自然暗光也能拍出動人餐桌風景？台灣食物攝影師Gia 養成個人風格的四大元素

食物充滿力量，美好的餐桌總是令人充滿嚮往。想記錄在餐桌上度過的美好時刻，或想抓住對料理的熱愛，但對畫面的掌握總是不如想像中成功。苦惱於想要拍出美味溫暖的食物照，總是現代人生活中的煩惱。

相較於亞洲人喜好明亮清新的攝影風格，以自然光所帶出的暗調攝影，是較未開發的新領域。曾遠赴哥本哈根修習的食物攝影師─小小／工作室主理人Gia，於六年前開設個人食物部落格，一路慢慢摸索，除了攝影外，從製作甜點、擺設到拍照皆不假他人之手，如靜物油畫風格的自然光攝影，在Instagram吸引不少追蹤者關注，也建構出一個專屬她的獨特秘密花園餐桌。 

「 我是個人風格很強烈的攝影者。攝影這條路上有很多人跟我說，暗色背景風格在亞洲的接受度不高，何不試著拍些明亮小清新的作品以順從主流，但我始終沒有照著做。並不是特別想反主流，說實話我對主流、非主流一點關心也沒有，我只是想拍我喜歡的作品，回過頭看了還是很喜歡的作品，僅此而已。」 小小／工作室主理人Gia在書中這麼說著。

在2019年5月出版《攝影食光》中，完整解析說明100%自然光的食物攝影方法：帶領讀者從靈感發想、食物造型、情境佈景、實際拍攝到後製編輯的過程一步步公開，讓每個人都有辦法拍出有故事深度的餐桌場景。

解構夢幻餐桌搭建過程中，彷彿看到食物攝影師的魔法，了解好的食物攝影情境照片中竟然藏有如此多細節。然而一直以來，Gia努力追求的不單只是張漂亮的照片，想要的是一張會說故事的照片。就像「Visual Storytelling」這個單字的意義—運用影像來傳達理念與訴說故事。Gia真正嚮往的就是「說故事」這件事，喜歡食物，選用食物攝影來說故事，在意邏輯與細節的她，更使得她的影像創作更加迷人。對Gia而言，攝影就是一連串的創意決定。透過媒材、技術、情境的構思與決定，加總起來才成為一張她會說故事的迷人畫面。

以自然光拍一張會說話的照片

所謂「靜物油畫」風格是來自文藝復興Chiaroscuro繪畫風格，義大利文中chiaro是明，scuro是暗，強調的就是利用光影的明暗對比來營造立體感。重點在於利用黑暗的背景來突顯明亮的主體，讓拍攝的主題更顯眼，使目光聚集在主體之上。 

一個充滿花朵植栽的私人空間，光想像就覺得美妙。以暗色背景襯托著甜點、水果、植物花卉與各種餐具，是Gia心中最嚮往的畫面。透過拍攝計畫，實現她心目中的祕密花園餐桌。

在設計「祕密餐桌」這組照片時，Gia決定將情境程度升高到能力的極限，預想許多綠色植物，有枝葉從祕密花園爬到桌上的感覺，不過同時又不想讓綠意太張狂，因此選擇了以花瓶與盆栽來乘載這些植物，再加上不同的葉材來作為蔓延的樹藤枝葉。也經過了一番考慮，最後決定將食物造型以可食用的百里香纏繞在鮮奶油香草蛋糕之上，打造出藤蔓攀爬的模樣，彷彿已成為花園的一份子。

 養成個人風格的四大元素

情境造型

所謂的情境造型，其實就是以拍攝主角為中心，利用它的周遭環境造型賦予畫面一個故事。若以拍電影作為比喻，情境造型就像是布景造型師的工作，為主角搭建一個符合它個性的空間。如果說食物攝影是在講食物的故事，情境攝影會偏向講空間的故事。

情境造型的程度並非一定要很強烈，可以很簡單地在蛋糕旁放上一支蛋糕叉與一杯紅茶，來表示一個人的下午茶時光，也可以將室內空間佈滿花草，營造出戶外用餐的氛圍，不論繁複程度高低都是情境造型。最重要的是，了解你的拍攝主角，並為它設計出一個適合的場景。

