當許多學門因為與社會實用性脫鉤而逐漸式微之際，「策展」卻異軍突起有了專門學程，快速成為值得關注的產業。究竟策展是什麼？又有哪些眉角？以下這些活躍的策展人：飛躍文創活動展覽部總監陳姿含、飛躍文創Brand∙Content事業部部長陳慈賢、時藝多媒體展演活動部總監王華瑋、格式設計總監王耀邦、臺北市立美術館資深策展人蕭淑文及聯合數位文創活動事業群文創二部總監鍾逸民，以梳理過的實務經驗，分享關於策展，那些你想了解的事。

近年隨著華山、松菸等文創園區陸續開放，看展風氣逐漸成熟，週末假日到文創園區逛逛、參加活動已成為時下年輕人的習慣，也是許多親子家庭的活動熱點。在這個寬廣場域裡，有精選的設計商品、特色餐飲，還有頻繁替換的藝文、展覽、活動，非常適合消磨一日的悠閒時光。「策展」，也正是在這樣的生活型態下，快速成為一門顯學。

一種具時代樣貌的學習方法

不可否認，細品一個精心策劃的策展，就像是一場心靈的洗禮，經過一連串綿密布局的絲路後，當我們走出展場時，也彷彿得到了些新的體悟。而這，正是「策展」的獨特性；在於資訊被有系統地整理呈現過，並且在時代性的角度予以新的觀點。

所以觀眾能在一個有限空間裡尋著脈絡觸及到新的知識、美感與意義，蕭淑文也說，「作品是否能回應我們現在生活環境跟時代的精神面，這才是藝術有趣的地方。」於是，這些具有視覺美感、文化觀點及品味的專家們，以某個核心概念連結多樣化的作品、資料，從而創造出嶄新的觀點，並呼應當下社會的需求，使得策展不僅成為一種深具時代性的活動，更是論述當下社會文化的形式。

策展如同一門學問、方法學般地值得被關注，但對於看展的大眾而言，其實反而是輕鬆的體驗，某些龐大的議題被化為容易理解的視覺圖像、在不知不覺間吸收。一檔好的展覽如同一劑強心針，為每位看展人注入不同的文化養分，也因此，為了讓所有人都能得到所想要的心靈養分，熱鬧蓬勃的策展市場上，有了不同受眾、不同商業模式的誕生。

多樣態策展，直搗大眾的渴望

目前常見的商業策展可略分為藝術作品展、IP授權展（Intellectual Property，簡稱IP）及自製展三大類。

藝術作品展可說是台灣策展的最初樣貌，包括莫內、米勒、夏卡爾、梵谷、高更等世界知名畫家作品，不遠千里運送到台灣的大型特展，每每都掀起一陣藝術潮。「二十年前出國看展還不是那麼容易，所以能一次看到多幅世界名畫是很重要的體驗」，鍾逸民說。然而藝術展除了借展費用驚人外，策展單位需有執行專業藝術展的能力，故在人力、經費上的需求遠遠不是一般中小型策展公司所能負擔。

相較之下，因為文創園區崛起，順勢而起的IP授權與文創類型展覽就親民許多！近年來漸漸成為策展主力的IP授權展，是由策展方取得肖像IP授權後，用故事、情境、互動營造展場，達到與一般民眾溝通的目的。由於展覽的高互動性正中時下年輕人喜歡拍照打卡的習性，尤其透過觀展民眾大量的打卡宣傳，更強化「到展覽拍照」的熱潮。雖然熱賣，但IP授權展受版權方的限制多，且即使策展方設計一套有趣而獲得肯定的展覽內容，也因IP版權而無法移植，侷限了創意展延伸的可能性，也促使台灣策展公司努力朝自製展發展。此外，近年來IP授權展也在策展團隊的努力下，走向更有教育意義、更能引發觀眾省思與體察生活細微的深度展覽，而不再只是追風潮式的輕薄，更有生命意義的厚度。

“當形式逐漸被打破時，策展的核心精神就更加外顯；如何與觀眾溝通、是否精準傳遞訊息，這些就成為策展團隊恆存不變的圭臬。”

