食物充滿力量，美好的餐桌總是令人充滿嚮往。想記錄在餐桌上度過的美好時刻，或想抓住對料理的熱愛，但對畫面的掌握總是不如想像中成功。苦惱於想要拍出美味溫暖的食物照，總是現代人生活中的煩惱。

相較於亞洲人喜好明亮清新的攝影風格，以自然光所帶出的暗調攝影，是較未開發的新領域。曾遠赴哥本哈根修習的食物攝影師─小小／工作室主理人Gia，於六年前開設個人食物部落格，一路慢慢摸索，除了攝影外，從製作甜點、擺設到拍照皆不假他人之手，如靜物油畫風格的自然光攝影，在Instagram吸引不少追蹤者關注，也建構出一個專屬她的獨特秘密花園餐桌。 

「 我是個人風格很強烈的攝影者。攝影這條路上有很多人跟我說，暗色背景風格在亞洲的接受度不高，何不試著拍些明亮小清新的作品以順從主流，但我始終沒有照著做。並不是特別想反主流，說實話我對主流、非主流一點關心也沒有，我只是想拍我喜歡的作品，回過頭看了還是很喜歡的作品，僅此而已。」 小小／工作室主理人Gia在書中這麼說著。

在2019年5月出版《攝影食光》中，完整解析說明100%自然光的食物攝影方法：帶領讀者從靈感發想、食物造型、情境佈景、實際拍攝到後製編輯的過程一步步公開，讓每個人都有辦法拍出有故事深度的餐桌場景。

解構夢幻餐桌搭建過程中，彷彿看到食物攝影師的魔法，了解好的食物攝影情境照片中竟然藏有如此多細節。然而一直以來，Gia努力追求的不單只是張漂亮的照片，想要的是一張會說故事的照片。就像「Visual Storytelling」這個單字的意義—運用影像來傳達理念與訴說故事。Gia真正嚮往的就是「說故事」這件事，喜歡食物，選用食物攝影來說故事，在意邏輯與細節的她，更使得她的影像創作更加迷人。對Gia而言，攝影就是一連串的創意決定。透過媒材、技術、情境的構思與決定，加總起來才成為一張她會說故事的迷人畫面。

以自然光拍一張會說話的照片

所謂「靜物油畫」風格是來自文藝復興Chiaroscuro繪畫風格，義大利文中chiaro是明，scuro是暗，強調的就是利用光影的明暗對比來營造立體感。重點在於利用黑暗的背景來突顯明亮的主體，讓拍攝的主題更顯眼，使目光聚集在主體之上。 

一個充滿花朵植栽的私人空間，光想像就覺得美妙。以暗色背景襯托著甜點、水果、植物花卉與各種餐具，是Gia心中最嚮往的畫面。透過拍攝計畫，實現她心目中的祕密花園餐桌。

在設計「祕密餐桌」這組照片時，Gia決定將情境程度升高到能力的極限，預想許多綠色植物，有枝葉從祕密花園爬到桌上的感覺，不過同時又不想讓綠意太張狂，因此選擇了以花瓶與盆栽來乘載這些植物，再加上不同的葉材來作為蔓延的樹藤枝葉。也經過了一番考慮，最後決定將食物造型以可食用的百里香纏繞在鮮奶油香草蛋糕之上，打造出藤蔓攀爬的模樣，彷彿已成為花園的一份子。

 養成個人風格的四大元素

情境造型

所謂的情境造型，其實就是以拍攝主角為中心，利用它的周遭環境造型賦予畫面一個故事。若以拍電影作為比喻，情境造型就像是布景造型師的工作，為主角搭建一個符合它個性的空間。如果說食物攝影是在講食物的故事，情境攝影會偏向講空間的故事。

情境造型的程度並非一定要很強烈，可以很簡單地在蛋糕旁放上一支蛋糕叉與一杯紅茶，來表示一個人的下午茶時光，也可以將室內空間佈滿花草，營造出戶外用餐的氛圍，不論繁複程度高低都是情境造型。最重要的是，了解你的拍攝主角，並為它設計出一個適合的場景。

拍攝角度

攝影中的拍攝角度，通常被歸類於構圖或攝影技術，但對Gia而言，拍攝角度其實決定了要講的故事內容。食物攝影中最常運用的有三種角度，這三種角度所說的故事都不同：平視角度─說的是「用餐空間」的故事。俯視角度─說的是「餐桌上」的故事。45度角近拍─說的是「食物」的故事。

為了部落格文章而拍攝的話，便會依照每個角度的特性來規畫拍攝內容，相互輔助來傳達一個完整的故事，畢竟很難只用一個角度完全述說。想清楚要表達的主題，再決定拍攝角度，如果今天拍攝的是個很高的蛋糕，那麼就會選擇平視角度來突顯主角的特色，而如果是一場豐盛的早午餐聚會，可能就會運用俯視角度來描述餐桌上的故事。

色彩搭配

配色是Gia在開始學習食物攝影後，最希望有人提醒她的事。初學階段，只在意甜點要造型成什麼模樣，要用哪一個新買的道具，畫面構圖就已經傷透腦筋，沒有餘裕去考慮配色。到了後期才領悟到配色的重要─不但對整體畫面的色溫色調會有影響，也是維持個人風格的關鍵之一。 

當她領悟到配色的重要性時，便開始控制新購入道具的顏色與材質，並且整理現有道具，因為逐漸曉得有些顏色或質地的道具，接下來是不會出現在照片中了。

自然光的魔力

對Gia而言，自然光是食物攝影上有所突破的重要關鍵。目前採用全自然光攝影，若不是自然光，照片不會是現在的樣貌。自然光是在所有拍攝手法中無法放棄的元素，今天可以拿走她最愛的單眼與收集多年的道具，但唯一無法妥協的就是自然光

自然光雖然美好，但並不友善，剛開始使用的時候必然會有一段磨合期，一般人會以為最理想的就是出大太陽的日子，但陰天光線有著別的天氣與光源很難複製的情調，若喜歡摩登明亮風格，遇到大晴天才會感到開心。

而大晴天與陰天光線對成像的影響，看畫面中的影子是最簡單的判斷方法，影子越深表示窗外太陽越大，反之則是陰天天氣，若是太陽光太大，她也會將佈景距離窗戶遠一點。拍攝地點與窗戶位置，是能決定光線特質的關鍵，所以多實驗不同的拍攝地點與擺設角度，試著在不同天氣觀察差異，就會開始熟悉自然光的特性。

小小工作室 Gia

100%運用自然光、暗調背景、高光影反差，是小小／工作室主理人Gia極具標誌性的攝影風格。其擅長食物情境攝影， 以場景建構出情境，影像中具有充滿層次，為食物的場景增添更多想像、為食物攝影帶來另一種風格。

《攝影食光：跟著食物攝影家Gia，掌握自然光、食物造型、情境構圖與後製重點，拍出有故事與靈魂的餐桌風景》  ，透過本書，Gia細細梳理出自己從靈感發想、食物造型、情境佈景、實際拍攝到後製編輯的思考，並以豐富的實例示範──step by step 拆解13組 情境主題照片，告訴你拍攝前後每個流程的執行重點，一人工作室如何同時完成不同領域的專業工作。

照片：Gia授權提供、張藝霖

欲知更多Gia攝影技巧，都在La Vie叢書出版《攝影食光》，欲看更完整精彩內容，點此購買

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」