拍攝角度

攝影中的拍攝角度，通常被歸類於構圖或攝影技術，但對Gia而言，拍攝角度其實決定了要講的故事內容。食物攝影中最常運用的有三種角度，這三種角度所說的故事都不同：平視角度─說的是「用餐空間」的故事。俯視角度─說的是「餐桌上」的故事。45度角近拍─說的是「食物」的故事。

為了部落格文章而拍攝的話，便會依照每個角度的特性來規畫拍攝內容，相互輔助來傳達一個完整的故事，畢竟很難只用一個角度完全述說。想清楚要表達的主題，再決定拍攝角度，如果今天拍攝的是個很高的蛋糕，那麼就會選擇平視角度來突顯主角的特色，而如果是一場豐盛的早午餐聚會，可能就會運用俯視角度來描述餐桌上的故事。

色彩搭配

配色是Gia在開始學習食物攝影後，最希望有人提醒她的事。初學階段，只在意甜點要造型成什麼模樣，要用哪一個新買的道具，畫面構圖就已經傷透腦筋，沒有餘裕去考慮配色。到了後期才領悟到配色的重要─不但對整體畫面的色溫色調會有影響，也是維持個人風格的關鍵之一。 

當她領悟到配色的重要性時，便開始控制新購入道具的顏色與材質，並且整理現有道具，因為逐漸曉得有些顏色或質地的道具，接下來是不會出現在照片中了。

自然光的魔力

對Gia而言，自然光是食物攝影上有所突破的重要關鍵。目前採用全自然光攝影，若不是自然光，照片不會是現在的樣貌。自然光是在所有拍攝手法中無法放棄的元素，今天可以拿走她最愛的單眼與收集多年的道具，但唯一無法妥協的就是自然光

自然光雖然美好，但並不友善，剛開始使用的時候必然會有一段磨合期，一般人會以為最理想的就是出大太陽的日子，但陰天光線有著別的天氣與光源很難複製的情調，若喜歡摩登明亮風格，遇到大晴天才會感到開心。

而大晴天與陰天光線對成像的影響，看畫面中的影子是最簡單的判斷方法，影子越深表示窗外太陽越大，反之則是陰天天氣，若是太陽光太大，她也會將佈景距離窗戶遠一點。拍攝地點與窗戶位置，是能決定光線特質的關鍵，所以多實驗不同的拍攝地點與擺設角度，試著在不同天氣觀察差異，就會開始熟悉自然光的特性。

小小工作室 Gia

100%運用自然光、暗調背景、高光影反差，是小小／工作室主理人Gia極具標誌性的攝影風格。其擅長食物情境攝影， 以場景建構出情境，影像中具有充滿層次，為食物的場景增添更多想像、為食物攝影帶來另一種風格。

《攝影食光：跟著食物攝影家Gia，掌握自然光、食物造型、情境構圖與後製重點，拍出有故事與靈魂的餐桌風景》  ，透過本書，Gia細細梳理出自己從靈感發想、食物造型、情境佈景、實際拍攝到後製編輯的思考，並以豐富的實例示範──step by step 拆解13組 情境主題照片，告訴你拍攝前後每個流程的執行重點，一人工作室如何同時完成不同領域的專業工作。

照片：Gia授權提供、張藝霖

欲知更多Gia攝影技巧，都在La Vie叢書出版《攝影食光》，欲看更完整精彩內容，點此購買

即日起至2026年10月3日走進台北當代藝廊TAO ART，從旅美設計師吳季剛和美國畫家羅伯特勞森伯格跨時空、跨領域的靈感交會，看時尚與藝術如何並置一地，激盪出有別於獨立存在時的嶄新火花。本篇3段式詳解兩位各擁深遠脈絡且皆打破傳統框架的創意風格，同場邀你共賞吳季剛揚名國際後首度回台辦展所帶來亮點之作。

坐落內湖辦公大樓內的新型態藝術空間TAO ART，現正進行跨越藝術與時尚邊界的開創性展覽《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》。回推策展緣起至2025年，為紀念美國藝術巨擘羅伯特勞森伯格（Robert Rauschenberg）百年冥誕，享譽國際的台裔加拿大時裝設計師吳季剛（Jason Wu）特別聯手羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation），向其生涯創作汲取靈感，以構思自創同名品牌Jason Wu 2026春夏系列《拼貼（Collage）》，同時將羅伯特勞森伯格作為戰後美國藝術先驅對圖像、布料與現成物的激進運用提升至全新維度。

