作為荷蘭國家博物館（Rijksmuseum ）的典藏畫作國寶，荷蘭黃金時代畫家林布蘭(Rembrandt van Rijn) 所繪製的《夜巡》（The Night Watch），如今這幅正修復當中的百年曠世鉅作，我們得以透過極高解析度448 億像素（44,804,687,600像素），放大畫中每個筆觸，甚至是繪畫中的顏料顆粒！

創作於1642年的《夜巡》，是林布蘭藝術生涯中最為知名且最重要的名畫，荷蘭國家博物館於去年在館內致力修復工程，荷蘭國家博物館的館長Taco Dibbits表示，「夜巡修復行動」（The Operation Night Watch）的研究團隊，使用了最新技術捕捉畫作的面貌，他們為畫作拍攝多達 528 次照片，再藉由神經網路把每列 22 張照片共 24 列圖片進行數位縫合，最終完成了這張每個像素之間的僅距離 0.02 毫米，總畫質達448億像素的《夜巡》數位攝影作品。雖然Google Arts＆Culture也有《夜巡》的圖像，但此次提供的超高解析度版本比起Google版本，數據更加細緻和好上25倍，並更貼近原作色彩。 

去年7月展開的「夜巡修復行動」計畫，是為紀念林布蘭逝世350週年的企劃之一，共有22名專家參與，包含12位修復師，修復金費高達300萬歐元。如今隨著第一修復階段完工，並將資料數位化，不僅能讓藝術迷突破界線時空觀賞，精密攝影更可以作為未來進行修復時的重要依據。（高畫素《夜巡》點此進）

然而這幅長15尺、寬12尺的巨幅畫像，其背後其實藏著顯為人知的秘密，而《夜巡》名稱更是一項誤導？且看下方解謎名分析！

身處17世紀阿姆斯特丹的黃金年代，然而對林布蘭來說其實一點也不璀璨，縱使《夜巡》是他畢生最重要的畫作，更使他名垂不朽，卻也是促使他晚年潦倒的關鍵。《夜巡》描寫了守護阿姆斯特丹治安的巡守隊帶著火繩槍和長槍，舉著旗幟正要出動的場景，連欣賞這幅畫的人都能感受到在黑暗中的緊急氣氛。僅管作品名稱已成為林布蘭的代名詞，其實並非林布蘭自己取的，大家都以為畫中描繪的是夜間出動，其實畫的卻是白天場景。

為什麼會用一個和主題不符的名稱來稱呼它呢？直到近代，幾乎都沒有由畫家自己為各幅畫作訂定標題的習慣。由於繪畫的主題不是神話或聖經某一場景就是王公貴族的肖像，即使不特地加上標題，看的人都能理解它描寫的是什麼。

林布蘭活躍於17世紀，那時候也一樣。當時在荷蘭產生一種新的繪畫種類「集團肖像畫」，由社會中堅的富有市民一起出錢給畫家，畫出以自己為模特兒的畫作，《夜巡》就是這樣的一幅畫。這是火繩槍手公會六個中隊的其中一隊庫克中隊為了裝飾工會總部的新集會所而向林布蘭訂購的作品。

畫中央穿著黑色服裝、肩掛紅色飾帶，向前伸手的人物就是巴寧．庫克（Banning Cocq）中隊長，他左邊側身站立的是副隊長威廉．范．拉溫天布魯夫（Willem van Ruytenburgh）。因此這幅畫原本的名稱應該是叫做《巴寧．庫克隊長和威廉．范．拉溫天布魯夫副隊長的巡守隊》才對。但林布蘭使用了嶄新的構圖，和一般的集體肖像畫不一樣。在這之前的集體肖像畫，通常將出資者的臉孔一橫向排列，以平等的地位描寫。林布蘭的構圖中每位人物都有動作，有縱深的構圖創造出動態和戲劇效果的畫面。