「自製展」顧名思義就是從主題、內容到執行都是由策展公司一手打造並擁有版權，例如時藝多媒體著名的「顛倒屋」展，就是發想、設計、規劃、施工全部自己完成的特色展覽。創作過程中所遇到的困難遠遠超出想像，但所引起的話題、市場熱度也相對更高。最重要的是，在台灣成功打響知名度的展覽，最有可能促成海外策展單位前來洽談移展，對於台灣策展公司而言，這才是能走得更長遠的策展。

另一類自製展是由商業品牌主動提案，透過策展來包裝銷品牌目的。由於近年幾檔自製展取得極高的聲量與話題，使得商業品牌愈來愈看懂展是一個更好的宣傳方式，因為體驗的過程絕對比廣告來得更有說服力，而且策展是幫助品牌解決問題的一種方法。就如格式設計為Samsung策展的「UP TO 3742｜臺灣屋脊上」，不僅不著痕跡地介紹了Samsung手機與VR效果，更幫助韓國品牌解決了需要跟台灣在地民眾連結的課題。

另一方面，早在藝術圈玩轉多年的跨界、混種概念，已悄悄影響了策展；蕭淑文認為策展也是一種創作，只是偏向思想上，而需要仰賴藝術家將思想視覺化，所以創作人不要給藝術家太多侷限，才能為觀眾創造不同的思想空間。在其策劃的「愛麗絲的兔子洞」展中，就讓人看到如何透過策展，將不同領域藝術家的作品創造出更有深度、精緻度的樣貌。

策展的種類因應受眾和業主會有不同的樣貌，策展、設計、藝術之間的界線也不必然壁壘分明。當形式逐漸被打破時，策展的核心精神就更加外顯；如何與觀眾溝通、是否精準傳遞訊息，這些就成為策展團隊恆存不變的圭臬。

讓策展喚醒你的愛與美

「我認為策展很浪漫，但在思考時是很理性」，王耀邦說。這或許解釋了為何策展總像是一場理想與現實的拉鋸戰，直到雙方找到甜蜜點為止。擅長操作IP展的陳姿含也說，「對策展人而言最感動也重要的是『讓觀眾有共鳴』，但除此之外，成功的商業模式、對的時間結合對的事物、提供完整的體驗，這些條件都能達到才是好展覽的樣貌。」

“未來的策展樣貌或許是推出進入門檻較低，但思考更深的當代藝術展……讓更具包容性的展覽成為社會培育下一代的文化養分。”

對於售票展而言，現實是一檔好展覽絕對要能獲利，而要做到獲利，就需要有吸引人的內容、完整的體驗、到位的宣傳和成功的商業模式；至於理想面，自是希望展覽有更深層的教育意義，能喚醒每個人心底的美。相較之下，非售票展雖然沒有獲利壓力，但需要有吸引人的內容、完整的體驗與到位的宣傳一項也不能缺，策展單位更需審慎思考如何在商業行為裡，依然創造出一些對大眾有意義的事。

「雖然台灣人的喜好比較像日本，但日本很早就在培養民眾看展的習慣，相對也促使日本的展覽品質較高，台灣在這一點上還有很大的努力空間。」即使已經策展多年，王華瑋依然在達成現實目標之餘，亦不斷思考每一檔策展要帶給民眾的課題以及對社會的意義。而王耀邦也說，「觀點需要被用各種方式去提升出更清晰的輪廓，而策展正可以去收斂，鍛造一個觀點，使其產生社會影響力。」他甚至以2017年卡塞爾文獻展（Kassel Documenta）為例，當你看到以鐵絲網一比一築出的帕德嫩神廟上掛滿時代的禁書、最終拆下來的書還可以讓現場每一個人帶走時，你會真實感受到時代的壓迫，這遠比洋洋灑灑的演講來得更有力量。