此次展覽除呈現該系列服裝作品外，亦展出來自紐約、包含直接啟發吳季剛設計之重要作品在內的羅伯特勞森伯格基金會私人典藏；利用時尚與藝術的並置，全展不僅回望羅伯特勞森伯格對藝術史的深遠影響，更進一步重繪藝術文化的未來可能樣貌。

#01 解構拼貼宇宙：

當吳式優雅，遇上勞森伯格式叛逆

當年憑藉美國前第一夫人蜜雪兒歐巴馬（Michelle Obama）身穿其設計禮服出席前總統歐巴馬就職典禮一戰成名，吳季剛至今以精緻、優雅且充滿女性力量的現代美學風格聞名於世，並陸續為全球多位最具影響力女性與文化指標人物量身打造衣著。始終視各領域視覺藝術為豐沛靈感泉源的他，諸如曾於原創作品內帶入台灣書法藝術家董陽孜行雲流水的筆墨線條，或在上述與羅伯特勞森伯格基金會共同開發的《拼貼》系列中開展跨界對話，比比皆是實例。

且因投身後者這一別具指標性的合作案，吳季剛深入研究羅伯特勞森伯格的藝術宇宙，尤聚焦發想於1970年代的兩代表性系列《白霜（Hoarfrost）》和《機場套裝（Airport Suite）》，讓作品上大膽展示的拼貼藝術、集合藝術（Assemblage，即「立體」拼貼藝術），以及對布料媒材的創新實驗，巧被轉譯為當代時裝設計語言——並非單純挪用藝術家所作圖像，而是內化他當時對材質的敏銳感知後，透過解構、拼接與堆疊等手段重新詮釋其創作精神。

#02 串聯美術館與伸展台：

審慎考據後，兼行「具體物件移植」與「抽象心法重現」

▶ 先看兩大系列各蘊含哪些獨特技法與元素

1974至1976年誕生的溶劑轉印系列《白霜》，由羅伯特勞森伯格自行發展出的獨特技法創作而成。他首先轉印內容涵蓋政治人物、體育賽事、消費商品、科學圖表及生活片段的報紙和週刊雜誌（如《新聞週刊》、《時代雜誌》等）圖樣至半透明的絲綢和雪紡布料上，再將未經裝框拉平的織品僅以圖釘鬆散地懸掛於牆面，隨周圍氣流飄動。層層疊疊的輕盈效果，使圖像不斷游移清晰與模糊間，構出如從冬日霜窗凝視世界般夢幻而神祕的視覺深度。原本來自大眾媒體的政治或商業符號，也在柔軟氛圍中被轉化為記憶碎片似的溫和存在。而吳季剛除重現轉印質地於《拼貼》系列，更藉布料毛邊自然流露的粗糙感與未完成感，精準呼應原作系列所蘊含的材料精神與詩意狀態。

1974年誕生的紡織版畫系列《機場套裝》，則融匯自帶肌理的材質，凸顯工業符號意象。作為羅伯特勞森伯格的首個凹版印刷企劃，該系列彼時可謂對材料與印刷技術使用邊界有所動搖：他摺疊異質布料，並在其表層和裡層同時進行印刷；如此一來，布料便能在被展開或縫合後，形成極具延展性的影像結構。藝術家且突破繪畫與物件製作的傳統界限，盡把瓶蓋、鈕扣、直尺等日常拾得物直接縫進布料載體，打造兼具繪畫、拼貼與雕塑特徵的作品。這些物件所保留看似平凡的痕跡，卻成作品敘事中不可或缺的元素，映現羅伯特勞森伯格不斷思考藝術與生活之間關係的創作實踐。

▶ 再看設計師怎麼將它們轉化到服裝作品上

本展示眾之Jason Wu 2026春夏系列作品〈Cat Paws〉即揉合瓶蓋和鈕扣元素，善用材料肌理的交互作用促成富動態感的視覺節奏；〈Sheephead〉另於構圖上引入與測量、秩序及工業生產相關的直尺工具，讓現成物與印刷表面展開有趣對話。從物件拼貼、層次堆疊到材質轉化，吳季剛對羅伯特勞森伯格縝密的研究工作貫穿設計各階段，藉其材質敏銳度深刻形塑每件服裝從廓形剪裁、布料開發到表面處理的所有細節；最終呈現遂在維持Jason Wu品牌一貫精緻優雅風格的同時，注滿前所未有的實驗精神。

