矽膠、石膏味瀰漫的工作室，擺著人臉石膏頭像、斷掉的手臂、無數假皮，以及摺得整齊、卻血跡斑斑的活屍服裝；而角落跪地的一具焦屍，正是Netflix新劇《誰是被害者》中女星終結生命、火焰下消融的最後姿態。

「我是覺得如果要做就把它做得噁心一點。」回憶初與《誰是被害者》製作方接洽時，特效化妝指導儲榢逸（以下稱儲乃）表示，考量觀眾接受程度，起初導演並沒有要在屍體上做太複雜的設計，後來經過雙方討論，才決定放手一搏。「以往台灣影視作品在視覺效果上只講求恐怖、刺激，但現在的觀眾比較喜歡符合邏輯性的創作。」

《誰是被害者》除了工作室所看到的焦屍，特效團隊還必須製造出一具放置在浴缸內的溶屍。「沒有人看過溶屍，在Google上也完全找不到圖片，我們甚至還想過要買硫酸來試滴豬肉，看看效果怎麼樣。」為了符合邏輯，不讓觀眾有「出戲」的感覺，田野調查的漫漫長路，全仰賴鑑識專家所提供的各式素材，怪不得儲乃說：「我們跟法醫、葬儀社是長期配合的關係。」

《誰是被害者》中，飾演鑑識人員的張孝全飾，正在進行現場焦屍的採檢。

「上一輩都是用比較廉價的材質，例如血漿會用枇杷膏來呈現。」曾獲世界特效化妝大賽（IMATS）冠軍、操刀《返校》和《第九分局》等電影的特效化妝指導程薇穎表示，早年戲劇類的化妝師不大受到重視，連帶也不講究傷口細緻度，「只要有血就好。」即便曾有前輩遠至洛杉磯學習特效化妝技術，回台後也因為欠缺市場而投入美妝業。「沒有人想到特效化妝可以玩到這個地步，以前都被認為只能化傷妝、老妝。」儲乃表示，自2011年文化部推動類型片補助計畫、電影《紅衣小女孩》加入大量特效元素後，特效化妝開始受到重視，「很像踩著屍體往上爬，我們造星，造的是屍體或鬼魂。」

近幾年，許多新一輩的導演也會在劇本尚未定案前事先諮詢特效化妝師，「因為當編劇知道特效可以怎麼做時，會比較敢寫。」程薇穎說道。從《緝魔》、《返校》到《第九分局》 ，她與導演的腦力激盪，往往能把故事說得更加動聽，例如《第九分局》初版劇本只寫「眾多鬼」，程薇穎從詢問導演「你想要幾隻鬼」開始，最終成就了螢幕上新娘鬼、東西方殭屍等有趣搭配。

電腦特效席捲好萊塢

隨著歐美影視產業電腦特效技巧純熟，特效化妝比例正逐步遞減，且好萊塢的演員因合約限制無法在片場久待，因此連一個簡單的傷妝都用電腦特效取代。「好萊塢電影工業有一個非常完整的數據庫，裡面的顧問都是NASA等級的退休工程師，所以當今天導演想要一台跑車，或突然要在某個演員臉上加一道傷，都有數據可以立刻演算出來。」

自2010年的《阿凡達》之後，好萊塢電影已逐步過境至數位化的新紀元，目前僅有少數導演堅持運用人工的特效化妝技術；國外有一票專職的特效化妝演員，以改變外型為工作範疇，例如電影《水底情深》、《地獄怪客》和《羊男的迷宮》的特殊角色，其實都由同一位演員所扮演。

面對轉型命運，許多好萊塢特效化妝師開始製作工藝品，或以電玩業為職涯主場，進行電玩角色開發與設計。例如曾製作多部特效大片的雕塑專家王孫杰Steve Wang便曾為知名手遊巡迴展量身打造等身角色雕塑。整體而言，目前僅有台灣、日本、韓國、和泰國會大量使用特效化妝。儲乃認為，將「電影角色IP化」是未來特效化妝師可以發展的方向，「像紅衣小女孩就是仿照安娜貝爾的模式，她有自己獨立的智慧財產權。」如此一來，特效化妝師將能自行為角色延伸更多造型發想。

