近年展覽活動、專輯封面、品牌視覺等，越來越多與插畫家的合作，帶有劇情或情緒的圖像表達令人深刻。本次La Vie邀請低級失誤、Johnnp展開對談，分享台灣插畫家如何形塑自我風格，以及在電繪技術普及的現下，又有哪些自身的概念與技法：

2022元旦總統府升旗典禮主視覺由插畫家低級失誤操刀，輕盈可愛的漫畫風格引起大批迴響。細究低級失誤的畫風，不難看出日漫的影響，但在市場熟悉的少女漫畫基調裡，又能看出她在人臉情緒、抽象身體，以及分鏡使用上的獨特技法。她的作品常以人物為主角，流著眼淚的角色是喜或悲，交給觀者自行詮釋。而在日香高級生吐司、感傷唱片行、niko and ...等品牌，由Johnnp繪製的系列插畫人物也為大眾所知，吃吐司、喝咖啡等日常動作，在他的簡約筆觸下多了分幽默。這次邀請擅長描繪人物的兩位插畫家以本尊現身，一探畫作裡的人物塑造，以及畫作外的插畫家職涯歷程。

La Vie：先聊聊你們的畫風養成，是否歷經不同階段的轉換？

低級失誤：剛開始接案的風格完全不是現在這樣。畢業後研究許多市場喜歡的風格，也因為大學念設計，看到很多設計都很極簡，所以早期畫風偏「向量」。現在回想起來，當時太用力想做好商業案，想滿足客戶所有需求，但這件事是不可能的，也沒有因此接到什麼好案子，而是一堆爆肝案，一張圖改了30、40次。有一次也是不斷改稿，最後客戶說想要最一開始的，那時候我很困惑，這段時間到底都在忙什麼？我就先停下來，乖乖去設計公司上班，有時會在會議中塗鴉，因為沒有客戶就畫得沒有壓力，在朋友鼓勵下傳到社群，作品累積越來越多後，開始接到一些案子。現在的畫風其實比較接近小時候畫的，從小看很多動漫、同人展，是鐵宅的那種！《少女革命》是啟蒙，讓我知道畫畫可以講故事；論究風格，我受到超多人影響，比起《少女革命》，我可能更像《愛天使傳說》、《美少女戰士》，或是漫畫家種村有菜。找到個人風格是很微妙的過程，關鍵在於怎麼意識到「這樣就很像我了」，比如說這張畫可以看出這個畫家有點喜歡《美少女戰士》，但又說不出是誰，那可能就是我吧！

Johnnp：欸，最近發現很多老動漫歌都很好聽！不過我小時候很不會畫畫，只會隨手畫一些《七龍珠》，五專學寫程式、大學讀互動裝置，真正開始畫畫是在大學畢業後，買了數位手繪板，自己嘗試一些筆觸。早期畫風偏向古歐洲宗教繪圖，比較繁複、華麗、對稱，我私底下很喜歡看一些奇怪的、很老的圖像學，例如蛇在吃自己的尾巴、長翅膀的烏龜，了解這些圖像背後的寓意。以前畫這些純粹是喜歡，但把作品放到大眾市場後，發現太繁複的東西比較難親近，就逐漸簡化。2017年在IG上展開「The Song Stuck In My Head Project」計劃，用一張插畫介紹一首歌。第一件作品因為當時Linkin Park 主唱Chester Bennington 過世，就畫了他的人物，也開啟了以人物出發的創作模式。現在也會有人請我畫回以前的風格，像國蛋的專輯《Earlier This Morning》，但我還是稍做調整，讓筆觸比較簡約。

La Vie：在人物繪畫上有何概念與技巧？

Johnnp：創作時會先寫一個公式：跟主題的連結、動作、一個巧思。例如參與「niko and ...」舉辦的創作者市集，他們找了台灣和日本的插畫家，但沒有規定明確主題。我就從台灣出發，直覺想到珍珠奶茶，一個人在路上喝珍奶，但是踩到了口香糖，踩到口香糖這件事也很台灣，這樣的連結是好玩的。還有和《妞新聞》聯名的咖啡禮盒，咖啡周邊的案子接過太多，老實說已經不知道還可以畫什麼。有天在公車上突然想到，可以用類似表演藝術的方式，以人物動作呈現手沖咖啡的情境，所以就畫了3個人，中間的人一手插腰一手往前伸，模仿手沖壺的樣子，兩旁一人拿杯子一人扶著他。我的人都以真人比例去畫，膚色也研究蠻久，電腦色差一點點就偏很多，還建立了一套膚色色票，是介在黃種人跟白種人之間的顏色。我很在意人物的手指，每根指頭有兩個關節，之間的彎曲、線條，這些細節很難處理。所以我蒐集很多關節照片，拍下自己擺的姿勢，或是請朋友幫忙做動作給我看。