畫面中巡守隊正穿過龐大建築物的拱門出來，隊長雖向副隊長下達出動指令，其他隊員似乎尚未接到命令，一邊準備出發一邊有各自不同的動作。結果這項創舉適得其反，模特兒中有好幾位都抱怨自己畫得不夠顯眼，因此後來在拱門右邊的橢圓形盾牌上加寫了模特兒名單，但實際上並沒有紀錄顯示有人抱怨。

將白天情景變成晚上的犯人又是誰呢？

有關《夜巡》個標題是這樣的，之所以說這幅畫描寫白天的場景，是根據畫面左上角有強光照進來，隊長伸出的左手在副隊長腹部形成了明顯的影子而來。如果是月光，影子不會如此清楚，如果是火把或蠟燭，則會有多重影子。夜間的光源是無法形成這種影子的。

即便如此，這幅畫還是被加上了《夜巡》的標題，但那是18世紀末以後的事了。這幅畫完成後不久一直掛在火繩槍手公會總部的集會所，之後被移往他處，所有者也換了。歷任所有者為了保護畫作，都會在表面塗上一層透明漆，不斷重覆的結果，加上漆的品質不佳，導致畫面隨著時間劣化變黑。

因此大家印象中都以為這幅畫是夜間出巡的場景而稱之為《夜巡》，並一直被當作通稱流傳至今。

藏於畫中的謀殺案？

關於這幅描繪阿姆斯特丹民兵隊伍的群像畫，還有另一個傳說，據傳林布蘭在此畫中精心佈局了51個謎團，指控畫中人物涉嫌一樁謀殺案以及強迫青少女從事性交易，因此所有的光影、34位人物的姿態手勢、對比、細節、戲劇張力、構圖都被認為是刻意安排的，為了向大眾披露主事者圖財謀權的真相。

英國名導彼得格林那威（Peter Greenaway） 便以這個傳說為題，在電影《夜巡林布蘭》延伸出這個殺機與懸疑密佈的劇本，他把將每一個場景都佈置得像在舞臺上一樣，即使是戶外場景亦如此，營造出一種奇特的空間氛圍，也創造出林布蘭著名的畫感與光影，讓一切正如畫裡發生的一樣。

更多荷蘭國家博物館「林布蘭藝術巡禮」活動可洽博物館官網

https://www.rijksmuseum.nl/en/nightwatch

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本文內容節錄自La Vie出版書籍《解謎世界名畫》

跟著香奈兒國際大獎關注10位先鋒創作者！CHANEL Next Prize兩年一度頒予來自不同國家、不同領域的當代藝術家10萬歐元獎金，和加入品牌人脈交流網絡的機會。從威尼斯雙年展到坎城影展舞台，本文統整每位生平、標誌性風格及過往閃耀足跡。

始於品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）對其摯友薩爾瓦多達利（Salvador Dalí）、尚考克多（Jean Cocteau）等前衛藝術先驅的支持，香奈兒至今通過頒發獎項、締結合作計畫，乃至闢建多功能藝文空間等面向個人或機構的途徑，在全球文化創新軸線上傾力推動——香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）核心項目包括助香奈兒藝術合作夥伴（CHANEL’s Art Partners）領導者們提出突破性長期倡議，以促進多元概念的開展。其中，2021年設立的雙年獎CHANEL Next Prize，無疑標誌著品牌百年藝術贊助承諾迎向全新篇章。

近日，香奈兒文化基金宣布第3屆CHANEL Next Prize來自10個國家的10名獲獎者，表彰現正重新定義所屬創作領域，並塑造未來文化的傑出藝術家。每人可得到無附加條件的100,000歐元資金支援，用以加速藝術實踐並擴大作品影響力；同時還能參與為期兩年、由品牌攜手諸如倫敦皇家藝術學院（Royal College of Art）等合作夥伴共同籌備的導師與人脈拓展計畫。

香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel表示，「CHANEL Next Prize旨在創造條件，讓藝術家得以自由蓬勃地發展；他們每一位都是塑造當下、定義未來的開拓者，以非凡的創造力與無畏精神引領這個時代。」此次背景多元的受獎者專業涵蓋視覺藝術、表演、設計、音樂與電影範疇，香奈兒將見證他們的創作旅程，續寫振奮人心的跨領域支持經歷，不懈深化藝術成為當代和後代「改變人們看待世界方式」的重要力量。