互助為首要的自學之道

溫哥華電影學院（Vancouver Film School）是程薇穎的母校，特效化妝的課程內容從好萊塢化妝歷史與代表人物、人體骨骼結構與臉型，到實作性質的彩妝教學，甚至連面具與矽膠假皮的製作，循序漸進組成完整的「好萊塢式教材」。回台灣後她發現，由於氣候、預算和製作時間都截然不同，原本該按部就班的方法，都必須另尋途徑完成。

程薇穎正在替演員上妝，製造電影《吃吃的愛》蜥蜴人的妝感。

曾在好萊塢歷練的儲乃認為，國外的教學系統的確適用好萊塢的標準化流程，然而台灣影視產業的預算因無法與歐美比擬，須具備高度應變能力，「台灣比較散打，材料的運用都要根據現場狀況予以調整，拼拼湊湊出成品。」回顧高中時曾在花莉特效化妝工作室當學徒、也加入葬儀社參與大體修復，而後進入劇組實戰，儲乃的「土法煉鋼」之路充滿挫敗，但也越挫越勇。

負責《誰是被害者》特化道具製作與現場特效化妝的形上團隊負責人徐千婷也笑稱自己為土法煉鋼者。她表示，網路資源豐富，自學並非難事，好比Youtube、Instagram等平台都有大量教學影片，甚至是私下傳訊息詢問國外的特效化妝師，對方都會很樂意分享技術，發展出亦師亦友的關係。而除了向外求援，台灣的特效化妝師們也成立Line群組互通有無；42人的群組，近來因疫情關係工作量銳減，還相約拍攝「隔空鬥毆」短片，這一秒撲克牌插入喉間、下一秒鮮血從口中流出，用苦中作樂的方式相互打氣。「有時候是隔天中午的班，凌晨還要整個打掉重來，但這就是有趣的地方，我們要有求必應。」製作期間無數個突發狀況、加上熬夜所累積的革命情感，讓徐千婷更加意識到合作的重要性，他們就像工作室附近的那家小北百貨，無論是鑿刀、一字螺絲起子等開模工具，或各種上色材料，通通都一應俱全、時時刻刻補齊需求。

廣告作品「自由女神像」中，形上團隊除了要製作頭套，也要為演員全身上妝。

大銀幕以外的「社會責任」

影視作品以外，特效化妝師還有一項神秘任務：和醫界合作。八仙塵爆過後，醫療界開始詢問特效化妝專業人員，是否願意參與救災演練，協助模擬傷口事宜。同為形上團隊負責人的賀芊瑜表示：「以往的演練都是印一張A4紙貼在身上，但對演練者來說，我就只是看到一張紙，跟實際看到傷口在身上是完全不同感覺。」根據醫院需求，形上團隊會前進各醫院，在醫護人員分辨或製作傷口時擔任協助，加強他們緊急處理的速度和應變能力；也會至家暴防治中心，協助第一線社工人員分辨不同鈍器所導致的傷口型態，同時增加民眾知識。

醫師的考場也是他們發揮專業的所在，例如儲乃曾協助規畫臺北醫學大學北區醫生的考試流程，「假設考題是要去清理一道傷口並分析病理狀況，那我們就會把傷口加重，讓它變得很難清。」有時也需要製作仿真假皮，以供考生縫合傷口用。另一方面，程薇穎也長期與眼科、義肢公司配合，協助製作各式輔具，「透過我們的技術，替患者解決配戴上的不舒服，這是我很喜歡做的。」除了運用專業，創造電影中的話題人物，特效化妝師也扛起社會責任；故事裡，現實裡，他們都在。

