看了文章首圖如宇宙神秘星團的畫面，你會想到什麼？其乍看如Midjourney產出的超現實風格影像，由AI接收精準的指令、對焦網路上的資料庫後生成，其實不然。這是攝影師林炳存全新系列作品——《蒼藍小點》，由他親手拿著相機，以人、石、水、植物4大元素為拍攝對象，經過無數次本人或物件「旋轉」，也仰賴數十年來當專業攝影師所積攢的測光經驗，不停實驗而成，過程中充滿近乎職人工藝式的專業與堅持。

從商業攝影師到攝影藝術家

說到林炳存，許多人會想到他為國內外名人拍攝的人像作品——從70年代女神林青霞、崔苔菁的美好姿態；當代國內外實力派演藝人如張惠妹、全智賢、伍佰等的氣勢神情；再到舒淇與馮德倫拍婚紗的浪漫身影，都被他的鏡頭捕捉，並永遠留下。談到攝影，林炳存說能將興趣發展為事業無疑令人興奮，但耕耘攝影多年，他感受到商業攝影的「被動」，於是回歸自我、將個人念想注入作品，投入藝術攝影，探討更廣闊的攝影創作可能。

個展展出中！攝影新作《蒼藍小點》以鏡頭想像宇宙起源

在最新作品《蒼藍小點》中，林炳存以宇宙為發想，將人體、山石、水、植物拍出猶如宇宙天體的奇幻面貌。林炳存說，《蒼藍小點》的起源是一場詭異的夢——夢裡存在飛碟、外星人，一旁卻是熟悉的街景與日常。聽來詼諧，但這場夢卻讓他開始思索——每個生物的眼球構造都不同，那麼在看到事物後的想法也會相異；換句話說，每一生物的眼裡，都存在著專屬自己的微縮宇宙，而宇宙沒有天南地北的邏輯，萬物多以「圓」的型態存在著。

「時間是相對的，我們雖然不斷前進，
在時間眼裡，我們卻是靜止不動。」 —林炳存

蒼藍小點 - 植物（五）。（圖片提供：林炳存）

對林炳存來說，這個「圓」是「原」，同時也是「源」，於是一系列看似神秘星團、既為具象也為抽象的攝影作品誕生，呈現了他想象中萬物分子起源的輪廓。為了呼應這個想法，林炳存特別以NASA航海家一號從64億公里外的太空所拍攝到的地球照片「Pale Blue Dot」為發想，來為此系列作品命名，而即日起至2023年5月21日，同名展覽《蒼藍小點》在他位於台北內湖的私人攝影棚「ABOOK STUDIO」展出，現場集結19件尺幅多元的攝影創作。

拍攝幕後：流動線條、奇幻色彩背後的秘密

創作《蒼藍小點》時，林炳存暫時拋開以底片及暗房為基底的慣用手法，展開投身藝術攝影後的首次全數位創作。畫面中被攝物難以描述、極為神秘的線條與色彩，由林炳存以長時間曝光搭配「旋轉」方式實驗而來，怎麼個轉法？創作過程中，他嘗試過把物件擺在轉盤上轉、讓相機轉，或自己直接在拍攝現場轉起來。

每次按下快門的結果都帶有一定程度的未知——他可以透過控制旋轉的角度、速度去想像成品，卻無法完全掌控最終畫面，且拍攝當下認為最理想的瞬間稍縱即逝，所以觀眾在展覽現場看到的作品，可以說是直覺、經驗和耐心的總和。

相較於線條的不可控，色彩對林炳存來說相對容易掌握，因為擁有多年商業攝影經驗，且對於光線調控的技巧已爐火純青，這讓他單看拍攝對象或物件本身，就能夠清楚成品的色彩走向。

在這場攝影師、鏡頭、模特與物件的旋轉實驗中，相機在林炳存手中彷彿成為畫筆，繪出充滿流動感的影像軌跡。即使是靜態攝影作品，仍充滿宇宙獨有的生命能量，帶有令人忍不住想窺探的神秘吸引力。

我們該如何理解《蒼藍小點》？

投入攝影多年，從人像商業攝影拓展至藝術創作，林炳存逐步跳脫具象形體的框架，在《蒼藍小點》更跟隨夢境的啟發，透過攝影追尋萬物的無形之姿，嘗試探尋鏡頭、人、物之間最原始的關係。因此，他特別不為《蒼藍小點》系列作品命名，而單純以被攝物標示，期待觀者自行發揮想像力，去思考影像的圓／原／源點是什麼？這非既定印象中攝影的視覺效果背後，有著什麼樣的物件，又堆疊了哪些動作與技法？看完展覽，也許每個人的眼中，都能窺見自己的微縮宇宙；也或者，看見的不是宇宙也無妨。無論如何，《蒼藍小點》都提供了一種看到本質及體驗世界的新方式。

同場加映：伍佰看《蒼藍小點》

・一個又一個異世界

展覽開幕當天，林炳存多年的合作夥伴兼好友伍佰也親臨展場，兩人拋開平日身份，單純以攝影愛好者的角色，展開一場交流攝影與藝術的對談。現場，伍佰分享了《蒼藍小點》觀後感，「一開始用手機看，以為是一顆又一顆的寶石；看到實品，每張（攝影作品）都是一個異世界。」這也讓他想起過去與林炳存的合作經驗，「拍照時，他很喜歡用不同的語調喊『好』，那會讓人達到一個自信、釋放自己的境界，把人帶進他的異世界。」有幾次少了幾聲「好」，伍佰反而覺得是不是哪裡出了問題？

・展場的選址巧思

曾多次到ABOOK STUDIO拍攝的伍佰也特別提到，《蒼藍小點》展覽選在這裡舉辦很有意思，「台灣八成的明星都來這裡拍過照，當人們在這看展，就會知道我們曾經在這裡工作，很妙，就好像我在我的錄音室辦演唱會。」而策展人林采頤也補充，這座攝影棚紀錄了藝術家本人的創作脈絡，且《蒼藍小點》也是在此拍攝，當觀眾置身其中，彷彿重回拍攝現場；此外，佈展時特意讓作品「發散式」排列，並搭配林炳存親選、氛圍寧靜幽謐的背景音樂，希望讓沈浸感更為深邃，讓觀者有種置身星系之中的感受。

最後，伍佰也幽默對兩人的攝影風格做了收束，「藝術本身不是重點，『追求藝術』的過程才是重點——只是他在棚外、我在戶外，因為他會打光、我不會，他是找到的、我是矇到的。」5月21日前，不妨到《蒼藍小點》展覽現場沈浸於林炳存循著奇異夢境引領、神遊宇宙後，透過雙手與雙眼找到的光。

林炳存最新創作《蒼藍小點》 特展

展期｜2023年5月5日至21日

時間｜11:00－19:00（週一休息）

地點｜ABOOK STUDIO

地址｜台北市內湖區港墘路221巷39-1號 

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

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