心中，但一次參訪蘇黎世工藝美術學院（Kunstgewerbeschule Zürich）的經驗，讓他決心入學修習攝影，展區中作為背景圖的這座攝影棚，就是勒內．布里投入專業攝影的濫觴。

 ⭔ 結構｜3大攝影美學特色 

不過，電影並未從他的生命中消失，擁有電影既視感的的表現手法仍常見於其創作當中，步入下一個展區「結構」了解更多。這裡展現了策展人作為觀察者所梳理出藝術家的3大攝影特色，即使勒內．布里一生都不願被貼上標籤，但從其作品中仍能看出連貫的風格，他像是對這些手法著迷般地一用再用，分別是雙平面、鮮明的光影對比、如電影鏡頭語言般清晰與模糊的前後景戲法。

策展人梅蘭妮．貝特里導覽時分享了很有趣的小故事，其實「雙平面」類別中的其中一張照片，並非在按下快門時就生成，而是勒內．布里在暗房裡用兩張負片做出來的，這對不愛後製的他來說非常罕見，也讓這張照片尤其特別，這邊先不爆雷，看展時不妨仔細看看到底是哪一張！據說勒內．布里在為出版物選擇封面時，曾拿這張照片詢問好友布列松（Henri Cartier-Bresson）是否適合，就連這位攝影大師也沒發現這張照片被動了「手腳」。

 ⭔ 我與他者｜攝影師變身 

勒內．布里喜歡作為拍攝者，也樂於當被攝者，時常化身各種角色、特意擺拍後留下自拍，也在走訪世界各地的過程中，將相機交給剛拍攝的對象，邀請對方為自己拍照，有時甚至會將拍立得留下作為「紀念品」，像是種另類的交流與道謝方式。在名為「我與他者」的焦點展區中，得以窺見勒內．布里在這些作品中留下的身影。

 ⭔ 切・格瓦拉｜揭秘拍下傳奇照片的幕後歷程 

本區出乎意料地並未以最直白的手法展出《抽雪茄的切格瓦拉》（Che with Cigar），反倒聚焦於這張經典照片背後的故事，帶觀者穿越時空看勒內．布里拍下這張照片時經歷了些什麼？當時讓他得以飛到古巴哈瓦那拍攝的護照、數十張底片印樣都在現場。

 ⭔ 電視｜從紀錄轉為創作的生涯轉捩點 

接著我們將進入下一焦點——「電視」，看藝術家攝影生涯中的轉捩點。為何以「電視」為展區命名？1959年，勒內．布里被派往雅典拍攝東正教總主教馬卡里奧斯三世，當他已筋疲力盡、卻還忙著為剛拍下的照片下標題時，電視已經在播放相關畫面，這件事轉動他重新思考「攝影」意義的開關，並意識到攝影師不能只是單純記錄眼前的畫面，而要捕捉現場「特定時刻」且別具意義的狀態，進而成為一名「作者」，而不只是單純的紀錄者，這間接影響了他日後在攝影作品融入繪畫、拼貼、排版設計等元素進行再創的創作手法。

 ⭔ 馬格蘭攝影通訊社｜以攝影紀錄社會真實 

與「電視」位在同一展間的「馬格蘭攝影通訊社」焦點展區，則講述了藝術家生涯早期的另一個轉折點。1955年，勒內．布里在《科學與生活》發表了一系列紀錄蘇黎世聾啞兒童學校的照片，他帶著這些照片前往巴黎，拜訪由一群知名新聞攝影師創立的馬格蘭攝影通訊社（Magnum Photos），台灣觀眾熟悉的布列松以及曾參與報導西班牙內戰、二戰歐洲戰場等關鍵戰役的羅伯特．卡帕（Robert Capa）皆為成員，最初成立是為了忠實呈現二戰後社會的影像紀實；同年，勒內．布里加入，並在4年後成為正式會員，後續發表的攝影作品也體現了濃厚的馬格蘭精神。