文｜曾智怡 

圖片提供｜形上娛樂有限公司、瀚草影視、ZFXSTUDiO

更多精彩內容請見La Vie雜誌 2020/6月號《推測未來的設計》 

數位分身與人類本尊有何差異？非自然的建築，可以如生命體般蠕動嗎？2025大阪世博最具話題性的展館，新媒體藝術家落合陽一策劃的「null²」絕對榜上有名，堪稱最難預約展館之一。他以「鏡子」為媒介，藉由這座會呼吸、舞動的建築詮釋其自身的「數位自然」理念，邀請觀眾駐足重新思考人類與未來科技間密不可分的關係。

「null²」的建築體由不規則的鏡面方塊堆疊而成，外牆由邊緣向中心凹陷、扭動，配合音響的震動，每一分秒都映照出世博會場的萬千模樣。除了充滿未來感的吸睛外觀之外，「null²」場館內的天花板、地面鑲上了發光LED面板，四周牆面則以鏡子組成，無止境地反射了展間內的人群姿態。而豎立在展場內的大型螢幕，則是能夠遇見「數位分身」的裝置。置身其中，人們將透過螢幕與自己的分身互動、對話。

操刀這座展館的落合陽一身兼新媒體藝術家、研究者與企業家等頭銜，以自身發展出的「數位自然（Digital Nature）」理論為基礎，致力於探索數位空間與物質世界的融合。在創作上，他常透過超音波、雷射等先進技術再現光、聲音或水等自然元素，創造出既真實又虛幻的體驗。或者是透過作品將「空無」、「存在」等抽象概念具象化，誘發人們思考生命的本質。他也積極於新聞節目、論壇等公開場合現身發言，在AI、高齡化社會、教育制度等方面提出獨到觀點，是目前廣受日本社會矚目的跨領域人物。

以新媒體藝術打破既有概念的二元對立

落合陽一於2017年曾參與協助日本爭取世博主辦權，直到世博確定落腳於大阪後，他也在2020年以新媒體藝術家身分正式加入，成為主題館的8位策展人之一。「我一直透過創作和研究持續探索『鏡子』、『數位分身』以及『空／null』等概念，懷抱著強烈的企圖心，希望能在世博這樣具有高度公共性的大型展會上，實現大膽的社會實驗。」他說。

呼應這屆世博主題「設計一個讓生命閃耀的未來社會」，主題館「null²」也被賦予了「鍛造生命」此一關鍵字。面對這個命題，落合陽一結合其自身的創作概念之一「null／空」展開發想。他說明，在電腦科學中null 代表了「空值」；而在佛教思想中，「空」指的是「雖無形，卻能化為萬象」的原始狀態。乍看來自不同領域，但這兩個術語擁有「因為尚未定型，反而孕育著一切可能性」的共通點。「我認為從『空／null』的狀態中創造全新價值的過程，正是『鍛造生命』此一行為本身。」他解釋。

這並不是落合陽一第一次在創作中採用此一哲學思維，包含2022年的《null的樹影斑駁》（nullの木漏れ日）與2024年的個展《晝夜交替亦為神佛：鮨null∴鰻龍》（昼夜の相代も神仏：鮨ヌル∴鰻ドラゴン）中，皆可見「空／null」的概念應用。透過電腦技術，落合陽一創造出無形的光或影像，讓觀者體驗到無形之物的呼吸、氣息，藉此撼動「無與有」、「自然與人工」等二元對立的概念。而大阪世博的「null²」則將概念再往前推進，不僅止於單純的展出，更創造出了數十萬人可同時共感的參與式體驗。「可以說是過去作品的集大成，同時也是對未來社會的一種原型預演。」他說。

讓建築像生命體蠕動，又保有安全結構

從中心思想「空／null」出發，落合陽一更以長年來的創作媒材「鏡子」串聯起整體概念。他說明，鏡子自古以來扮演著「區分自我與外界邊界」的意義，但當鏡面產生扭曲時，整個世界也會產生流動，自己的輪廓也逐漸瓦解。「正因如此，當我們試圖重新思考『什麼是自我』、『何謂世界』時，鏡子是一個非常有效的象徵媒介。」他說。