所以未來的策展樣貌或許是推出進入門檻較低，但思考更深的當代藝術展，以培養大眾的藝術品味；或許是將海量的資訊梳理地更加易懂卻不失意義；甚至是培養出能推往國際的台灣IP；或是創造更多元類型、主題的展覽，讓更具包容性的展覽成為社會培育下一代的文化養分。

如同《策展人工作指南》一書所提到「策展實踐已經被視為一種文化生產的權威形式」，因此策劃出更好的展覽，將是策展團隊始終不變的挑戰。

Text / 陳玟晴

Photo credit / 飛躍文創、時藝多媒體、格式設計、臺北市立美術館、聯合數位文創

數位分身與人類本尊有何差異？非自然的建築，可以如生命體般蠕動嗎？2025大阪世博最具話題性的展館，新媒體藝術家落合陽一策劃的「null²」絕對榜上有名，堪稱最難預約展館之一。他以「鏡子」為媒介，藉由這座會呼吸、舞動的建築詮釋其自身的「數位自然」理念，邀請觀眾駐足重新思考人類與未來科技間密不可分的關係。

「null²」的建築體由不規則的鏡面方塊堆疊而成，外牆由邊緣向中心凹陷、扭動，配合音響的震動，每一分秒都映照出世博會場的萬千模樣。除了充滿未來感的吸睛外觀之外，「null²」場館內的天花板、地面鑲上了發光LED面板，四周牆面則以鏡子組成，無止境地反射了展間內的人群姿態。而豎立在展場內的大型螢幕，則是能夠遇見「數位分身」的裝置。置身其中，人們將透過螢幕與自己的分身互動、對話。

操刀這座展館的落合陽一身兼新媒體藝術家、研究者與企業家等頭銜，以自身發展出的「數位自然（Digital Nature）」理論為基礎，致力於探索數位空間與物質世界的融合。在創作上，他常透過超音波、雷射等先進技術再現光、聲音或水等自然元素，創造出既真實又虛幻的體驗。或者是透過作品將「空無」、「存在」等抽象概念具象化，誘發人們思考生命的本質。他也積極於新聞節目、論壇等公開場合現身發言，在AI、高齡化社會、教育制度等方面提出獨到觀點，是目前廣受日本社會矚目的跨領域人物。

以新媒體藝術打破既有概念的二元對立

落合陽一於2017年曾參與協助日本爭取世博主辦權，直到世博確定落腳於大阪後，他也在2020年以新媒體藝術家身分正式加入，成為主題館的8位策展人之一。「我一直透過創作和研究持續探索『鏡子』、『數位分身』以及『空／null』等概念，懷抱著強烈的企圖心，希望能在世博這樣具有高度公共性的大型展會上，實現大膽的社會實驗。」他說。

呼應這屆世博主題「設計一個讓生命閃耀的未來社會」，主題館「null²」也被賦予了「鍛造生命」此一關鍵字。面對這個命題，落合陽一結合其自身的創作概念之一「null／空」展開發想。他說明，在電腦科學中null 代表了「空值」；而在佛教思想中，「空」指的是「雖無形，卻能化為萬象」的原始狀態。乍看來自不同領域，但這兩個術語擁有「因為尚未定型，反而孕育著一切可能性」的共通點。「我認為從『空／null』的狀態中創造全新價值的過程，正是『鍛造生命』此一行為本身。」他解釋。

這並不是落合陽一第一次在創作中採用此一哲學思維，包含2022年的《null的樹影斑駁》（nullの木漏れ日）與2024年的個展《晝夜交替亦為神佛：鮨null∴鰻龍》（昼夜の相代も神仏：鮨ヌル∴鰻ドラゴン）中，皆可見「空／null」的概念應用。透過電腦技術，落合陽一創造出無形的光或影像，讓觀者體驗到無形之物的呼吸、氣息，藉此撼動「無與有」、「自然與人工」等二元對立的概念。而大阪世博的「null²」則將概念再往前推進，不僅止於單純的展出，更創造出了數十萬人可同時共感的參與式體驗。「可以說是過去作品的集大成，同時也是對未來社會的一種原型預演。」他說。