 ⭔ 中國｜令勒內．布里著迷的國度 

職業生涯中，勒內．布里足跡遍及歐、美、亞洲多個國家，策展團隊在規劃時十分苦惱要以哪個國家做呈現，最後選了「中國」作為其中一個焦點。這個決定並非源於中國與台灣之間的複雜關係，而是藝術家本人對中國的著迷，勒內．布里曾多次訪問中國，除了兩次報導重要歷史事件，還有2000年初一趟較私人的攝影行程。

展區以勒內．布里典藏檔案中的中國地圖為背景，上頭還留有簽名、當時紀錄旅行途徑的筆跡，而他在各地拍下的照片也與城市對應呈現，其中木框展品為1966年蘇黎世個展的展出原作，黑色相框內則是刊於雜誌報章上的印刷品。

 ⭔ 拼貼｜「B面第一首」 

路徑經過「書籍」、「一個世界」等展區後，來到接近展覽尾聲的焦點——「拼貼」，這裡呈現了以往勒內．布里大大小小展覽中少見的面向，甚至可以說是前所未見。

前文曾提及，勒內．布里體會到電視對攝影所帶來的衝擊後，嘗試在攝影創作上做出改變，其中「拼貼」是非常標誌性的一項手法，他將拍下的照片做重組、蒙太奇式的拼接，也將水彩、手邊的小紙片等多元媒材融入作品，為紀實照片賦予了新的呈現方式，當時他寄給親友的明信片也留有這些創作痕跡。若將勒內．布里的所有作品比喻為一張唱片，那社會紀實影如主打歌，這些融入拼貼手法的創作則像B面第一首。

 ⭔ 繪畫｜一生相隨的興趣 

接續其後的焦點展區——「繪畫」，刻意被擺在展覽末端，如果說電影是勒內．布里最初的熱情所在，那繪畫就是陪伴他一輩子的興趣，從小就愛在紙上塗鴉，學生時期進入美術學院學習繪畫，出社會後也常提筆繪下出版書籍的初步構想，或以繪畫記錄旅途所見所聞，畫筆存在於他的工作與日常生活之中。

不只是攝影展

勒內．布里一生所愛所學，幾乎都在創作中留下蹤跡——少時對電影的熱忱從未退卻，只是換了形式體現於攝影的構圖之中；在美術學院習得的平面設計技能，幻化為出版物中的巧思；繪畫更是從兒時到終老都在做的事。而這一切都藏於他親手悉心整理的檔案裡，而置身北美館的我們，正身在其中。

勒內．布里：視覺爆炸

展期｜2023年3月18日－2023年6月18日

地點｜臺北市立美術館 3A、3B展覽室

資料、圖片｜臺北市立美術館

觀看似乎是大多數人天生就會的事，但在資訊洪流之中，我們真的準備好「觀看」了嗎？巴黎龐畢度中心即將閉館5年整修，在暫別的時刻，以攝影與廣泛的創作光譜聞名的德國藝術家Wolfgang Tillmans，用大型個展《我們對此毫無準備——我們對此萬般准備》（Nothing could have prepared us - Everything could have prepared us）占領圖書館這個非典型展覽空間。

走進龐畢度中心2樓公共資訊圖書館（Bibliothèque publique d'information，Bpi）6,000平方公尺的空間，感覺像踏進入Wolfgang Tillmans近40年創作的檔案庫，但策展人暨龐畢度中心攝影部門總監Florian Ebner強調，這並不是一檔典型的「回顧展」。矛盾而曖昧的展題，似乎帶有些思辨性的懷疑色彩。他說明，這出自於醞釀多年的構想，尤其，我們正生活在一個資訊更加氾濫、往往讓我們缺乏清晰判斷的世界裡。「對比他在紐約MoMA的回顧展《To Look Without Fear》（2022），你會感受到不同的語調。也許在今天，我們已經不再處於一個可以『無所畏懼地觀看』的時刻了。」