展館外側的「鏡子」，由日本膜結構領域的知名大廠「太陽工業」以及建築團隊「NOIZ」共同協力完成。落合陽一和太陽工業嘗試在樹脂薄膜上蒸鍍金屬，經過數年的嘗試後，才開發出現今保有金屬光澤，卻又能柔軟變形的鏡面膜。他們也研發了一套透過機械手臂的局部壓迫、大型低音喇叭產生振動來扭曲牆面的操控技術，藉此營造出建築體的動態生命力。

另一方面，建築團隊NOIZ 面臨的挑戰，則是如何在鏡面膜的動態呈現下，保持整體結構的平衡與安全性。為了解決這個問題，NOIZ團隊將建築劃分為多個區塊，限定了可動範圍，除此之外的部分則使其自然地反映環境震動。落合陽一說：「這樣的設計使建築彷彿生命體般蠕動，卻又保有建築結構的安全性，成為此次技術突破的關鍵。」經過無數的挑戰，最終才得以設計出團隊所設定的願景，打造出一座「不是靜態的容器，而是流動且具有智能的建築」。這也反映了落合陽一的「數位自然」理論，讓「非自然」能「如自然般舞動」，藉此誘發觀眾重新思考人類與自然之間的關係。

當自我與數位分身相遇

走進展館內，則是另一面映照自我的「鏡子」。不同的是，這面鏡子不是忠實地呈現鏡前的一舉一動，而是在鏡中重生出另一個自己。由落合陽一團隊所開發、取名為「Mirrored Body」的數位分身，結合了入口處的高速3D掃描技術、聲紋識別與AI語音合成裝置，再加上大型語言模型驅動的即時對話生成系統，不出數分鐘內，自己的分身將會被投影到展館內的螢幕上，與本尊進行互動。

針對開發數位分身的動機，落合陽一說明，未來數位分身可能成為「擴增自我的代理人」。它們可以代替本人參加會議、協助創作，成為AI與人類協作發展的重要媒介。不過同時，也會產生「何謂真正的本人？」等身分認同的疑惑，以及數據管理和所有權等倫理議題。「正因如此，我認為在世博進行這場實驗，對於推動社會共識、深化哲學反思有很重要的意義。」他說。

在世博舞台拋出質問：人類該如何與科技共生？

在世博實踐自身思想的實驗性行動，十分符合落合陽一看待現今世博的舉辦意義。他提到，19世紀的世博展示了國家威信，20世紀的世博則在宣揚企業實力，而進入21世紀，世博正逐漸轉型為全球環境課題、文化多樣性的對話場域，以及包容新的價值觀、哲學思維的實驗平台。他說：「包含AI、機器人、區塊鏈等，在這個即使是個人也能引發巨大革新的時代，世博不再只是『為了國家或企業的展覽』，而更像是一個『匯聚多元未來願景的沙龍』。」

回歸其新媒體藝術家角色，聚焦於世博中的科技革新應用時，落合陽一向我們分享了他對於未來世界的想像。「整體而言，我對科技發展抱持正面態度，特別是對於AI與數位分身在『擴增人類』方面的應用充滿期待。如果我們能讓AI部分取代知識工作、活用多個虛擬分身，甚至由AI代理我們的思考與行動，人類就能更專注於創造性與自由的活動。」他說。

但同時落合陽一也強調，科技發展也伴隨了自我認同、倫理道德的問題，尤其在社會制度尚未跟上的階段即過度濫用科技時，會產生不少未知的危險。不過他也說，也因此世博正是個絕佳契機，開放眾人共同討論「未來社會的理想樣貌」。他說，「在這過程中，既有如置身於烏托邦般的樂趣，也可能混雜著迷失自我的反烏托邦式恐懼。最終，『null²』將作為一個裝置，引導我們思考：人類該如何與科技共生、如何取捨，並在此過程中持續『鍛造生命』。」