低級失誤：這招很好用欸！我也會自己在電腦前比一些怪手勢（笑）。我覺得用手來表達事情，是一種挺優雅的說法，比如說手稍微擋在臉前，就可以傳達「我不喜歡」的意思。但你的人物都畫得很真、很準，我很少畫出整隻手，常常只有手指而已。不過我的人物一定會出現臉，一開始其實沒什麼目的，只是想先把臉畫好。後來發現我很喜歡漫畫裡很大的分鏡，印象最深的是《晚安，布布》，用了兩個跨頁呈現女主角在哭，第一頁快要哭了，翻過去就是大哭。只用一張圖，光用表情就表達很強烈的情感，那是很美的事情。我筆下的人物蠻常在哭，但他們不一定都在難過，眼淚在圖上的意思就是眼淚，我很喜歡觀者在看的時候，自己推測他們為什麼在哭。在用色上我對藍色有點執著，不同於多數人的畫布是白的，我打稿的時候是從藍色先開始，從藍底去找皮膚、腮紅、臉頰的顏色，多少會被墊在下面的藍色影響，所以蠻多人說我的色澤比較復古，有點像以前的賽璐璐動畫。但我也會使用彩度很高的，作品會比較high，低彩度則可以抒發情緒。像這次元旦總統府升旗典禮主視覺就是高彩度，讓大家感到開心，非動漫圈的人也比較能夠接受。

La Vie：創作音樂相關合作案時，如何將音樂的聽覺轉化為插畫的視覺？

Johnnp：變成插畫家，其實只是換一種方式喜歡音樂。我的第一檔個展《Listen 01》，就是用插畫畫各種類型的音樂，因為以前做過DJ，知道怎麼把音樂結構拆解。用圖像表示的話，Techno是很工整、一層一層的，House則是一個循環圖像。我很崇拜日本插畫家永井博，他畫了山下達郎等眾多知名City Pop 音樂人的專輯封面，某種程度上他的畫風定義了City Pop的音樂風格。

低級失誤：我很喜歡在圖裡強調流動感，好像有時間在動，但被按下暫停，這個形象蠻適合和音樂性的作品搭配。最近幫美國獨立樂團Khruangbin畫封面，他們的音樂很棒，但音樂很棒這件事要怎麼用圖片說明？他們希望以團員為主角，我就讓3個團員的臉都超大，大到像日本動漫明星，讓大眾覺得這是新的角色，想知道他們叫什麼名字。還有落日飛車的單曲〈Let There Be Light Again〉封面，雖然歌名的意思有「變亮」，但我沒有真的讓什麼地方變亮，只是在人物身上畫了一顆小小的愛心，我的設定是他在等人回家，對方回來後他就可以充飽電，心裡才會變亮。我一直覺得落日飛車的音樂有一種質感很好，但又有點距離的感覺，所以在圖像上也不用那麼直白。

La Vie：目前在插畫職涯上遇到的挑戰是什麼？

低級失誤：挑戰比較多是自己給自己的，我很想要製作我的系列創作，這是給自己的考試，練習把想說的事情說得清楚、精簡、有意思，也要自己花錢辦展覽，自己給自己壓力。這樣的創作就會很誠實，如果可以誠實地把自己的系列作品做得滿意，在接案上也會更有信心，客戶也會更信任你。這半年都是做案子居多，我希望下半年可以挑戰自己的系列，要做什麼還不知道，但我希望它是很難的，要對自己嚴格一點。

Johnnp：每隔一段時間，一定要自己給自己考試，不可能一輩子只畫一樣的東西，也不能一直接商業案，一定要為自己創作。去年12月都沒有接商業案，都在畫壓克力，我試著把壓克力畫得很平整，但某些線條希望它是浮起來的，就去調配出自己專屬的顏料，過程就是不斷實驗，或是一直煩美術社的老闆。今年的ONE ART Taipei 正式創作了壓克力系列。還有另一個挑戰，就是常常會看到很多人畫得跟我很像，一開始蠻生氣，後來想一想不需要擔心。現在數位繪圖用到的工具其實都差不多，我教你用哪個筆畫，你就可以畫出類似的東西，但畫出來的主題和想法有沒有在裡面，才是比較重要的，希望自己能夠做出對這產業健康的決定。