#03 引領觀眾近賞戰後藝術：

三方攜手並置典藏作與現當代新作，吳季剛台灣首展意義非凡

1925年出生、2008年逝世的美國當代藝術家羅伯特勞森伯格，一生傾力顛覆傳統流派對藝術的既定認知，挑戰繪畫的平面性與雕塑的三維界線；以使各式日常拾得物如塑膠、紙板乃至回收品躍然畫布的創作手法著稱，進而於1954至1964年間祭出著名的「融合繪畫（Combines）」、1964年獲威尼斯雙年展國際繪畫大獎。身兼運用絲網印刷和溶劑轉印技術的重要先驅，他亦透過重新拼組大眾媒體影像，反映二戰後由電視主導的資訊時代。設有勞森伯格海外文化交流組織（Rauschenberg Overseas Culture Interchange, ROCI），於冷戰後期率領團隊走訪全球11個國家，蒐集在地材料、與當地工匠合作並舉辦展覽，再再藉由行動證明藝術是一種得以跨越政治分歧的通用語言。

談及本次展覽，吳季剛表示，「我非常興奮能將2026春季系列帶回台灣，並讓觀眾重新認識羅伯特勞森伯格的精彩創作。同時，這也是我的設計作品首次與其靈感來源的原作並置展出，使人能夠更直觀地理解『轉譯』的過程。」甚稱《拼貼》不僅是對羅伯特勞森伯格的致敬，也是他的自我反思——「作為一名移民者，我是如何收集看似分散的文化與視覺參照，並將它們重新編織進我的創作之中。」

羅伯特勞森伯格基金會執行長Courtney J. Martin則說明，羅伯特勞森伯格的創作實踐奠基於創作者面對『藝術可能性』的廣闊理解，「他對紡織材料與現成影像的運用，挑戰了純藝術與日常生活之間的階級藩籬，並為新型態的表達方式開啟空間，至今仍在跨領域創作中持續產生共鳴。」恰如吳季剛與以上可見所有作品的對話，正體現不二創造力與實驗精神，證明羅伯特勞森伯格過去的創作之於今天的藝術家與設計師而言，仍是充滿生命力的源泉。

羅伯特勞森伯格基金會（Robert Rauschenberg Foundation）

立足於羅伯特勞森伯格的傳奇資產，強調其生前信念「藝術家能推動社會變革」，並讚頌創新甚或未經檢驗的全新思考方式，一如羅伯特勞森伯格始終致力在藝術與生活的縫隙中展開行動。

TAO ART

由藏家陳薇捷（Vicky Chen）與父親共同創立於2020年。結合收藏和展示功能的空間，由日本建築大師青木淳以「都市園林」為概念，打造出融合古典、經典與當代藝術的新型態場域，並藉由白立方、茶室、起居室等空間，體現藝術融入日常的可能性，進而以生活化方式將藝術介紹給觀者。一方面支持台灣當代藝術躍上國際，一方面亦將國際資源引入台灣。現透過定期舉辦展覽、座談及交流會，目標成為台灣與國際接軌的平台。

吳季剛台灣首展《Robert Rauschenberg and Jason Wu: Common Threads》

• 時間：即日起至2026年10月3日11:00-19:00，每週日、一休館
• 地點：TAO ART（台北市內湖區洲子街79-1號8樓）

Longchamp x Caroline Hélain首發膠囊系列重磅登場！延續2026秋冬系列品牌創意團隊所發想的「Creative Curiosity」概念，此次全新聯名服飾、配件及包袋特別攜手比利時藝術家Caroline Hélain，以9幅採用手裁布料層疊而成的岩礦地景，激發人們的探索欲與創意好奇心。隨本篇認識這位創作遊走於具象與抽象之間詩意地帶的當代視覺藝術家，同場看該系列從T恤、絲巾、托特包到旅行包等「自然系」單品設計亮點。

永續與創新，無疑是當代設計兩項不容忽視的重中之重。向來秉持真誠活力與樂觀精神的Longchamp，自1948年憑製作皮革煙斗起家至今，已然發展成為產品涵蓋旅行配件、包袋、服飾、眼鏡及鞋履等豐富類型的全方位生活風格品牌。2026年，Longchamp進一步將其社會責任與環境承諾制度化，透過取得B Corp™企業認證，嶄露不懈推動永續生產的決心。