落合陽一

新媒體藝術家。1987年出生，自2010年開始藝術創作活動。作品以跨領域的物化、轉換，以及對實體物質的憧憬為主題發展。現任筑波大學副教授，亦擔任2025大阪世博主題館策展人。代表作包括攝影集《質量への憧憬》（amana・2019）、NFT作品《Re-Digitalization of Waves》（foundation・2021）等。曾獲2016年Prix Ars Electronica榮譽獎、歐盟STARTS Prize、2019年SXSW Creative Experience ARROW Awards；入選《Apollo Magazine》40 UNDER 40 ART and TECH、獲得亞洲數位藝術大賞優秀獎，並多次入選文化廳媒體藝術祭藝術部門審查委員會推薦作品。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜蔡耀徴、Ninagawa Mika
圖片提供｜Yoichi Ochiai}

「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？」在陳曦的花藝世界裡，花與花器互為主體，共同塑造作品的輪廓。從初遇日式「草月流」花道的自由創作精神，到成立花藝工作室與選品品牌牌Ephe3era，她一步步將創作哲學融入日常，讓器物成為情感的延伸，也成為她與世界溫柔對話的方式。

陳曦原本在服裝產業從事打樣與代工生產管理工作，雖然能熟悉服裝製程與生產環節，卻也著重執行與標準化，較少自由發揮的空間，讓她感到日漸枯燥與受限。直到一次在日本旅行時，朋友提議參加插花課，她才首次接觸到這門藝術，「當時其實沒有太多期待，但那堂課意外開啟了我對花藝的想像。」像是在心中埋下了一顆種子，回到台灣後，她在網路上找到了草月流的花藝課程，從此開始一邊工作，一邊學習插花的生活。

「不同於池坊、小原流等傳統花道的嚴謹規範，草月流提供更開放的創作空間，讓插花者能自由展現個人特色。」對陳曦而言，草月流最吸引她的就是其自由性。成立於1927年的草月流標誌了日本插花藝術的現代化轉變，提出「任何人、任何材料、任何地方都可以插花」的核心理念，鼓勵創作者靈活運用各種現成素材。而二戰後，東京滿目瘡痍、鋼筋裸露的建築殘骸成為日常景觀，草月流的藝術家便開始以這些廢墟物件作為創作靈感——不論是鐵條、碎裂的混凝土、舊家具的一角，甚至殘破的瓦片與木樁，都成為作品的一部分，進一步打破了傳統插花對花器的限制。

花期易逝，器物長存

隨著深入學習花藝，陳曦也開始對花器產生強烈的興趣，並以「住家兼工作室」的方式斜槓經營花藝事業，同時開設花藝課程。然而一次搬家時，她驚覺自己的花器收藏已經多到成為一種（甜蜜的）負擔，加上學生們也希望能嘗試更多不同類型的花器，選品支線Ephe3era的概念便因此成形。「隨著收藏越來越多，我開始思考，這些花器不該只是靜置，而是應該進入更多人的生活，被不同的人持續使用。」她回憶道。

「Ephe3era這個名字來自英文Ephemera，指的是短暫存在的事物，例如車票、收據等短期使用的印刷品——植物的生命短暫，器物卻能長久流傳。」陳曦透過網拍、跳蚤市場以及與陶藝家合作，尋覓各種材質與風格的花器，納入她的選品。其中，她特別喜愛二手的陶藝花器，「它們就像古著，即使不是全新，也因為帶有手工痕跡與歲月質感，更顯生命力。」對她而言，器物全新與否並不重要，重要的是它們能否經得起時間考驗，成為值得長期擁有與使用的存在。