CHANEL Next Prize 2026獲獎名單

• Álvaro Urbano，西班牙
• Ambrose Akinmusire，美國
• Andrea Peña，哥倫比亞
• 金雅瑛（Ayoung Kim），韓國
• Bárbara Sánchez-Kane，墨西哥
• Emeka Ogboh，奈及利亞
• Marco da Silva Ferreira，葡萄牙
• 潘岱靜，中國
• Payal Kapadia，印度
• Pol Taburet，法國

10位獲獎者檔案，尋溯發跡至今的閃耀足跡

Álvaro Urbano｜視覺藝術家

出生於西班牙馬德里，現居德國柏林。擅長模糊虛構與現實界限的沉浸式場域創作，多借鑒戲劇、雕塑、建築與電影手法，建構顛覆觀者視覺預期的美學語言。聞名於寫實復刻植物元素，並藉植物為象徵載體，探討酷兒體驗、隱祕敘事等社會文化議題；如首展《Granada Granada》以木蘭樹枝、石榴植株和龜背竹葉片雕塑填滿展廳，各件栩栩如生到難以察覺其真實材質為金屬。

足跡遍及世界多地，在紐約雕塑中心、柏林新國家美術館、馬德里La Casa Encendida文化中心都曾舉辦個展，亦參與2025新加坡雙年展《純粹意圖》和台北雙年展《地平線上的低吟》。作品被紐約大都會藝術博物館、柏林漢堡火車站美術館、巴黎拉法葉前瞻基金會、墨西哥城Museo Jumex藝術博物館等重要機構永久收藏。

Ambrose Akinmusire｜音樂家、作曲家、教育家（現任史丹佛大學爵士樂研究主任）

出生並居住於美國加州。創作橫跨爵士與當代古典音樂，被廣泛視為同代中最具天賦的小號手之一。身為4次葛萊美獎提名者，共以樂隊領銜身分發行過8張原創音樂專輯，其中5張由Blue Note唱片發行、2張由Nonesuch唱片發行、1張由其自創唱片公司Origami Harvest發行；最新專輯《Honey from a Winter Stone》提名2026葛萊美獎最佳另類爵士專輯。

曾於紐約卡內基音樂廳、倫敦巴比肯藝術中心、柏林愛樂音樂廳及巴黎愛樂音樂廳等知名場館演出，並獲華盛頓特區甘迺迪表演藝術中心、柏林爵士音樂節委約創作音樂。

Andrea Peña｜編舞家（現任AP&A舞團總監）

出生於哥倫比亞波哥大，現居法國巴黎和加拿大蒙特婁。汲取哥倫比亞的祖先記憶，同時將自身工業設計背景跨界融入編舞實踐，構建以身體作為混雜性與賦權性交織的異質宇宙，大膽創造全新敘事形式。

2014年在蒙特婁創立Andrea Peña & Artists（簡稱AP&A）舞團，匯聚多元藝術家共築沉浸式編舞世界；2025年登上倫敦薩德勒之井劇院東館舞台完成英國首演，並已巡演至歐洲、南美及亞洲。大獎紀錄包括威尼斯舞蹈雙年展新編舞獎、英屬哥倫比亞芭蕾舞團編舞獎（Ballet BC Choreographer）。

金雅瑛（Ayoung Kim）｜視覺藝術家

出生並居住於韓國首爾。運用科技探索身分、敘事與體驗在數位時代如何被重塑。其涉及影像、聲音、表演、文字及遊戲類比與生成媒體的創新創作，結合人類與機器視界，呈現當代生活中鮮為人所察覺的層面；如2025年受紐約Performa雙年展委約的《Body^n》透過即時動作捕捉技術，將兩位特技演員的動作編碼成為動畫人物，使數位分身隨表演穿梭於虛擬景觀中，引發對主體性的探問。