與此同時，針對自家商品設計與時下藝術脈動的結合，Longchamp亦不遺餘力；舉凡數度攜手多元藝術家推出聯名系列、連年攜各式挑戰工藝邊界的創意家具進軍米蘭設計週，比比皆是實例。本季，品牌懷抱感性與好奇心，首度與比利時視覺藝術家Caroline Hélain展開合作，轉化藝術家所縫製細膩且富有層次的獨特地景為服裝與皮件圖樣，從而以滿含詩意的跨領域對話再次印證：作為Longchamp成立70餘年來的創作核心，廣義「藝術」及其多元表現形式始終扮演品牌旗下一切設計的關鍵角色，深度聯繫著創意團隊對長遠未來的嚮往心情，以及品牌受眾對嶄新視野的開放態度。

▼ Longchamp日前落地台北的2026秋冬系列發表會，於現場構築一座沉浸式畫廊展陳單品

在藝術與實驗之間——認識藝術家Caroline Hélain：

以手裁布料為基礎，描繪光影下別具生命力的自然形態

視覺藝術家Caroline Hélain現居比利時布魯塞爾，兼於布魯塞爾藝術學院進行研究工作，藉交流與實驗持續拓展藝術視野。大都汲取靈感自植物與自然景觀，其作品發跡於手工裁剪和塑形的布料，並經不同材質與色調層層拼接構成，各細節組成脈絡可謂遊走在觀察與記憶、具象與抽象地帶。尤其擅長以細膩視角感知周遭的她，且多運用風景、材質與視覺感官的連結，重新詮釋記憶中的景象；從色彩相互映襯的節奏、線條交織產生的律動、各層布料擁有的共鳴，乃至自由縫製所勾勒出的線條語彙，全是成就Caroline Hélain標誌性風格的有形與無形符碼。除從事個人創作外，她也通過工作室及文化機構舉辦的工作坊，分享自身於縫紉和刺繡領域的專業知識與實務經驗。

針對此次聯名，Caroline Hélain表示，「我的藝術創作存在於具象與抽象之間。與Longchamp的合作，讓我有機會將作品中的自然景致化為可穿戴作品。我所描繪的地平線能隨身形流動，以環繞整體輪廓，這對我而言別具深刻意義。」細賞她精心打造的系列單品，時有一座沙丘、一片峭壁，抑或一道天際線浮現，恰似幀幀被解構後重新拼湊的風景畫。

專屬創作躍然多元單品，邀你穿戴探索未知風景

Caroline Hélain共為Longchamp 2026冬季系列構思9幅專屬地景，各幅作品一方面以細緻的織紋肌理和色彩層次堆疊與品牌單品本身線條有所呼應的柔和意象，另方面而言亦借力於Longchamp精湛製衣與鞣革手法的二度演繹，躍然服飾配件之上。

首先，Daylong系列皮革包袋善用多層次拼接再現藝術家的地景創作，並由Longchamp工坊匠人悉心縫製，盡展品牌工藝底蘊。包型部分提供迷你包與旅行包兩種，邀人們踏上探索未知風景的旅程。

再者，鮮明的色彩構圖同步渡上毛衣與長洋裝，使多款服飾彷彿點綴流動壁畫般自帶生命力。其中最具代表性與辨識度的無袖背心，揉合皮革與初剪羊毛圈紗材質，描繪沙丘和模糊天際線交會的壯麗景觀，實踐藝術與工藝的精妙平衡。

最後，Longchamp遊牧風格衣櫥內所收藏的絲巾、喀什米爾方巾、口袋飾以地景圖樣的T恤，和Le Pliage系列棉質帆布托特包等單品，無一不讓人一眼即識Caroline Hélain的創作。色彩部分選用橄欖綠、薊花紫、焦糖褐與芭蕾粉等富有礦石質地的大地色為主調，帶出自然沉靜的秋冬氛圍。

「每一季，我都熱衷於發掘不同領域的創意人才。我初次看到Caroline Hélain的作品時，不僅被她細膩的藝術感知所吸引，也深深著迷於她精湛的創作技法。這兩種特質恰好呼應Longchamp一直以來重視的創意探索精神與工藝底蘊，因此便順理成章地促成此次合作。」——Longchamp創意總監Sophie Delafontaine