Johnnp

擁有多重創作身分：圖像設計師、插畫家、DJ經驗、品牌平面攝影師、派對錄像攝影。插畫作品早期以極簡線條詮釋裝飾藝術，透過音樂作為靈感，推出系列代表作「The Song Stuck In My Head Project」；近年以極具辨識度的幽默人像作品，展開各式跨界品牌及媒體合作，並不斷找尋新媒介呈現插畫創作，受邀於國內外各店家櫥窗、藝術空間合作大型作品。 IG：Johnnp

Saitemiss 低級失誤

「低級失誤」可以用在形容一件你不知道該怎麼處理的情況，一種笨拙的愛意，一些秘密儀式，一張你喜歡的、但卻有瑕疵的臉。雖然我的舞步總是跌跌撞撞，但來吧，讓我們來場兩情相悅的華爾滋吧。創作主題以戀愛出發，透過不同形式將插畫具現化，追求實驗融合的曖昧結果。過去與總統府、Apple、誠品畫廊、落日飛車、Khruangbin、Limi樂團等合作作品持續發散。IG：saitemiss

採訪整理｜張以潔　攝影｜蔡耀徵

圖片提供｜低級失誤、Johnnp　場地協力｜朋丁pon ding

更多生活美好滋味皆在 La Vie 2022/2月號《人生的味道是＿＿》 

數位分身與人類本尊有何差異？非自然的建築，可以如生命體般蠕動嗎？2025大阪世博最具話題性的展館，新媒體藝術家落合陽一策劃的「null²」絕對榜上有名，堪稱最難預約展館之一。他以「鏡子」為媒介，藉由這座會呼吸、舞動的建築詮釋其自身的「數位自然」理念，邀請觀眾駐足重新思考人類與未來科技間密不可分的關係。

「null²」的建築體由不規則的鏡面方塊堆疊而成，外牆由邊緣向中心凹陷、扭動，配合音響的震動，每一分秒都映照出世博會場的萬千模樣。除了充滿未來感的吸睛外觀之外，「null²」場館內的天花板、地面鑲上了發光LED面板，四周牆面則以鏡子組成，無止境地反射了展間內的人群姿態。而豎立在展場內的大型螢幕，則是能夠遇見「數位分身」的裝置。置身其中，人們將透過螢幕與自己的分身互動、對話。

操刀這座展館的落合陽一身兼新媒體藝術家、研究者與企業家等頭銜，以自身發展出的「數位自然（Digital Nature）」理論為基礎，致力於探索數位空間與物質世界的融合。在創作上，他常透過超音波、雷射等先進技術再現光、聲音或水等自然元素，創造出既真實又虛幻的體驗。或者是透過作品將「空無」、「存在」等抽象概念具象化，誘發人們思考生命的本質。他也積極於新聞節目、論壇等公開場合現身發言，在AI、高齡化社會、教育制度等方面提出獨到觀點，是目前廣受日本社會矚目的跨領域人物。

以新媒體藝術打破既有概念的二元對立

落合陽一於2017年曾參與協助日本爭取世博主辦權，直到世博確定落腳於大阪後，他也在2020年以新媒體藝術家身分正式加入，成為主題館的8位策展人之一。「我一直透過創作和研究持續探索『鏡子』、『數位分身』以及『空／null』等概念，懷抱著強烈的企圖心，希望能在世博這樣具有高度公共性的大型展會上，實現大膽的社會實驗。」他說。

呼應這屆世博主題「設計一個讓生命閃耀的未來社會」，主題館「null²」也被賦予了「鍛造生命」此一關鍵字。面對這個命題，落合陽一結合其自身的創作概念之一「null／空」展開發想。他說明，在電腦科學中null 代表了「空值」；而在佛教思想中，「空」指的是「雖無形，卻能化為萬象」的原始狀態。乍看來自不同領域，但這兩個術語擁有「因為尚未定型，反而孕育著一切可能性」的共通點。「我認為從『空／null』的狀態中創造全新價值的過程，正是『鍛造生命』此一行為本身。」他解釋。