讓建築像生命體蠕動，又保有安全結構

從中心思想「空／null」出發，落合陽一更以長年來的創作媒材「鏡子」串聯起整體概念。他說明，鏡子自古以來扮演著「區分自我與外界邊界」的意義，但當鏡面產生扭曲時，整個世界也會產生流動，自己的輪廓也逐漸瓦解。「正因如此，當我們試圖重新思考『什麼是自我』、『何謂世界』時，鏡子是一個非常有效的象徵媒介。」他說。

展館外側的「鏡子」，由日本膜結構領域的知名大廠「太陽工業」以及建築團隊「NOIZ」共同協力完成。落合陽一和太陽工業嘗試在樹脂薄膜上蒸鍍金屬，經過數年的嘗試後，才開發出現今保有金屬光澤，卻又能柔軟變形的鏡面膜。他們也研發了一套透過機械手臂的局部壓迫、大型低音喇叭產生振動來扭曲牆面的操控技術，藉此營造出建築體的動態生命力。

另一方面，建築團隊NOIZ 面臨的挑戰，則是如何在鏡面膜的動態呈現下，保持整體結構的平衡與安全性。為了解決這個問題，NOIZ團隊將建築劃分為多個區塊，限定了可動範圍，除此之外的部分則使其自然地反映環境震動。落合陽一說：「這樣的設計使建築彷彿生命體般蠕動，卻又保有建築結構的安全性，成為此次技術突破的關鍵。」經過無數的挑戰，最終才得以設計出團隊所設定的願景，打造出一座「不是靜態的容器，而是流動且具有智能的建築」。這也反映了落合陽一的「數位自然」理論，讓「非自然」能「如自然般舞動」，藉此誘發觀眾重新思考人類與自然之間的關係。

當自我與數位分身相遇

走進展館內，則是另一面映照自我的「鏡子」。不同的是，這面鏡子不是忠實地呈現鏡前的一舉一動，而是在鏡中重生出另一個自己。由落合陽一團隊所開發、取名為「Mirrored Body」的數位分身，結合了入口處的高速3D掃描技術、聲紋識別與AI語音合成裝置，再加上大型語言模型驅動的即時對話生成系統，不出數分鐘內，自己的分身將會被投影到展館內的螢幕上，與本尊進行互動。

針對開發數位分身的動機，落合陽一說明，未來數位分身可能成為「擴增自我的代理人」。它們可以代替本人參加會議、協助創作，成為AI與人類協作發展的重要媒介。不過同時，也會產生「何謂真正的本人？」等身分認同的疑惑，以及數據管理和所有權等倫理議題。「正因如此，我認為在世博進行這場實驗，對於推動社會共識、深化哲學反思有很重要的意義。」他說。

在世博舞台拋出質問：人類該如何與科技共生？

在世博實踐自身思想的實驗性行動，十分符合落合陽一看待現今世博的舉辦意義。他提到，19世紀的世博展示了國家威信，20世紀的世博則在宣揚企業實力，而進入21世紀，世博正逐漸轉型為全球環境課題、文化多樣性的對話場域，以及包容新的價值觀、哲學思維的實驗平台。他說：「包含AI、機器人、區塊鏈等，在這個即使是個人也能引發巨大革新的時代，世博不再只是『為了國家或企業的展覽』，而更像是一個『匯聚多元未來願景的沙龍』。」

回歸其新媒體藝術家角色，聚焦於世博中的科技革新應用時，落合陽一向我們分享了他對於未來世界的想像。「整體而言，我對科技發展抱持正面態度，特別是對於AI與數位分身在『擴增人類』方面的應用充滿期待。如果我們能讓AI部分取代知識工作、活用多個虛擬分身，甚至由AI代理我們的思考與行動，人類就能更專注於創造性與自由的活動。」他說。