不僅接連贏得LG古根漢獎、ACC未來獎、電子藝術大獎金尼卡獎等全球獎項認可，更見列《ArtReview》評選之2025年最具影響力人物「Power 100」榜單。作品曾在紐約現代藝術博物館PS1當代藝術中心、倫敦泰特現代美術館、柏林漢堡火車站美術館、東京森美術館、香港M+博物館等機構展出。

Bárbara Sánchez-Kane｜視覺藝術家、設計師（自創無性別品牌Sánchez-Kane）

出生於墨西哥梅里達，現居墨西哥城。視身體為權力、慾望與身分博弈的場域，創作涵蓋雕塑、繪畫、行為和裝置，多通過解構與重組日常物件，為慣見形式注入嶄新意涵。

2024年於第60屆威尼斯美術雙年展呈現融合編舞、戲服設計與雕塑的作品《Prêt-à-Patria》，探索廣泛流傳的軍事與男性氣概符號。2025年參與上海藝術文化機構Cheruby為期兩個月的駐留計畫。個展及行為表演曾落地洛杉磯當代藝術學院博物館、巴黎東京宮等機構。

Emeka Ogboh｜視覺藝術家

出生於奈及利亞埃努古，現居奈及利亞拉各斯與德國柏林。創作圍繞聽覺核心，藉由聲音介入地域、記憶與社會體驗，亦跨越多種媒介，將實踐拓展至味覺、嗅覺、視覺與觸覺領域，打造沉浸式裝置與藝術專案。意在探討私人和集體記憶、歷史與知識如何被轉譯為感官體驗，並運用具身際遇、而非再現性敘事回應全球化命題。

曾在紐約現代藝術博物館、倫敦泰特現代美術館、柏林漢堡火車站美術館等機構展出，亦曾參與威尼斯美術雙年展、聖保羅雙年展、卡塞爾文件展、明斯特雕塑展等國際性展覽。

Marco da Silva Ferreira｜舞者、編舞家

出生於葡萄牙聖瑪麗亞達費拉，現居波多。自學成才，舞蹈融會都市、當代及俱樂部風格，亦從街舞和社交舞蹈爬梳文化傳承理念，轉化身體動為對話空間。

發跡於2005年，2010年奪下葡萄牙版《So You Think You Can Dance》電視比賽首季冠軍後，作為舞蹈藝術家的職業生涯始獲國內外關注，後並與編舞家Victor Hugo Pontes、Hofesh Shechter等人同台演出；在舞者與編舞家雙重身分下勇於突破邊界，進而確立個人聲譽。曾為多部作品編舞，其中一作《CARCAÇA》入圍2025年倫敦薩德勒之井劇院國際玫瑰舞蹈獎（Sadler's Wells The Rose International Dance Prize）。

潘岱靜｜視覺藝術家、作曲家

出生於中國貴陽，現居德國柏林。涵蓋音樂、電影、表演及大型裝置的多元作品常通過作曲和編舞展開，遊走於相互關聯的當代藝術、實驗音樂與電影之間。

近年在慕尼黑藝術之家舉辦個展《Mute》，以影像、聲音、雕塑、燈光及每日舞蹈表演貫穿18個展廳和戶外空間；在沃克藝術中心呈現《Sudden Places》，將電影、聲音、繪畫與建築帶入美術館場域。參與過光州雙年展、上海雙年展，亦曾進駐巴黎羅浮宮、倫敦泰特現代美術館、香港大館當代美術館。2024年奪德國國家美術館獎、2025年獲巴塞爾藝術展大獎，此外已發行3張錄音室專輯。

Payal Kapadia｜導演、編劇

出生於印度孟買，現居孟買。作品模糊虛構、記憶與夢境的界限。

2021年以《我們一無所知的夜晚（A Night of Knowing Nothing）》成國際影壇令人矚目的新銳之一；該片透過原創素材與現成影像，探討當代印度的生活現實，一舉奪得坎城影展金眼獎，亦入選多倫多影展。2024年再憑劇情長片首作《你是我眼中的那道光（All We Imagine as Light）》榮獲坎城影展評審團大獎，並提名金球獎最佳導演、最佳外語片，被英國電影雜誌《視與聽（Sight & Sound）》評選為年度最佳影片。