這並不是落合陽一第一次在創作中採用此一哲學思維，包含2022年的《null的樹影斑駁》（nullの木漏れ日）與2024年的個展《晝夜交替亦為神佛：鮨null∴鰻龍》（昼夜の相代も神仏：鮨ヌル∴鰻ドラゴン）中，皆可見「空／null」的概念應用。透過電腦技術，落合陽一創造出無形的光或影像，讓觀者體驗到無形之物的呼吸、氣息，藉此撼動「無與有」、「自然與人工」等二元對立的概念。而大阪世博的「null²」則將概念再往前推進，不僅止於單純的展出，更創造出了數十萬人可同時共感的參與式體驗。「可以說是過去作品的集大成，同時也是對未來社會的一種原型預演。」他說。

讓建築像生命體蠕動，又保有安全結構

從中心思想「空／null」出發，落合陽一更以長年來的創作媒材「鏡子」串聯起整體概念。他說明，鏡子自古以來扮演著「區分自我與外界邊界」的意義，但當鏡面產生扭曲時，整個世界也會產生流動，自己的輪廓也逐漸瓦解。「正因如此，當我們試圖重新思考『什麼是自我』、『何謂世界』時，鏡子是一個非常有效的象徵媒介。」他說。

展館外側的「鏡子」，由日本膜結構領域的知名大廠「太陽工業」以及建築團隊「NOIZ」共同協力完成。落合陽一和太陽工業嘗試在樹脂薄膜上蒸鍍金屬，經過數年的嘗試後，才開發出現今保有金屬光澤，卻又能柔軟變形的鏡面膜。他們也研發了一套透過機械手臂的局部壓迫、大型低音喇叭產生振動來扭曲牆面的操控技術，藉此營造出建築體的動態生命力。

另一方面，建築團隊NOIZ 面臨的挑戰，則是如何在鏡面膜的動態呈現下，保持整體結構的平衡與安全性。為了解決這個問題，NOIZ團隊將建築劃分為多個區塊，限定了可動範圍，除此之外的部分則使其自然地反映環境震動。落合陽一說：「這樣的設計使建築彷彿生命體般蠕動，卻又保有建築結構的安全性，成為此次技術突破的關鍵。」經過無數的挑戰，最終才得以設計出團隊所設定的願景，打造出一座「不是靜態的容器，而是流動且具有智能的建築」。這也反映了落合陽一的「數位自然」理論，讓「非自然」能「如自然般舞動」，藉此誘發觀眾重新思考人類與自然之間的關係。

當自我與數位分身相遇

走進展館內，則是另一面映照自我的「鏡子」。不同的是，這面鏡子不是忠實地呈現鏡前的一舉一動，而是在鏡中重生出另一個自己。由落合陽一團隊所開發、取名為「Mirrored Body」的數位分身，結合了入口處的高速3D掃描技術、聲紋識別與AI語音合成裝置，再加上大型語言模型驅動的即時對話生成系統，不出數分鐘內，自己的分身將會被投影到展館內的螢幕上，與本尊進行互動。

針對開發數位分身的動機，落合陽一說明，未來數位分身可能成為「擴增自我的代理人」。它們可以代替本人參加會議、協助創作，成為AI與人類協作發展的重要媒介。不過同時，也會產生「何謂真正的本人？」等身分認同的疑惑，以及數據管理和所有權等倫理議題。「正因如此，我認為在世博進行這場實驗，對於推動社會共識、深化哲學反思有很重要的意義。」他說。

在世博舞台拋出質問：人類該如何與科技共生？

在世博實踐自身思想的實驗性行動，十分符合落合陽一看待現今世博的舉辦意義。他提到，19世紀的世博展示了國家威信，20世紀的世博則在宣揚企業實力，而進入21世紀，世博正逐漸轉型為全球環境課題、文化多樣性的對話場域，以及包容新的價值觀、哲學思維的實驗平台。他說：「包含AI、機器人、區塊鏈等，在這個即使是個人也能引發巨大革新的時代，世博不再只是『為了國家或企業的展覽』，而更像是一個『匯聚多元未來願景的沙龍』。」