但同時落合陽一也強調，科技發展也伴隨了自我認同、倫理道德的問題，尤其在社會制度尚未跟上的階段即過度濫用科技時，會產生不少未知的危險。不過他也說，也因此世博正是個絕佳契機，開放眾人共同討論「未來社會的理想樣貌」。他說，「在這過程中，既有如置身於烏托邦般的樂趣，也可能混雜著迷失自我的反烏托邦式恐懼。最終，『null²』將作為一個裝置，引導我們思考：人類該如何與科技共生、如何取捨，並在此過程中持續『鍛造生命』。」

落合陽一

新媒體藝術家。1987年出生，自2010年開始藝術創作活動。作品以跨領域的物化、轉換，以及對實體物質的憧憬為主題發展。現任筑波大學副教授，亦擔任2025大阪世博主題館策展人。代表作包括攝影集《質量への憧憬》（amana・2019）、NFT作品《Re-Digitalization of Waves》（foundation・2021）等。曾獲2016年Prix Ars Electronica榮譽獎、歐盟STARTS Prize、2019年SXSW Creative Experience ARROW Awards；入選《Apollo Magazine》40 UNDER 40 ART and TECH、獲得亞洲數位藝術大賞優秀獎，並多次入選文化廳媒體藝術祭藝術部門審查委員會推薦作品。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜蔡耀徴、Ninagawa Mika
圖片提供｜Yoichi Ochiai}

「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？」在陳曦的花藝世界裡，花與花器互為主體，共同塑造作品的輪廓。從初遇日式「草月流」花道的自由創作精神，到成立花藝工作室與選品品牌牌Ephe3era，她一步步將創作哲學融入日常，讓器物成為情感的延伸，也成為她與世界溫柔對話的方式。

陳曦原本在服裝產業從事打樣與代工生產管理工作，雖然能熟悉服裝製程與生產環節，卻也著重執行與標準化，較少自由發揮的空間，讓她感到日漸枯燥與受限。直到一次在日本旅行時，朋友提議參加插花課，她才首次接觸到這門藝術，「當時其實沒有太多期待，但那堂課意外開啟了我對花藝的想像。」像是在心中埋下了一顆種子，回到台灣後，她在網路上找到了草月流的花藝課程，從此開始一邊工作，一邊學習插花的生活。

「不同於池坊、小原流等傳統花道的嚴謹規範，草月流提供更開放的創作空間，讓插花者能自由展現個人特色。」對陳曦而言，草月流最吸引她的就是其自由性。成立於1927年的草月流標誌了日本插花藝術的現代化轉變，提出「任何人、任何材料、任何地方都可以插花」的核心理念，鼓勵創作者靈活運用各種現成素材。而二戰後，東京滿目瘡痍、鋼筋裸露的建築殘骸成為日常景觀，草月流的藝術家便開始以這些廢墟物件作為創作靈感——不論是鐵條、碎裂的混凝土、舊家具的一角，甚至殘破的瓦片與木樁，都成為作品的一部分，進一步打破了傳統插花對花器的限制。

花期易逝，器物長存

隨著深入學習花藝，陳曦也開始對花器產生強烈的興趣，並以「住家兼工作室」的方式斜槓經營花藝事業，同時開設花藝課程。然而一次搬家時，她驚覺自己的花器收藏已經多到成為一種（甜蜜的）負擔，加上學生們也希望能嘗試更多不同類型的花器，選品支線Ephe3era的概念便因此成形。「隨著收藏越來越多，我開始思考，這些花器不該只是靜置，而是應該進入更多人的生活，被不同的人持續使用。」她回憶道。

「Ephe3era這個名字來自英文Ephemera，指的是短暫存在的事物，例如車票、收據等短期使用的印刷品——植物的生命短暫，器物卻能長久流傳。」陳曦透過網拍、跳蚤市場以及與陶藝家合作，尋覓各種材質與風格的花器，納入她的選品。其中，她特別喜愛二手的陶藝花器，「它們就像古著，即使不是全新，也因為帶有手工痕跡與歲月質感，更顯生命力。」對她而言，器物全新與否並不重要，重要的是它們能否經得起時間考驗，成為值得長期擁有與使用的存在。