對話圖書館空間的藝術實驗

整修前最後一展，龐畢度團隊早已決定要打開Bpi這非典型展演空間，便邀請了Wolfgang Tillmans。嘗試各色實體影像介入空間的可能性，一直是他的核心實踐。起初，他們聚焦在這寬敞空間的開放性；漸漸地，他們發掘出圖書館本身的歷史與特質。Wolfgang Tillmans十分欣賞這座Renzo Piano和Richard Rogers在生涯早期共創的建築作品。那種激進的姿態背後，是不畏解構、不怕暴露管線結構的大膽，更是著眼空間通透性帶來的解放自由精神。Florian Ebner解釋，「龐畢度中心的管線外露和開放式結構，體現了1970年代的控制論理念。放在今天來看，設計上恰好呼應了網路世界的特徵。」那時，彷彿就已經預示了一個萬物互聯、資訊透明流動的未來世界。

「Wolfgang經常與空間的不完美之處對話。」Florian Ebner觀察到。在傳統白盒子中，他或許會用影像覆蓋住緊急出口，或製造與管線的巧妙互動。而到了這次在Bpi空間，在部分沉重軟裝移除後，較新的灰綠色地毯與露出的舊有紫地毯交錯，本是一般展示空間中不該出現的雜音，他卻刻意保留下來，既呈現建築的歷史積澱，也與他個人的創作軌跡、作品系譜形成微妙的相互映襯。

他也改造了原有的書架與桌子，運用鏡子、雷射投影來牽引參觀者的視線軌跡。尤其在這閉館翻新前的特殊時機，他更能自由深入空間肌理，試驗全新的展示方式。他著名的無相機攝影與不同的時期影像作品、音樂創作、政治實踐織就在一起，延續他個展時慣常的非線性展示邏輯。Florian Ebner說明，「雖然沒有按時間排序，但這些作品系列幫助觀眾串聯起整個展覽的脈絡。」

圖書館化身活的檔案館

圖書館裡一些特殊的軟體設施，也成為Wolfgang Tillmans的創作靈感來源，例如「自學區」（Autoformation）被放在金屬格子間的電腦。近年來，來自海外的學生與新移民經常使用這些設備學習法語，或收看故鄉的衛星電視節目。Wolfgang Tillmans決定保留這獨特的區域，在其中44個螢幕上播放他與另外2名攝影師，在一天內記錄下80位圖書館使用者學習與工作中的日常片段。Florian Ebner解釋：「這些影像提醒我們，年輕群體曾為這個空間帶來的生機與活力。」在另外24台「隨選視訊」（Video on Demand）電腦上，參觀者真的就像檢索書目一樣，可以自由瀏覽Wolfgang Tillmans自1980年代後期開始的錄像作品。「從這個角度來看，圖書館儼然成為一座鮮活的檔案館。」

音樂也交織在展場各處。Wolfgang Tillmans曾夢想當音樂人，混跡地下音樂俱樂部與派對，1990年代初他以攝影師出道時，正是以拍攝倫敦和柏林的銳舞音樂場景而嶄露頭角。後來，他也曾將展覽空間變身為聆聽室，更發行過雜揉電子techno等各色風格的EP與專輯。在展覽南端、能俯瞰史特拉汶斯基噴泉（La Fontaine Stravinsky）的一側，策展團隊打造了一個大型沉浸式空間。訪客可以在揚聲器陣列下或躺或坐，觀賞大型LED螢幕上播放的錄像〈Time Flows All Over（Pompidou）〉，其中，Wolfgang Tillmans反覆吟唱著「We mean what we say, language is what it is」；其他影片亦記錄著書籍印刷等過程，語言與印刷，正是圖書館的核心使命。「這個空間既是放鬆的場所，也是美學體驗的所在。」一個較小的房間播放他的聲音裝置〈I Want to Make a Film〉；而在主圖書館區域，他所創作的環境音樂和實驗性音樂成為背景聲響，為這巨大空間構築出豐富層次。

觀看從來都不容易

展中也匯聚Wolfgang Tillmans豐富的政治實踐，從HIV教育素材、反脫歐海報到倡議T-shirt，織就了一場社會參與的視覺宣言。對他而言，創作與政治行動之間並無明確界線。自1990年代以來，他走過了HIV病毒席捲歐洲、同志族群遭受歧視的年代，目睹世界局勢的跌宕起伏，他個人的見證，也是時代的印記。