回歸其新媒體藝術家角色，聚焦於世博中的科技革新應用時，落合陽一向我們分享了他對於未來世界的想像。「整體而言，我對科技發展抱持正面態度，特別是對於AI與數位分身在『擴增人類』方面的應用充滿期待。如果我們能讓AI部分取代知識工作、活用多個虛擬分身，甚至由AI代理我們的思考與行動，人類就能更專注於創造性與自由的活動。」他說。

但同時落合陽一也強調，科技發展也伴隨了自我認同、倫理道德的問題，尤其在社會制度尚未跟上的階段即過度濫用科技時，會產生不少未知的危險。不過他也說，也因此世博正是個絕佳契機，開放眾人共同討論「未來社會的理想樣貌」。他說，「在這過程中，既有如置身於烏托邦般的樂趣，也可能混雜著迷失自我的反烏托邦式恐懼。最終，『null²』將作為一個裝置，引導我們思考：人類該如何與科技共生、如何取捨，並在此過程中持續『鍛造生命』。」

落合陽一

新媒體藝術家。1987年出生，自2010年開始藝術創作活動。作品以跨領域的物化、轉換，以及對實體物質的憧憬為主題發展。現任筑波大學副教授，亦擔任2025大阪世博主題館策展人。代表作包括攝影集《質量への憧憬》（amana・2019）、NFT作品《Re-Digitalization of Waves》（foundation・2021）等。曾獲2016年Prix Ars Electronica榮譽獎、歐盟STARTS Prize、2019年SXSW Creative Experience ARROW Awards；入選《Apollo Magazine》40 UNDER 40 ART and TECH、獲得亞洲數位藝術大賞優秀獎，並多次入選文化廳媒體藝術祭藝術部門審查委員會推薦作品。

_{企劃｜張以潔　文｜廖怡鈞
攝影｜蔡耀徴、Ninagawa Mika
圖片提供｜Yoichi Ochiai}

「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？」在陳曦的花藝世界裡，花與花器互為主體，共同塑造作品的輪廓。從初遇日式「草月流」花道的自由創作精神，到成立花藝工作室與選品品牌牌Ephe3era，她一步步將創作哲學融入日常，讓器物成為情感的延伸，也成為她與世界溫柔對話的方式。

陳曦原本在服裝產業從事打樣與代工生產管理工作，雖然能熟悉服裝製程與生產環節，卻也著重執行與標準化，較少自由發揮的空間，讓她感到日漸枯燥與受限。直到一次在日本旅行時，朋友提議參加插花課，她才首次接觸到這門藝術，「當時其實沒有太多期待，但那堂課意外開啟了我對花藝的想像。」像是在心中埋下了一顆種子，回到台灣後，她在網路上找到了草月流的花藝課程，從此開始一邊工作，一邊學習插花的生活。

「不同於池坊、小原流等傳統花道的嚴謹規範，草月流提供更開放的創作空間，讓插花者能自由展現個人特色。」對陳曦而言，草月流最吸引她的就是其自由性。成立於1927年的草月流標誌了日本插花藝術的現代化轉變，提出「任何人、任何材料、任何地方都可以插花」的核心理念，鼓勵創作者靈活運用各種現成素材。而二戰後，東京滿目瘡痍、鋼筋裸露的建築殘骸成為日常景觀，草月流的藝術家便開始以這些廢墟物件作為創作靈感——不論是鐵條、碎裂的混凝土、舊家具的一角，甚至殘破的瓦片與木樁，都成為作品的一部分，進一步打破了傳統插花對花器的限制。

花期易逝，器物長存

隨著深入學習花藝，陳曦也開始對花器產生強烈的興趣，並以「住家兼工作室」的方式斜槓經營花藝事業，同時開設花藝課程。然而一次搬家時，她驚覺自己的花器收藏已經多到成為一種（甜蜜的）負擔，加上學生們也希望能嘗試更多不同類型的花器，選品支線Ephe3era的概念便因此成形。「隨著收藏越來越多，我開始思考，這些花器不該只是靜置，而是應該進入更多人的生活，被不同的人持續使用。」她回憶道。

「Ephe3era這個名字來自英文Ephemera，指的是短暫存在的事物，例如車票、收據等短期使用的印刷品——植物的生命短暫，器物卻能長久流傳。」陳曦透過網拍、跳蚤市場以及與陶藝家合作，尋覓各種材質與風格的花器，納入她的選品。其中，她特別喜愛二手的陶藝花器，「它們就像古著，即使不是全新，也因為帶有手工痕跡與歲月質感，更顯生命力。」對她而言，器物全新與否並不重要，重要的是它們能否經得起時間考驗，成為值得長期擁有與使用的存在。