Pol Taburet｜視覺藝術家

出生於法國巴黎，現居巴黎。從己身可溯的加勒比文化根源到西方藝術史皆為靈感，創作融噴繪於傳統繪畫技法，錯置神祕人物形象，游走於現實與超自然之間。

2021年，就讀巴黎塞爾吉國立高等藝術學院的最後一年首度嶄露頭角。隨後4年內共在巴黎、柏林、馬德里等多座城市舉辦10場個展，2025年在聖保羅雙年展呈獻大型青銅與水泥裝置《Someone’s Child》。作品被索菲亞王后國家藝術中心博物館、Kadist基金會等機構收藏。

^{資料提供｜香奈兒          文字整理｜Ning Chi}

1985年，地景藝術家夫妻檔克里斯多和珍妮克勞德（Christo and Jeanne-Claude），將坐落塞納河中心的「新橋」（Pont Neuf）用金色帆布包覆起來。如今40年過去，法國藝術家JR將向這組傳奇藝術家致敬，重新詮釋21世紀版本的《包覆新橋》（The Pont Neuf Wrapped）！

連接塞納河左右兩岸，身為巴黎現存最古老橋樑的新橋，建成400多年來屹立不搖，更是走訪花都必看的地標景點，不過這座老橋將在2026年6月時短暫變身，屆時橋身將在藝術家JR擅長的錯視藝術手法下，化為一座有如石山般，名為《新橋洞穴》（La Caverne du Pont Neuf）的公共藝術計畫。

40年前，重新打開藝術想像的《包覆新橋》

先將時間線回到1975年，當時Christo and Jeanne-Claude歷經10年的規劃與協商，才得以在1985年將巴黎最古老的橋，從一座單純的建築橋墩，轉變為一件大型藝術品；兩人用4.18萬平方公尺的金色帆布覆蓋整個橋身、12個拱柱和橋上44盞燈，接著再以13公里長的繩索和12噸重的鋼纜作固定，徹底顛覆大眾對橋樑的既定想像。

作品僅在橋上存在兩週，卻吸引了約300萬名觀眾前來體驗。關於這個驚天之舉，Christo後來回顧時提及，《包覆新橋》不只是對橋的改造，也是對藝術本質的反思，讓大眾進行各自的詮釋解讀，並擁抱藝術的短暫性，「我想要改變它，將它從一個建築物、一個啟發藝術家的對象，轉化為藝術品本身。我希望它第一次成為一座雕塑，但卻是一座短暫存在的雕塑。」

向經典致敬，21世紀新版本的《包覆新橋》

隨著這項龐大公共藝術計畫屆滿40週年之際，藝術家JR將以《新橋洞穴》重新詮釋新橋，不僅是向經典致敬，更要延續這條「臨時性轉化」的藝術脈絡，書寫新的篇章。

JR版本的新橋，其設計靈感來自供應巴黎歷史建築石材的採石場，透過原始、粗獷的質感，與巴黎精緻優雅的氣息形成對比，進而展開巴黎與自然、建築之間關係演變的反思。

JR 表示：「我深受 Christo 與 Jeanne-Claude 的藝術視野啟發，也認同他們所間持相信的，藝術的使命，是要讓大眾思考。一個在公共空間中的大型計畫所引發的討論，其價值與作品本身的實現同等重要。藝術是一種轉化，也是一種重新讓我們觀看世界的方法。」

屆時JR將與Christo and Jeanne-Claude Foundation團隊合作，《新橋洞穴》則預計在 2026 年6月6日至6月28日展出，若那時剛好準備造訪巴黎的人，千萬別錯過看見經典橋樑轉化為一座彷彿石窟洞穴塑般的機會。

資料來源｜JR 官網