花與器相依，共築創作的平衡

而談及花器在花藝中的重要性，陳曦認為，關鍵在於如何運用它來決定作品的呈現方式——「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？或者，我希望它們彼此搭配，讓兩者同時成為主角？」這沒有固定標準，而是取決於創作者的風格與當下的設計意圖，「如果花器本身造型感強烈，例如帶有雕刻細節或特殊結構，那麼花材應相對簡約，以免喧賓奪主；反之，當花器設計素雅低調，花材便可更加豐富或具層次感，展現作品的張力。」在她的創作中，花材與花器並非單純的主角與配角關係，而是互相烘托、彼此成就，塑造作品的完整性。

日常創作時，陳曦偏好素雅、沉穩的花器，例如選擇帶有灰階、低飽和色調的器物，並避免使用過於鮮豔的花材。「有些人擅長創作濃烈、飽滿的風格，而我則喜歡讓作品帶有收斂、安靜的氛圍。這可能與我的個性有關，因為我本身比較強烈，所以在插花時，會希望讓自己回歸平衡。」不過近年來，她也嘗試跳脫既有的創作習慣，例如在作品中加入亮色作為點綴，讓色彩在畫面中產生層次變化。這樣的改變，不僅讓創作保持新鮮感，也讓她在熟悉的風格之外，探索更多可能性。

器物是橋樑，花藝是對話

隨著對花藝與器物理解的深化，陳曦逐漸發現，器物不僅是創作的載體，更是一種連結世界的方式。「當購買或收藏某樣器物時，我們不只是獲得了一件物品，而是將它的故事、文化背景，甚至製作者的想法帶回家。」 她形容器物像是一座橋樑，串聯著製作者與使用者之間的美感共鳴。這種感受也體現在她與陶藝家的合作中——即便雙方並無私交，透過欣賞與使用對方的作品，彼此之間也形成了某種連結。而當這些器物進入更多人的生活，這份對話也將持續擴展。

「在開始做花藝前，我並不確定自己真正熱愛什麼，但當我投入其中，透過與不同的人合作，發現有人欣賞我的作品並願意交流時，漸漸找到了自己的方向。」從開始學習花藝到成立自己的工作室，對陳曦而言，每一次花藝創作，都是一次尋找平衡的探索，也是一場與世界的對話。當花器與花材相互襯托，它便不再只是靜態的擺設，而是一種情感的延伸，讓器物真正融入生活，也讓她在創作的過程中，與世界產生細膩而深遠的聯繫。

陳曦的花&器——搭配筆記

 花材 

拖鞋蘭・乾燥枸橘樹枝

 心法 

這次的創作從花器開始——先選了一款少見的 設計，再回頭搭配手邊的花材，意外找到剛柔之間的平衡感。作品以「尖銳與圓潤」的對比為主題，花器並非單一圓形，而是圓與銳角的錯落組合，帶來獨特的立體感。搭配刷成香檳金的乾燥枸橘樹枝，增添個性與結構感；拖鞋蘭的花腳刻意剪短，使其成為畫面中的穩定重心，不會太搶戲，卻能保留獨特的神情。整體配色以低飽和為主，讓視覺柔和卻有層次。

 花材 

假肉桂・獼猴藤・小町草

 心法 

選用了一款帶有燒焦感綠點的花器，釉色變化自然，質感獨特。這類多孔花器是草月流常見的特色，能自由調整插花方式，而瓶口間適當地留白，更凸顯花器是作品的一部分。花材搭配上，讓不同質地的枝條交錯，既有輕盈感，也帶點中性氣質，營造滿滿的春日氛圍！

陳曦

以日本花道作為基礎，發展出和洋混合風格，講究花材色調的和諧以及多元的花型設計；善於解構植物原有型態，跳脫傳統的插花手法，賦予人們對日式花藝新的印象。2019年底於台北開啟花道私塾，以日本草月流派為主軸，透過基本花型探討花與生活周遭連結的可能性。同時經營線上花器選品Ephe3era。

_{文｜葉欣昀　攝影｜蔡耀徵}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/4月號《從器物開始的理想生活》