花與器相依，共築創作的平衡

而談及花器在花藝中的重要性，陳曦認為，關鍵在於如何運用它來決定作品的呈現方式——「今天我想讓花器成為主角，還是讓花成為主角？或者，我希望它們彼此搭配，讓兩者同時成為主角？」這沒有固定標準，而是取決於創作者的風格與當下的設計意圖，「如果花器本身造型感強烈，例如帶有雕刻細節或特殊結構，那麼花材應相對簡約，以免喧賓奪主；反之，當花器設計素雅低調，花材便可更加豐富或具層次感，展現作品的張力。」在她的創作中，花材與花器並非單純的主角與配角關係，而是互相烘托、彼此成就，塑造作品的完整性。

日常創作時，陳曦偏好素雅、沉穩的花器，例如選擇帶有灰階、低飽和色調的器物，並避免使用過於鮮豔的花材。「有些人擅長創作濃烈、飽滿的風格，而我則喜歡讓作品帶有收斂、安靜的氛圍。這可能與我的個性有關，因為我本身比較強烈，所以在插花時，會希望讓自己回歸平衡。」不過近年來，她也嘗試跳脫既有的創作習慣，例如在作品中加入亮色作為點綴，讓色彩在畫面中產生層次變化。這樣的改變，不僅讓創作保持新鮮感，也讓她在熟悉的風格之外，探索更多可能性。

器物是橋樑，花藝是對話

隨著對花藝與器物理解的深化，陳曦逐漸發現，器物不僅是創作的載體，更是一種連結世界的方式。「當購買或收藏某樣器物時，我們不只是獲得了一件物品，而是將它的故事、文化背景，甚至製作者的想法帶回家。」 她形容器物像是一座橋樑，串聯著製作者與使用者之間的美感共鳴。這種感受也體現在她與陶藝家的合作中——即便雙方並無私交，透過欣賞與使用對方的作品，彼此之間也形成了某種連結。而當這些器物進入更多人的生活，這份對話也將持續擴展。

「在開始做花藝前，我並不確定自己真正熱愛什麼，但當我投入其中，透過與不同的人合作，發現有人欣賞我的作品並願意交流時，漸漸找到了自己的方向。」從開始學習花藝到成立自己的工作室，對陳曦而言，每一次花藝創作，都是一次尋找平衡的探索，也是一場與世界的對話。當花器與花材相互襯托，它便不再只是靜態的擺設，而是一種情感的延伸，讓器物真正融入生活，也讓她在創作的過程中，與世界產生細膩而深遠的聯繫。

陳曦的花&器——搭配筆記

 花材 

拖鞋蘭・乾燥枸橘樹枝

 心法 

這次的創作從花器開始——先選了一款少見的 設計，再回頭搭配手邊的花材，意外找到剛柔之間的平衡感。作品以「尖銳與圓潤」的對比為主題，花器並非單一圓形，而是圓與銳角的錯落組合，帶來獨特的立體感。搭配刷成香檳金的乾燥枸橘樹枝，增添個性與結構感；拖鞋蘭的花腳刻意剪短，使其成為畫面中的穩定重心，不會太搶戲，卻能保留獨特的神情。整體配色以低飽和為主，讓視覺柔和卻有層次。

 花材 

假肉桂・獼猴藤・小町草

 心法 

選用了一款帶有燒焦感綠點的花器，釉色變化自然，質感獨特。這類多孔花器是草月流常見的特色，能自由調整插花方式，而瓶口間適當地留白，更凸顯花器是作品的一部分。花材搭配上，讓不同質地的枝條交錯，既有輕盈感，也帶點中性氣質，營造滿滿的春日氛圍！

陳曦

以日本花道作為基礎，發展出和洋混合風格，講究花材色調的和諧以及多元的花型設計；善於解構植物原有型態，跳脫傳統的插花手法，賦予人們對日式花藝新的印象。2019年底於台北開啟花道私塾，以日本草月流派為主軸，透過基本花型探討花與生活周遭連結的可能性。同時經營線上花器選品Ephe3era。

_{文｜葉欣昀　攝影｜蔡耀徵}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/4月號《從器物開始的理想生活》