花與器相依，共築創作的平衡

而談及花器在花藝中的重要性，陳曦認為，關鍵在於如何運用它來決定作品的呈現方式——「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？或者，我希望它們彼此搭配，讓兩者同時成為主角？」這沒有固定標準，而是取決於創作者的風格與當下的設計意圖，「如果花器本身造型感強烈，例如帶有雕刻細節或特殊結構，那麼花材應相對簡約，以免喧賓奪主；反之，當花器設計素雅低調，花材便可更加豐富或具層次感，展現作品的張力。」在她的創作中，花材與花器並非單純的主角與配角關係，而是互相烘托、彼此成就，塑造作品的完整性。

日常創作時，陳曦偏好素雅、沉穩的花器，例如選擇帶有灰階、低飽和色調的器物，並避免使用過於鮮豔的花材。「有些人擅長創作濃烈、飽滿的風格，而我則喜歡讓作品帶有收斂、安靜的氛圍。這可能與我的個性有關，因為我本身比較強烈，所以在插花時，會希望讓自己回歸平衡。」不過近年來，她也嘗試跳脫既有的創作習慣，例如在作品中加入亮色作為點綴，讓色彩在畫面中產生層次變化。這樣的改變，不僅讓創作保持新鮮感，也讓她在熟悉的風格之外，探索更多可能性。

器物是橋樑，花藝是對話

隨著對花藝與器物理解的深化，陳曦逐漸發現，器物不僅是創作的載體，更是一種連結世界的方式。「當購買或收藏某樣器物時，我們不只是獲得了一件物品，而是將它的故事、文化背景，甚至製作者的想法帶回家。」 她形容器物像是一座橋樑，串聯著製作者與使用者之間的美感共鳴。這種感受也體現在她與陶藝家的合作中——即便雙方並無私交，透過欣賞與使用對方的作品，彼此之間也形成了某種連結。而當這些器物進入更多人的生活，這份對話也將持續擴展。

「在開始做花藝前，我並不確定自己真正熱愛什麼，但當我投入其中，透過與不同的人合作，發現有人欣賞我的作品並願意交流時，漸漸找到了自己的方向。」從開始學習花藝到成立自己的工作室，對陳曦而言，每一次花藝創作，都是一次尋找平衡的探索，也是一場與世界的對話。當花器與花材相互襯托，它便不再只是靜態的擺設，而是一種情感的延伸，讓器物真正融入生活，也讓她在創作的過程中，與世界產生細膩而深遠的聯繫。

陳曦的花&器——搭配筆記

 花材 

拖鞋蘭・乾燥枸橘樹枝

 心法 

這次的創作從花器開始——先選了一款少見的 設計，再回頭搭配手邊的花材，意外找到剛柔之間的平衡感。作品以「尖銳與圓潤」的對比為主題，花器並非單一圓形，而是圓與銳角的錯落組合，帶來獨特的立體感。搭配刷成香檳金的乾燥枸橘樹枝，增添個性與結構感；拖鞋蘭的花腳刻意剪短，使其成為畫面中的穩定重心，不會太搶戲，卻能保留獨特的神情。整體配色以低飽和為主，讓視覺柔和卻有層次。

 花材 

假肉桂・獼猴藤・小町草

 心法 

選用了一款帶有燒焦感綠點的花器，釉色變化自然，質感獨特。這類多孔花器是草月流常見的特色，能自由調整插花方式，而瓶口間適當地留白，更凸顯花器是作品的一部分。花材搭配上，讓不同質地的枝條交錯，既有輕盈感，也帶點中性氣質，營造滿滿的春日氛圍！

陳曦

以日本花道作為基礎，發展出和洋混合風格，講究花材色調的和諧以及多元的花型設計；善於解構植物原有型態，跳脫傳統的插花手法，賦予人們對日式花藝新的印象。2019年底於台北開啟花道私塾，以日本草月流派為主軸，透過基本花型探討花與生活周遭連結的可能性。同時經營線上花器選品Ephe3era。

_{文｜葉欣昀　攝影｜蔡耀徵}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/4月號《從器物開始的理想生活》