如今回望，許多結果未必符合他當初的政治訴求，但Florian Ebner強調，只以立即見效的成功來衡量他行動的意義並不合適。「他的海報倡議雖無法阻止脫歐，但其中部分已成為政治辯論中的重要符號。比如那幅寫著『What is lost is lost forever』的海報，後來在法國選舉期間被某個運動引用為『Ce qui est perdu, est perdu à jamais』。這些作品產生了深遠影響，而這才是評估其價值的正確角度。」改造過的書架上也展示著他關於邊界與公民抵抗的主題作品（像是極右政黨崛起的德勒斯登地區、戰火中的烏克蘭哈爾科夫），還有他拍攝醫學世界的《operation theatre》系列。醫學是圖書館的經典學科分類，也是一個身體、健康與權力交錯的高度政治化的領域。Florian Ebner補充道：「在當前的時代背景下，這樣的展覽必然帶有政治意涵，特別是面對美國政府關閉與審查眾多機構、美術館及研究場所的現實。」

Wolfgang Tillmans的《Truth study centre》系列，自2005年以來持續探索人們如何看待「真相」——這無疑也是各種意識形態的表現。如今這「後真相時代」，AI演算法和深偽技術大行其道，似乎讓真相更加難以辨識，變得曖昧不明。Florian Ebner認為這場展覽的時機恰到好處，Wolfgang Tillmans這次「占領」圖書館的姿態，也令我們重新思考實體知識空間的存在意義。「Wolfgang與空間互動的手法創造了一種詩意、個人化且獨一無二的對話模式，」Florian Ebner表示，「這與AI慣於生成的回音式、制式化知識形成鮮明對比。」有些作品直接回應了這個課題，比如專為2020年代設置的展桌，探討的正是圖書館實體空間與AI那種潛在、虛無的數位空間之間的張力關係。他進一步補充：「從這個角度來看，圖書館成了AI的一種對立典範，而Wolfgang深刻且巧妙地演繹了這種對比關係。」

或許，這次展覽和Wolfgang Tillmans的創作，也是種對數位、虛擬世界諷刺性的質疑。Florian Ebner認為，他自1990年代後期革命性地改變了攝影，特別是他的實體展陳方式。「他拋棄線性的排列，而是像編輯雜誌版面一樣在牆上配置作品，在某種意義上解放了攝影，讓攝影作為實體物件的特質得以彰顯。」而過去20年中，人的感知逐漸成為他創作的核心：相機這光學儀器看到了什麼？我們人類又看到了什麼？攝影如何打破自身再現方式的理所當然？「在他的許多作品中，擁抱我所謂的『創造性的意外』，意即善用創作過程中意想不到的錯誤。這正是他的作品在當代如此珍貴的原因之一。」Wolfgang Tillmans的作品展現了攝影的雙重面向：既是見證世界的方式，也能是深刻的美學體驗。這正是他作品的力道所在。

Florian Ebner

2017年起擔任龐畢度中心國立現代藝術美術館攝影部門總監。1970年出生於德國雷根斯堡。曾任柏林畫廊攝影收藏代理主管（2008～2009）、布倫瑞克攝影博物館館長（2009～2012）與埃森福克旺博物館攝影部門總監（2012～2017）。2015年策劃威尼斯雙年展德國館。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/9月號《開一家甜點店》

2025年8月2日至11月02日，尊彩藝術中心二樓展館將化身為一座時光隧道，《陳澄波百三特展》展出逾20件陳澄波珍貴油畫作品，邀請觀者深入這位台灣前輩畫家橫跨3地的藝術人生。

這場特展不僅是對一位藝術大師的致敬，更是一次深度的文化考古之旅。從陳澄波1924年東京美術學校的求學歲月，到1929～1933年上海任教的成熟期創作，再回到故鄉台灣的深情凝視，每一幅畫布上的筆觸，都見證著那個風雲變幻時代的文化交流與碰撞。20多件作品靜靜陳列，每一筆色彩都承載著跨越時空的深情對話。

一位跨越時空的藝術旅人

踏入展覽現場，我們遇見了一位跨越3個城市的藝術旅人。陳澄波，這個名字背後的故事遠比我們想像的更加複雜動人。1895年生於台灣嘉義的他，在殖民地的時空背景下，以近乎傳奇的方式開展藝術生命。1924年考入東京美術學校（現東京藝術大學），成為第一位以油畫作品〈嘉義街外（一）〉入選帝國美術展覽會（帝展）的台灣畫家。這不僅是個人榮耀，更打開了台灣藝術家走向國際舞台的第一扇門。

從東京到上海，再回到故鄉台灣，陳澄波的創作軌跡如同一本立體的文化地圖，記錄著20世紀初東亞地區文化交流的珍貴印記。1929年至1933年間，他在上海擔任多所美術學院的教職，視野與創作日趨成熟。然而，這位充滿理想的藝術家最終在1947年的二二八事件中殞落，年僅53歲。

重新認識陳澄波的文化座標

在他130歲冥誕之際，尊彩藝術中心特別策劃這檔展覽，每一筆色彩都承載著風雲變幻時代的記憶。陳澄波渴望與人親近，他的風景繪畫中，人物始終是不可或缺的元素。即使在遼闊的風景圖畫裡，總會點綴幾個人物，讓畫面充滿溫情。這種對人的關注，正是他藝術中最動人的特質。

陳澄波一生縱貫台灣、東京和上海的現代藝術風潮，在美術史上具有舉足輕重的代表性。他的彩筆不僅描繪台灣嘉義、淡水觀音山、淡水夕照等重要人文景觀，更見證了1930年代初期台灣農漁工商產業現代化的歷史進程。畫中洋溢著對故鄉及時代的熱情與感染力，透過畫面呈現20世紀初期台灣藝術進入現代化過程的複雜樣貌，也連接起東西方美學的精神內涵。他的精彩豐富人生，反映了台灣藝術史在不同政權統治下所經歷的曲折波濤，也為當代觀者提供深刻的文化思考。

陳澄波10件重點畫作一次看

❶〈夏日湖畔〉（Summertime Lakeside，1930）

遠山疊翠，湖水如鏡。這幅陳澄波在上海任教期間的作品，捕捉了西湖地區初夏寫生的溫潤氣息。相較於傳統文人筆下人跡渺茫的自然山水，他將西湖視為現代化的休閒場域。湖面上載著遊人的小艇愜意划行，湖畔散步的身影悠然自得，展現了蘇軾詩中「淡妝濃抹總相宜」的西湖神韻，展現他對江南水鄉的詩意凝視。

❷〈台灣農家〉（1932）

朱紅廟宇倒映在平靜池水中，撐傘垂釣的身影與撒網捕魚的農人構成寧靜的生活圖景。這座池塘原是彰化孔廟建廟時挖取土方留下的低窪地，經年累月積水成池。1932年的台灣正值農漁工商產業現代化進程，陳澄波透過此作遙望故鄉的農業社會變遷，儒家文教傳統與庶民生產活動和諧並置，成為一場傳統與現代的對話。

❸〈運河〉（約1929-1933）

蘇州運河上舟船穿梭，遠方工廠煙囪直指天際。上海任教期間，陳澄波深受倪雲林、八大山人等古典大師影響，開始將東方水墨畫元素納入創作。他從制高點俯瞰1930年代中國現代化的縮影，畫面中的現代化符號，像是工廠林立、煙火綿延、舟楫交錯，展現他對現代性的嚮往。建築與船隻輪廓以深色線條勾勒，採用類似元代山水畫「一河兩岸」的構圖方式，卻又融入西方透視法的縱深。

❹〈西湖春色（二）〉（約1934）

樹間湖光粼粼，白篷小船悠遊其間，陳澄波將這幅春日西湖經營成如世外桃源般的美麗世界，是東方美學的現代詮釋。前景樹木運用倪雲林的枯枝皴法，以粗黑線條勾勒枝幹與陰影；遠山綠葉則採八大山人的「擦筆」技法，使畫面剛柔並濟。斷橋附近的景色形成圓形視覺焦點，色彩明度較高，巧妙引導觀者視線。

❺〈綠蔭〉（1934）

1906年梅山大地震重創嘉義後，總督府在清朝孔廟舊址上重建嘉義醫院。畫面後方的建築展現和洋混合特色：入口門廊的日式三角坡頂，搭配西式立面窗格，象徵日治時期建築的文化融合現象。濃密的樹冠佔據四分之一畫幅，熾熱陽光穿透葉隙，在地面投下斑駁光影，林蔭下剛步出醫院的女子撐起洋傘。

❻〈滿載而歸〉（1936）

從淡水北方山坡俯瞰而下，蜿蜒的紅土大路引導視線穿越市街，直抵河港。天色將明未明的清晨時分，住在「城仔口」以北的民眾與挑擔小販，沿著電線桿的指引朝市街移動。河岸邊整齊堆疊著來自福州、北海道的進口杉木，冒煙的輪船停泊在棧橋旁。相較於一般風景畫家避開現代設施，陳澄波卻將電線桿、輪船、工廠等「礙眼」景物誇大入畫。

❼〈長榮女中學生宿舍〉（1941）

閩南式屋脊與西洋圓拱窗的奇妙組合，讓這幅作品成為台灣文化融合的象徵。畫面中央的巴克禮牧師館，以其獨特的閩南式屋頂配搭西洋圓拱窗，屋頂上的階梯狀構造，傳說是觀察天文星象之用。在戰爭的非常時期，當許多畫友響應當局製作「聖戰美術」時，陳澄波卻選擇描繪這樣的寧靜校園，高大的鳳凰木綠蔭如蓋，成為抵禦時代風暴的精神庇護所，是戰火中冀求的寧靜詩篇。

❽〈海邊三美〉（Three Beauties by the Sea，約1932）

三位女子結伴坐在海邊岩石上，身穿中式服裝卻搭配西式髮型與領巾，腳上踏著現代皮鞋。這幅畫作呈現了1930年代東方女性的摩登面貌，也反映了當時社會風氣的開放程度。3人結伴海邊遊玩的情景，在傳統中國婦德觀念中是不被允許的，顯示時代的變遷。技法上，前景草地與花卉運用厚塗與快筆交錯的處理方式，海水與天空的處理則融入了中國水墨的暈染技法。

❾〈搭肩裸女〉（1926）

右手輕搭肩膀，左手優雅地倚靠椅背，模特兒目光凝視著右下方，神情帶著一絲內省的沉靜。從坐姿裸女到立姿裸女，展現技法難度的提升——立姿人體對於身體比例、重心平衡、肌肉結構的掌握要求更高，陳澄波在此展現愈趨純熟的觀察力與表現力。背景的淡綠色花紋布幕與椅套上的花布圖案，與模特兒溫潤的膚色形成柔和的色彩對比，營造出寧靜雅致的整體氛圍。

❿〈畫中畫〉（年代待考）

圓桌上鮮花與水果錯落擺放，右側一幅裱框小畫描繪著山海邊的裸女。這幅靜物作品呈現桌面上不同物品的組合，構成豐富的視覺層次。前景水果運用厚塗手法，從金黃到深紅的色彩層次堆疊，質感飽滿。背景的小畫則以較為簡潔的筆法帶過，圓桌邊緣的藍色裝飾為整體暖色調增添變化。在後印象派的靜物畫傳統中，藝術家經常將日常物品與小幅藝術品並置入畫，陳澄波深受梵谷影響，這幅作品展現了他學習後印象派靜物畫技法的痕跡。

《陳澄波百三特展》

展期｜2025年8月2日（六）- 11月2日（日）

地點｜尊彩藝術中心 二樓展館

地址｜台北市內湖區瑞光路366號